EFEMÉRIDES 2024
Los Peligros del Flirt
1924
del estreno de Los Peligros del Flirt.
En comedias como ésta es inevitable referirse al toque Lubitsch, ese toque indefinible que el gran director berlinés dejaba en sus películas, un guiño de complicidad dirigido a los espectadores inteligentes. Allí donde otros necesitarían gags convencionales ó imágenes más ó menos tópicas para lograr la sonrisa del público, Lubitsch necesita unos pocos elementos, pero eso sí, los dispone de tal forma y con tal artesanía que tanto él como nosotros sintonizamos la misma frecuencia. Lubitsch hace cine para espectadores inteligentes y, lo mismo que el uso desarrolla el órgano, el cine del director germano desarrolla nuestro intelecto, y no me negaréis que resulta más atractivo el cine del teutón, toque Lubitsch incluido, que la monótona uniformidad de los sudokus, si de potenciar la mente se trata.
Lubitsch la consideró su mejor comedia. No es su mejor película y tampoco su comedia maestra, pero es indudable que estamos ante una obra absolutamente lograda, casi sin palabras, porque si una imagen vale más que mil palabras, si la imagen es de Lubitsch su valor supera la Enciclopedia Británica. ¡Cuanta razón tenía Billy Wilder cuando afirmó que "Lubitsch era capaz de hacer más con una puerta cerrada de lo que la mayoría de los directores son capaces de hacer con una bragueta abierta"!
Cary Juant.
El Abrazo de la Muerte
1949
del estreno de El Abrazo de la Muerte.
Siodmak fue uno de esos realizadores europeos, que huyendo del nazismo, se asentó una larga temporada en Hollywood, donde la película ‘El hijo de Drácula’ (‘Son of Dracula’, 1943) le dio algo de prestigio, y a partir de la cual se adentró de lleno en el cine negro, género con el que cosechó no pocos éxitos, dejando algunas de las muestras más representativas para la posterioridad, como el film que hoy nos ocupa, ‘El abrazo de la muerte’, que puede ser vista como una repetición de los esquemas de la previa ‘Forajidos’ (‘The Killers’, 1946), también protagonizada por Burt Lancaster, volvemos a encontrarnos con el fatalismo de personajes abocados a la perdición, con una mujer fatal y un golpe perfecto que por supuesto sale mal.
Todos los tópicos del género se reúnen en el cinta: la mujer fatal, un pasado turbio, el inevitable destino trágico, el policía que lo sabe y no puede hacer nada pare evitarlo, el dinero como motor de la vida, el adulterio y los amores tercos... Los reúne todos, pero funciona, vamos que si funciona, perfectamente, una grandiosa película, una maravilla. No dejes pasar la oportunidad de zambullirte en esta exquisitez. Muy, pero que muy grande.
Cary Juant.
Carta a Tres Esposas
1949
del estreno de Carta a Tres Esposas.
La
historia es muy sencilla: en una pequeña ciudad de provincias, tres
amigas y esposas reciben una carta de una cuarta en la que informa que
se ha fugado con uno de sus maridos, ¡qué gran principio!A partir de
este antológico arranque, se suceden los flash backs en los que las tres
pacientes esposas (¿o no tanto?) se dan cuenta de que posiblemente sus
parejas siempre han podido estar enamoradas de la cuarta mujer,
lógicamente, todo ello permite a Mankiewicz llevar a cabo una crítica
demoledora de una determinada clase social, de las falsas apariencias,
del mundo de la radio, de la fachada de los matrimonios y, como siempre,
de todo aquello que se le ponga delante.
“Carta
a tres esposas” es una película de personajes, de retratos. Joseph L.
Mankiewicz muestra de manera ácida e inteligente las relaciones de
pareja, las dudas, los celos, la amistad, las relaciones profesionales,
por qué se forman las parejas, por qué puede existir la duda, la vida
cotidiana en una pequeña ciudad, el peligro de caer en una monotonía
constante… Una película sobre infidelidades, donde en ningún momento
llegamos a conocer realmente a la femme fatale, y donde no sabemos quién
es el infiel hasta el último momento, todo está construido para
descubrirnos como son esas tres esposas del título, que pueden pasar de
ser dulces damas a arpias en segundos, Mankiewicz analiza la psique
femenina, los celos, la paranoia, los miedos a perder el matrimonio, y
de cómo algo perfecto y estable como un matrimonio del “American way of
life” se puede romper por una mera carta.
