EFEMÉRIDES 2024
Arenas Sangrientas
Los
aficionados al cine demasiado jóvenes quizá crean que Clint Eastwood
fue el primero en tratar en la gran pantalla la toma de la isla de Iwo
Jima, con la célebre imagen de la izada de la bandera, pero lo cierto es
que en la película que hoy nos ocupa, “Arenas sangrientas”, no sólo
aparece ya la emblemática imagen, sino que participaron tres auténticos
soldados protagonistas de ese hecho, añadiéndose metraje de auténticas
acciones bélicas, incluida la toma de la isla entre polvo, humo y
ceniza, y el fuego de los lanzallamas. La extinta “Republic” vio un
pelotazo en este proyecto, fue su productor quien decidió llevarlo a
cabo recordando haber visto en un diario americano a esos héroes de Iwo
Jima con la ya mítica foto, se pusieron entonces manos a la obra, con un
guion que concluyera con la batalla de Iwo Jima y la mítica imagen como
única obligación, bueno, con otra obligación más, contar con John Wayne
en el proyecto.
"Arenas sangrientas" es una película de propaganda de la II Guerra Mundial con todas las de la ley y algunos la seguirán criticando por eso, ser puro cine propagandístico de entretenimiento, pero cuando este se hace con tan buen tino, uno tiene que rendirse y aplaudirla. El film de Dwan ofrece algunas de las páginas más brillantes del género, y destila en su aparente visión triunfalista, una nada solapada mirada amarga hacia unos seres a los que la vivencia de la guerra no hace más que reflejar en algunos casos un fracaso existencial, y en otros una desesperada mirada hacia delante a la hora de intentar buscar un sentido a sus vidas. En su conjunto la película es una destacada muestra que logra ofrecer un final ambiguo e impactante en su contraposición de elementos, tomando como base el célebre desembarco y la implantación de la bandera norteamericana en Iwo Jima, la evocación de este hecho no es más que la excusa para un clásico relato de aprendizaje bélico, que cierto es que en su primera media hora acusa una cierta rutina, pero es un fragmento que servirá para la descripción inicial de los personajes que forman el comando que dirige el sargento Stryker -un espléndido John Wayne, que ya empezaba a demostrar en aquellos años su progresiva madurez como intérprete-, un hombre de gran dureza, que lleva consigo la amargura de haber sido abandonado en un pasado más o menos cercano por su mujer, acompañada por su hijo pequeño.
La
galería de personajes no puede decirse que difiera mucho de la de
tantos y tantos productos bélicos, y en la parte inicial las
convenciones la verdad es que no dejan definir un conjunto lo
suficientemente atractivo, pero a partir de ese fragmento inicial la
película eleva exponencialmente su grado de interés, llegando a la
asombrosa secuencia del desembarco y la dura resistencia al ataque
japonés, logrando mostrar un auténtico infierno bélico, y alcanzando un
grado de verismo y horror pocas veces igualado en el género. Es
indudable que secuencias como estas, o las que proseguirán en el
desarrollo de la película, supusieron una auténtica avanzadilla a la
hora de mostrar otra realidad más cercana en la visión cinematográfica
del relato bélico, una tendencia que muy pronto retomarían realizadores
como Samuel Fuller, y que tiene en los momentos más intensos del relato
un referente realmente envidiable.
Todo un clásico del cine bélico de los años cuarenta que seguro hará las delicias de los amantes del género.
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Arenas Sangrientas.
"Arenas sangrientas" es una película de propaganda de la II Guerra Mundial con todas las de la ley y algunos la seguirán criticando por eso, ser puro cine propagandístico de entretenimiento, pero cuando este se hace con tan buen tino, uno tiene que rendirse y aplaudirla. El film de Dwan ofrece algunas de las páginas más brillantes del género, y destila en su aparente visión triunfalista, una nada solapada mirada amarga hacia unos seres a los que la vivencia de la guerra no hace más que reflejar en algunos casos un fracaso existencial, y en otros una desesperada mirada hacia delante a la hora de intentar buscar un sentido a sus vidas. En su conjunto la película es una destacada muestra que logra ofrecer un final ambiguo e impactante en su contraposición de elementos, tomando como base el célebre desembarco y la implantación de la bandera norteamericana en Iwo Jima, la evocación de este hecho no es más que la excusa para un clásico relato de aprendizaje bélico, que cierto es que en su primera media hora acusa una cierta rutina, pero es un fragmento que servirá para la descripción inicial de los personajes que forman el comando que dirige el sargento Stryker -un espléndido John Wayne, que ya empezaba a demostrar en aquellos años su progresiva madurez como intérprete-, un hombre de gran dureza, que lleva consigo la amargura de haber sido abandonado en un pasado más o menos cercano por su mujer, acompañada por su hijo pequeño.
Todo un clásico del cine bélico de los años cuarenta que seguro hará las delicias de los amantes del género.
Cary Juant.
El Padrino, Parte II
1974
Celebra con nosotros el 50 aniversario
del estreno de El Padrino, Parte II.