No sé que tiene este director que cada vez que veo una película suya me deja sorprendido, un director que ha tocado muchos géneros y sabe como dirigirlos a la perfección. Claro que no solo Mankiewicz cumple con su trabajo, contó en todos los campos con auténticos profesionales, es el caso de Alfred Newman en la banda sonora, Arthur C. Miller en la fotografía (ganador de tres oscar, no tiene nada que ver con el guionista Arthur Miller), por no hablar del apartado interpretativo, las actrices en manos de este director siempre realizaban maravillosas interpretaciones, y este no es una excepción, de Linda Darnel a un grandioso Kirk Douglas, pasando por Thelma Ritter, que aporta la parte cómica al drama, componen unos personajes que no permiten que el espectador aparte la mirada de la pantalla mientras contempla como los nervios de estas mujeres acaban destrozados.
Una de las primeras grandes películas de Mankiewicz en donde quedarán patentes los puntos más fuertes de su carrera: el guion y la dirección de actores. Una cinta excelente, cargada de ironía y madurez, muy, pero que muy recomendable.
No sé que tiene este director que cada vez que veo una película suya me deja sorprendido, un director que ha tocado muchos géneros y sabe como dirigirlos a la perfección. Claro que no solo Mankiewicz cumple con su trabajo, contó en todos los campos con auténticos profesionales, es el caso de Alfred Newman en la banda sonora, Arthur C. Miller en la fotografía (ganador de tres oscar, no tiene nada que ver con el guionista Arthur Miller), por no hablar del apartado interpretativo, las actrices en manos de este director siempre realizaban maravillosas interpretaciones, y este no es una excepción, de Linda Darnel a un grandioso Kirk Douglas, pasando por Thelma Ritter, que aporta la parte cómica al drama, componen unos personajes que no permiten que el espectador aparte la mirada de la pantalla mientras contempla como los nervios de estas mujeres acaban destrozados.
Una de las primeras grandes películas de Mankiewicz en donde quedarán patentes los puntos más fuertes de su carrera: el guion y la dirección de actores. Una cinta excelente, cargada de ironía y madurez, muy, pero que muy recomendable.
Cary Juant.
Amigos Apasionados
1949
del estreno de Amigos Apasionados.
A David Lean se le suele relacionar con grandes epopeyas como El puente sobre el río Kwai, Lawrence de Arabia o Doctor Zhivago, pero sin embargo también cultivó un cine intimista cuya obra más difundida es la maravillosa Breve encuentro, Amigos apasionados entraría en este segundo grupo. Cuenta de manera excepcional, empleando la narración cinematográfica con delicadeza, una historia a tres bandas, la historia que une los destinos de Mary, Steven y Howard.
Un auténtico y sensato ejemplo de género romántico sin cursilerías ni golpes bajos, con personajes humanos, bien desarrollados y no estereotipados, una película que se cuece a fuego lento, paso a paso, beso a beso.
Cary Juant.
Lacombe Lucien
1974
del estreno de Lacombe Lucien.
La dirección de Malle resulta soberbia, madura, utilizando con frecuencia la cámara en mano para dotar a su historia de un realismo cuasi documental, pero la sequedad argumental y técnica, no impide que encontremos en “Lacombe Lucien” momentos ciertamente hermosos, en verdad poéticos, como los que se dan ya en el tramo final de la cinta, con motivo de la fuga que protagonizan Lucien y France, el gran Tonino Delli Colli, colaborador de autores como Pasolini, Leone o Fellini, es el responsable de la magnífica fotografía que luce el filme.
Uno de los trabajos imprescindibles de la carrera de Louis Malle, su ambiguo discurso sobre la condición humana no ha perdido ni un solo ápice de vigencia, más bien al contrario, sigue desconcertando y fascinando a partes iguales. Una magnífica película, una obra madura, para nada maniquea ni acusadora, sino simplemente demostrativa de unos hechos incontrovertibles de forma objetiva y desapasionada, muy entretenida pese a sus dos horas y veinte minutos de duración.
Cary Juant.
Los Nibelungos (Parte I)
1924
del estreno de Los Nibelungos (Parte I).
Fritz Lang abordó en 1924 uno de sus proyectos cinematográficos más ambiciosos, “Los nibelungos”, inspirado en el poema épico «El cantar de los nibelungos» y compuesto por las películas “La muerte de Sigfrido” y “La venganza de Krimilda”, la primera de las cuales comento en estas líneas. Ciertamente para poder describir los referentes y el bagaje estético que sugiere la película hay que poseer un conocimiento de la cultura germánica, sin embargo, al margen de estas asumidas limitaciones, sinceramente hay que tener muy poca sensibilidad cinematográfica para no caer rendido ante la belleza, el romanticismo y el aliento trágico que acoge esta admirable realización “langiana”, que en su momento tuvo a su disposición los mayores costes de producción posible y un siglo después sigue manteniendo la vigencia de un clásico, pero un clásico con vida propia.
Simplemente una belleza desde el primer fotograma hasta el último, una hermosura, absolutamente deslumbrante. Por cierto, el hecho de que la película sea tomada en cuenta como algo aparte de “Los nibelungos: la venganza de Krimilda”, es un error que el propio Fritz Lang explicó, en realidad ambas son una película de dos partes, una película de casi 5 horas con una majestuosidad poética que permanecerá con nosotros para siempre.
Cary Juant.
Almas Desviadas
1949
del estreno de Almas Desviadas.
Otra película más de ese memorable Cine Negro que se hacía en los años cuarenta, sumamente disfrutable.
Cary Juant.
Atrapados
1949
del estreno de Atrapados.
Las
películas americanas de Ophuls han sido subestimadas de alguna forma,
destacándose siempre entre ellas “Carta de una desconocida”, una
absoluta obra maestra y considerada como la más ophulsiana. No estoy
para nada de acuerdo con el desprecio que se ha hecho a muchas de estas
películas y después de revisar films como “Atrapados” me reafirmo en la
opinión de que esta también es una gran, gran película, película con la
que consiguió ejemplificar casi perfectamente su concepción artística.
Max Ophuls nunca consiguió acostumbrarse al estilo de vida americano,
nunca se sintió realmente integrado, estuvo muchos años sin trabajar,
mendigando trabajo y la prueba está en que entre 1941 y 1949 en que
llegó exiliado de Europa, apenas firmó unas pocas cintas, en “Atrapados”
creo que Ophuls se venga de alguna forma de la industria americana que
tantos sinsabores le causó y cuela sus experiencias más personales, más
que en ninguna otra de sus películas, Ophuls revela que es un moralista y
que se siente conectado con unos ideales y que aborrecía de alguna
forma el materialismo americano, donde el dinero y lo comercial priman
por encima de todo, especialmente el de Hollywood; todo esto lo muestra
en este gran film.
"Atrapados",
con toda su negrura y su maldición, es una película visualmente
turbadora, claustrofóbica, detrás de las cámaras había un maestro
absoluto bajo el nombre de Max Ophüls. La ascensión de una chica que
llega al éxito a través de un matrimonio con un excéntrico millonario
que va degenerando en su excentricidad hasta llegar a la obsesión es la
excusa perfecta para ver cuál es la mirada de este grandísimo director
de cine, profesor de continuidad en la escena que pasa de una a otra con
la suavidad con la que se concatena la vida. En manos de Ophüls, parece
que la cámara cobra vida y que, con nuestras piernas, avanza con
discreción y prudencia para enterarnos de unas vidas atrapadas, cogidas
sin remisión, con falsas esperanzas de libertad a través de la riqueza,
los celos ahogan hasta la extenuación y, cuando eso ocurre, la única
salida es la fuga. Desde la primera secuencia, el director nos deleita
con su forma de rodar, con sus largos movimientos de cámara, sin cortes,
imperceptibles, pero siempre precisos, para encuadrar lo que interesa y
dejar en segundo plano aquello que complementa la acción, y es que la
planificación de Ophüls es perfecta, los planos secuencia son
interminables y la profundidad de campo juega un destacado papel en su
barroca forma de proponer una escena.
De todo el conjunto, sobresale la maravillosa interpretación de ese millonario atormentado, que actúa bajo el rostro de Robert Ryan. Más abajo y en un papel que quedó demasiado edulcorado está James Mason, médico de pobres que elige su ética como modelo de vida. Y en el último lugar está Barbara Bel Geddes como hilo conductor de la historia, inocencia interrumpida que cae en la toma de demasiados atajos para que los sueños se vean cumplidos. Bel Geddes seguramente no es la chica ideal para esta historia aunque quizás su elección se debió a que era capaz de transmitir la idea de una muchacha normal que sube como la espuma a pesar de su ingenuidad.
Una gran lección de cine y una historia que, por momentos, llega a rozar los mismos bordes de nuestra intimidad. Que os atrape, merece mucho la pena.
De todo el conjunto, sobresale la maravillosa interpretación de ese millonario atormentado, que actúa bajo el rostro de Robert Ryan. Más abajo y en un papel que quedó demasiado edulcorado está James Mason, médico de pobres que elige su ética como modelo de vida. Y en el último lugar está Barbara Bel Geddes como hilo conductor de la historia, inocencia interrumpida que cae en la toma de demasiados atajos para que los sueños se vean cumplidos. Bel Geddes seguramente no es la chica ideal para esta historia aunque quizás su elección se debió a que era capaz de transmitir la idea de una muchacha normal que sube como la espuma a pesar de su ingenuidad.
Una gran lección de cine y una historia que, por momentos, llega a rozar los mismos bordes de nuestra intimidad. Que os atrape, merece mucho la pena.
Cary Juant.
América
1924
del estreno de América.
Griffith reunió todas las innovaciones del momento en la gramática cinematográfica, como el primer plano, esplendidos planos generales, maravilloso manejo de la edición para escenas en paralelo para generar tensión, y un clímax final generador de gran intensidad, creando momentos de enorme potencia dramática, como la mística presentación de George Washington (Arthur Dewey), no vemos su rostro, está sentado en un sillón, y solo vemos su mano sobresalir, mientras reflexiona sobre temas de hondura, o el vigor reflejado en la icónica carrera de Paul Revere, o como el cuerpo de un hijo que cayó en las filas estadounidenses, es llevado junto al lecho de su enfermo padre, acérrimo pro-inglés y que cree que su hijo murió por la bandera británica, y la hermana del moribundo le pone una bandera Union JacK sobre el cuerpo para hacer feliz al progenitor, estamos hablando, claro, de Nancy y de su padre.
En conjunto una buena propuesta, con picos interesantes de calidad, sobre todo en su primera mitad, en su segunda, cuando entra de lleno en el melodrama romántico flaquea un poco, pero en su tramo final, se produce una batalla-clímax fenomenal de ritmo e intensidad. Muy recomendable.
Cary Juant.
El Demonio del Mar
1949
del estreno de El Demonio del Mar.
El tono pausado de esta película intimista, emotiva y desbordante de humanidad se aviene escasamente al torrente de “emociones” que se empeña en querer servirnos el cine contemporáneo, inmerso en absurdas e infantiloides batallas de superhéroes que han convertido el otrora noble género de aventuras en una factoría de productos tan estratosféricamente caros como inmediatamente desdeñables, comida basura para aplacar las necesidades más nimias, que se digiere con la misma rapidez con la que se consume. Impensable por tanto, hoy en día, en el género de aventuras, una película como la que nos ocupa, que se toma su tiempo en la presentación de situaciones y personajes primero, para desarrollar posteriormente una historia que alterna de manera ejemplar los pasajes más reposados (pero de una conmovedora intensidad) con episodios de acción desbordante, filmados todos ellos con mano magistral por Hathaway.
Por cierto, en la lista de adaptaciones absurdas de títulos de películas al español, la de “El demonio del mar” debería estar indiscutiblemente entre las de cabeza, sin que sirva de descargo que el original, “Down to the Sea in Ships” (que, entiendo, se podría traducir como “Surcando el mar en navíos”), tampoco sea especialmente logrado y no haga justicia en todo caso a las virtudes de esta película inolvidable y conmovedora.
Cary Juant.
Llamad a Cualquier Puerta
1949
del estreno de Llamad a Cualquier Puerta.
Primer
título de la corta serie de producciones que financiaría la compañía
independiente Santana (nombre del barco de Cayo Largo) bajo el mando del
propio Bogart, al que se sumaría para la ocasión a Nicholas Ray,
película que supondría además el antecedente y germen de otra de las
grandes de Nicholas Ray, “Rebelde sin Causa”. El “leit motiv” del film
es un juicio muy a la americana, con un criminal que presuntamente no es
criminal pero que igual si lo es.
La película es una especie de fábula sobre un individuo (“Niño bonito” Romano) que se ve sumido en una espiral de criminalidad y autodestrucción desde que en su más temprana e inocente adolescencia su padre muere en prisión dejando a la familia sin recursos, y que al ser acusado del asesinato de un policía recurre a un abogado que siempre lo ha defendido, abogado encarnado por el siempre magnético Humphrey Bogart, fantástico en su interpretación de este íntegro e idealista abogado.
Que
pena, penita, pena, pero la verdad es que ya no se hacen películas como
ésta, porque ya no hay actores como Bogart, porque los ambientes no son
como se nos muestran, porque es difícil conseguir ver en una pantalla
atmósferas nubladas por el humo de los cigarros y porque el diseño de
producción es muy distinto al que fue. El tono de la película es
dramático y el desarrollo posee esa sensación de fatalidad inevitable
que acompaña a todo el buen cine negro, pero lo que realmente la
sobredimensiona es el personaje de Bogart, una vez más el “alma” del
film pese a no ser el protagonista real de la historia, un actor capaz
por sí solo de multiplicar el interés de un argumento.
Todo un clásico del cine jurídico, con un discurso poderoso, un guion sólido y unos actores y una dirección impecables, y que concluye con un inolvidable alegato de Bogart en un plano de casi ocho minutos de duración “Mientras no arrasemos los suburbios y los reedifiquemos, llamad a cualquier puerta... Y os abrirá... Nick Romano”.
La película es una especie de fábula sobre un individuo (“Niño bonito” Romano) que se ve sumido en una espiral de criminalidad y autodestrucción desde que en su más temprana e inocente adolescencia su padre muere en prisión dejando a la familia sin recursos, y que al ser acusado del asesinato de un policía recurre a un abogado que siempre lo ha defendido, abogado encarnado por el siempre magnético Humphrey Bogart, fantástico en su interpretación de este íntegro e idealista abogado.
Todo un clásico del cine jurídico, con un discurso poderoso, un guion sólido y unos actores y una dirección impecables, y que concluye con un inolvidable alegato de Bogart en un plano de casi ocho minutos de duración “Mientras no arrasemos los suburbios y los reedifiquemos, llamad a cualquier puerta... Y os abrirá... Nick Romano”.
Cary Juant.
Edward, Mi Hijo
1949
del estreno de Edward, Mi Hijo.
El brillante guion, escrito por Donald Ogden Stewart, estuvo basado en la obra “Un juego en tres acciones” que Robert Morley y Noel Langley publicaran en 1948. El excelente argumento de R. Morley y N. Langley taladra la pantalla desde el comienzo con una propuesta vehemente, visceral y descarnada que G. Cukor conduce con el vigor necesario, pero también con manifiesta sutilidad, la excelente estructura del guion, la habilidad narrativa del director, su capacidad de persuasión, su facilidad para resultar convincente y ese dominio casi absoluto del ritmo convierten al espectador en parte activa del relato hasta tal punto que lo implica personalmente. Estupendo film, enormemente dirigido por Cukor, con un fantástico ritmo narrativo, estupendas interpretaciones y un gran guion, dadle una oportunidad, merece la pena.
Cary Juant.
Acusado a Traición
1949
del estreno de Acusado a Traición.
Fleischer nos ofrece una pesadilla cuidadosamente dirigida en torno a un hombre que se ve envuelto en algo que no comprende justo cuando regresa de la nada. Hay tópicos que salpican la corta y trepidante historia pero la dirección de Fleischer consigue hacernos ver que alguien muy competente estaba detrás de la cámara, y ahí, justo enfrente, nos muestra la lucha de alguien que no recuerda nada contra un enemigo invisible. No hay estrellas en el reparto que nos cieguen (aunque destaca la presencia de un futuro y excelente director que acabó sus días suicidándose, como fue Richard Quine) pero hay unos buenos pedazos de arte esperando a ser devorados en una pequeña gema de cine negro e intriga que aguarda con impaciencia a ser descubierta en la jungla del cine olvidado.
Cary Juant.
Alias Nick Beal
1949
del estreno de Alias Nick Beal.
El estupendo guion de Jonathan Latimer nos cuenta, en un extenso flashback, la historia de Joseph Foster (Thomas Mitchell), un íntegro fiscal de distrito obsesionado con meter en chirona a un gánster llamado Hanson, cuando parece que no va a poder conseguirlo porque las pruebas incriminatorias han sido quemadas, Foster recibe una nota anónima de alguien que le propone citarse en el café “China Coast” si quiere atrapar a Hanson, cuando se encuentran, el misterioso personaje, que se hace llamar Nick Beal (Ray Milland), le ofrece, sorprendentemente, los documentos que en principio habían sido destruidos. Foster acepta, pero el trato al que llega con Beal no le saldrá gratis y tendrá consecuencias relacionadas con su carrera política.
La película cuenta con un espléndido reparto completado por Audrey Totter, en el papel de la prostituta Donna, a quien Beal saca del arroyo para que lo ayude en su particular misión seduciendo a Foster; George Macready, como el reverendo amigo de Foster, personaje decisivo en el desenlace del film, y el gran Fred Clark, acaso desaprovechado en su rol de político relacionado hasta las trancas con la delincuencia. Pero, por encima de todos, incluso del siempre enorme Thomas Mitchell, el dueño absoluto de la película es Ray Milland, sin su interpretación, la cinta de Farrow, aunque tiene muchas otras virtudes, bajaría sin duda un par de peldaños, su “mefistofélica” y ominosa presencia y su amenazadora mirada resultan tan preponderantes en el film que, cuando no están presentes, el espectador está deseando, como pocas veces, que vuelvan a la pantalla.
Cary Juant.
La Leyenda de Gösta Berling
1924
del estreno de La Leyenda de Gösta Berling.
Una de las grandes obras del cine mudo escandinavo, un largometraje que no en vano es considerado referencial, un clásico del cine mudo nórdico, patrimonio del arte cinematográfico. Una película que sabe alternar momentos íntimos de gran sensibilidad (donde Lars Hanson brilla con luz propia) con otros más espectaculares, como la emocionante persecución de los lobos a los protagonistas a bordo de un trineo o la célebre escena del incendio de Ekeby, que Stiller se sacó un poco de la manga para filmar una secuencia espectacular en la que el pobre Hanson acabó quejándose en vano al director de que temía peligrar su integridad física si seguía haciendo más tomas. Curiosamente la película no causó una gran impresión en Suecia, pero sí en el extranjero, allanando el camino a Stiller como uno de los grandes directores del mundo, capaz de hacer películas tan espectaculares como prestigiosas.
Cary Juant.
Manon
1949
del estreno de Manon.
Basada en una conocida novela de Abbe Prevost, desarrollada originalmente a finales del siglo XVIII, esta película es uno de los más valiosos exponentes en la filmografía de un realizador especialmente singular para el cine francés: Henri-Georges Clouzot. Una historia de amor extrema, un turbador relato de amor enfermizo que crea una atmósfera asfixiante donde los personajes parecen atrapados por su enfermizo amor, un amor desgarrado donde la “femme fatale” es un demonio que manipula a su antojo a su enamorado que aunque sabe que es mala se lo perdona todo, es una relación sadomasoquista en que ella lo tortura y él lo aguanta, una relación autodestructiva en medio de este clima asfixiante.
Cary Juant.
Duelo Silencioso
1949
del estreno de Duelo Silencioso.
Kurosawa
como su propio título en castellano nos indica trata del duelo
silencioso, el que sufre el protagonista, obligado por su personalidad
noble a mantener oculta su enfermedad por temor a la condescendencia de
los demás, prefiere sufrir en su interior el sufrimiento, ello conlleva
el otro sacrificio, el que se hace por amor puro, el que obliga a dejar
lo que más se quiere por no ser un lastre para el ser querido. Esto
sirve para tocar el tema humanista de los valores morales, de la
solidaridad, de la generosidad, haciéndonos reflexionar sobre qué
haríamos nosotros en su lugar. Un protagonista estoico que se expresa a
través de su decaído rostro de su proceder estoico, cargando sobre sí
como una losa su infortunio, desdicha que puede ser vista como una
metáfora de lo que sufría Japón por entonces, humillada por haber
perdido la guerra y ser un país ocupado por una nación extranjera, bien
puede ser la sífilis alegóricamente Estados Unidos, donde los ciudadanos
son obligados a múltiples sacrificios por el bien común.
Es
tan grande la obra de Kurosawa, tan perfecta y tan…tan…tan cine, que no
sé donde colocar esta película dentro de su filmografía, la forma en
que el director trata al ser humano, cómo lo entiende, es sublime, no
intenta pintar todo de color rosa, sino que muestra las cosas como en
realidad son. ¿Recomendable? No debería tan siquiera pensar en hacer esa
pregunta, puede no ser una de las obras con más renombre del director
Japonés, pero sí es una película que tiene una magia inexplicable, nos
lanza un hechizo y nos deja encantados como toda gran película. “Duelo
Silencioso” es cine a la máxima potencia, a la altura de los grandes
hitos cinematográficos de la historia, a pesar de no ser tan conocida,
es un viaje a través del ser humano, un viaje de conocimiento, no solo
del personaje, sino de uno mismo. Y ahora haced caso omiso a todo lo
dicho hasta ahora, y por favor, vedla. Una vez más, ¡gracias, Maestro!
Cary Juant.
El Ladrón de Bagdad
1924
del estreno de El Ladrón de Bagdad.
Una obra ambiciosa y audaz, fruto como ya comentamos del empeño de Douglas Fairbanks (intérprete, guionista y productor), quien tuvo el buen juicio de rodearse de un triunvirato genial, compuesto por Raoul Walsh en la dirección, Mitchell Leisen en el diseño de vestuario, y William Cameron Menzies a cargo de los decorados. Walsh se nos muestra ya como un director especialmente dotado para la narración, con su tradicional dominio del ritmo y de la plasmación en imágenes de una historia cualquiera. En cuanto al vestuario y a los maravillosos decorados, se opta por recrear un mundo de ficción, en el que no importa si las murallas son desmesuradas, si los vestidos anacrónicos o la arquitectura irrealizable, en efecto, es en el mundo de la fantasía y la aventura en el que estas cosas carecen de importancia, en el que es posible derrotar a la muerte con una manzana, ver el futuro en un cristal o volar en una alfombra, y también donde al final siempre triunfan el bien y el amor.
Cary Juant.
Relato Criminal
1949
del estreno de Relato Criminal.
Joseph
H. Lewis es un director bastante desconocido por nuestros lares, su
mejor film es sin duda alguna esa obra maestra titulada “El demonio de
las armas”, esa película parecía una de esas rarezas que sólo se dan una
vez en la vida, pero escarbando en la más que desconocida filmografía
de Lewis, uno se da cuenta de que a este tío no le sonó la flauta con el
film mencionado, un año antes realizó “Relato criminal”, un thriller
maravilloso centrado en una investigación para apresar a uno de los
criminales más buscados de Estados Unidos, historia claramente inspirada
en Al Capone.
El
punto de partida de “Relato Criminal” es contarnos como un agente
federal intenta apresar al criminal más buscado por las autoridades, un
gangster al que algunos ciudadanos miran como un auténtico héroe,
protegido por uno de los mejores abogados de la ciudad siempre logra
evadir a la justicia gracias a las argucias legales más rebuscadas jamás
imaginadas, la única forma de meterlo entre rejas es conseguir su libro
de cuentas (el verdadero, evidentemente) y condenarlo por evasión de
impuestos. Nos ofrece como protagonista no a un duro detective sino a
alguien potencialmente tan poco carismático como un agente del Tesoro
(ya me perdonarán los lectores que trabajan en dicho departamento), que
responde al nombre de Frank Warren (un muy inspirado Glenn Ford), tal y
como indican los rótulos iniciales, lo que pretende la película es
reivindicar a esas personas que hicieron un trabajo tan duro por el bien
de la sociedad y que no son suficientemente recordadas.
El enfoque que Lewis la da a la historia es inmejorable, la película trata de darnos a conocer a esos héroes anónimos que meten entre rejas a delincuentes súper conocidos, para ello opta por un enfoque a mi juicio muy acertado, mientras que que somos testigos en todo momento de lo que hace el agente federal, la cara del delincuente en cuestión nunca nos es desvelada, viéndole únicamente, y de lejos, al inicio y al final de la película. Y, por descontado, aunque aquí la clave sean los balances de cuentas, en un filme sobre gangsters no pueden faltar los tiros y las escenas de suspense, el gran mérito de los guionistas y el director es conseguir un balance bastante equilibrado entre dichas secuencias de corte más policíaco con aquellas de tipo más realista, en que los protagonistas batallan infructuosamente contra una organización criminal demasiado poderosa para ellos, comandada por «el Gran Hombre», cuyo rostro nunca vemos.
Joseph
H. Lewis es el cerebro en la sombra con su nada grandilocuente
realización, pero haciendo gala de una pericia que ya quisieran otros.
Con un dominio perfecto del ritmo, adornado en algunos momentos de
movimientos de cámara arriesgados y atrevidos para la época, Lewis nos
introduce de lleno en la más que interesante trama de la película, una
trama que se vuelve oscura y violenta según va avanzando, incluso se
permite el lujo de cambiar un poco de tono, sin que esto dañe lo más
mínimo al film, me refiero al momento en el que el personaje central
está perdido porque se cree vencido por el sistema, al no poder hacer
nada contra las amenazas que ha recibido por continuar con sus
actividades, instante ese en el que Lewis nos habla de que nunca hay que
tirar la toalla si creemos que hacemos lo correcto.
Una excelente película, pienso que no está nada mal pasar una buena tarde viendo un clásico del tipo de “Relato criminal” que, sin ser obra maestra, sí es una obra de factura intachable, incluido el guion.
El enfoque que Lewis la da a la historia es inmejorable, la película trata de darnos a conocer a esos héroes anónimos que meten entre rejas a delincuentes súper conocidos, para ello opta por un enfoque a mi juicio muy acertado, mientras que que somos testigos en todo momento de lo que hace el agente federal, la cara del delincuente en cuestión nunca nos es desvelada, viéndole únicamente, y de lejos, al inicio y al final de la película. Y, por descontado, aunque aquí la clave sean los balances de cuentas, en un filme sobre gangsters no pueden faltar los tiros y las escenas de suspense, el gran mérito de los guionistas y el director es conseguir un balance bastante equilibrado entre dichas secuencias de corte más policíaco con aquellas de tipo más realista, en que los protagonistas batallan infructuosamente contra una organización criminal demasiado poderosa para ellos, comandada por «el Gran Hombre», cuyo rostro nunca vemos.
Una excelente película, pienso que no está nada mal pasar una buena tarde viendo un clásico del tipo de “Relato criminal” que, sin ser obra maestra, sí es una obra de factura intachable, incluido el guion.
Cary Juant.
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