Para unir dichas historias, Coppola hace gala de un dominio del montaje sencillamente extraordinario. La manera tan perfecta con que nos cuenta ambas historias y las une son dignas de una tesis, ya que jugar así con el tiempo de una película sólo está al alcance de muy pocos privilegiados. Una película perfecta, acompañada de un diseño de producción único, una banda sonora primorosa, una fotografía excepcional, un genial montaje y unas interpretaciones que alcanzan la perfección, si interpretar a Vito no fue fácil, el hacerlo una segunda vez y por otro actor es digno de alabanza, que Pacino no ganara el Oscar es sencillamente de broma, su interpretación es de las mejores de la historia del cine.
Es recomendable hartarse de buen cine con esas 6 horas que conforman El Padrino 1 y 2 al menos cada lustro. Podría uno estar divagando horas sobre las 1000 lecturas diferentes que ofrece este puzle lleno de historias, personajes memorables y lecciones de dirección, pero claro estamos ante una de las mejores secuelas de la historia del cine, que no es poco, un clásico absoluto y una de las películas más poderosas (en todos los sentidos) jamas realizada en la historia del cine.
Cary Juant.
Un Día en Nueva York
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Un Día en Nueva York.
Una muy divertida y vitalista comedia musical, beneficiada por una espléndida partitura del gran Leonard Bernstein, una obra colorista, vibrante y llena de magistrales números musicales, algunos de ellos antológicos dentro del género, y cuya ingenuidad le confiere un encanto especial.
Uno de los mejores musicales de la época que irradia un contagioso optimismo, una película para ser vista y disfrutada sin prejuicios, solo así puede uno dejarse encandilar por la simpatía y tal vez cierta simpleza de un guion muy divertido e ingenioso, pero que definititvamente pertenece a una época que vista desde una perspectiva actual puede parecer demasiado lejana. Todo un antídoto contra el desánimo.
Cary Juant.
Avaricia
1924
Celebra con nosotros el centenario
del estreno de Avaricia.
Para su distribución, la productora consideró inaudita la duración de la película (casi 10 horas), y en el montaje trabajaron sucesivamente el propio Stroheim (quien lo redujo a cuatro horas), y más tarde, a causa de las presiones, permitió que su amigo Rex Ingram recortara aún más (quedándose en poco más de dos horas y media.), de 480 minutos fue reducida, pues, a 165 minutos, pero su formidable fuerza la mantiene como una de las obras del cine con más peso de todos los tiempos. Fue estrenada con tan solo 140 minutos, en una versión (que Stroheim desautorizó) de un tercer montador, impuesto por la compañía, quien recortó salvajemente la película. Nosotros os ofrecemos la versión de Stroheim, la de cuatro horas, y con una espléndida calidad de imagen y sonido.
Desde el punto de vista técnico y del lenguaje cinematográfico es una lección continua de cine, el montaje, los cambios de plano, los movimientos de cámara, el uso de picados y contrapicados, la interpretación, la iluminación… Nada es casual, cada fotograma tiene su propio e intrínseco valor. cada gesto tiene su preciso significado. Stroheim da rienda suelta a su pasión naturalista, a su amor por el detalle verdadero, empeñado en rodar en los mismos lugares que describe el guion, y con un fidelísimo respeto a la historia original. Se anticipa así a los pioneros del cine ruso o al propio maestro del género, John Ford, preludiando incluso las técnicas que décadas más tarde retomarán los neorrealistas.
Cine cien por cien como sólo un genio podía hacerlo, una película poderosa, magnífica, reflexiva y real, muy real... tristemente real. De visión obligada para todos los amantes del cine, una auténtica obra maestra, un incunable del séptimo arte.
Cary Juant.
Rómula
1924
Celebra con nosotros el centenario
del estreno de Rómula.
En
la época del cinema silente los filmes históricos o de época estaban de
moda entre el público del mundo entero, a la gente le gustaba mucho
contemplar a esos emperifollados personajes interpretando épicas
aventuras en donde se recreaban acontecimientos históricos que abarcaban
diferentes épocas de la vieja Europa, este es el caso de “Rómula”,
dirigida por Henry King en 1924, justo después de su excelente film “La
hermana blanca” (The White Sister), película que fue rodada en Italia,
lo que también sucedió con “Rómula”.
La
historia está ambientada en Florencia cuando tan esplendorosa ciudad
italiana estaba gobernada por los Medici, por lo cual el filme narra una
historia sobre la ambición, intrigas políticas además de incluir una
historia de amor y bonitos planos de tan bella ciudad. Lo más
interesante del film recae en sus actores y actrices, las hermanas Gish
son las protagonistas y aunque no es ésta unas de sus mejores
interpretaciones, siempre es todo un placer contemplar a Lillian y a
Dorothy interpretar sus convencionales heroínas silentes tan habituales
en esas producciones históricas. Si bien es el personaje de la magnífica
Lillian Gish quien da título a la obra, se centra más en un notable
William Powell, perfecto en el papel de un bastardo guiado por el poder
en detrimento de quienes lo rodean. En general, este tipo de películas
saca su fuerza primero del contexto histórico, aquí fascinante al
enviarnos a finales del siglo XV, luego de los personajes, Henry King
demuestra además un verdadero dominio del escenario, mostrando un
excelente conocimiento de los códigos del cine mudo, sabe jugar con los
rostros de los personajes para no abusar de las fichas explicativas y
consigue hacernos comprender los sentimientos de los personajes, ya sea
ya sea odio o angustia filmando una simple mirada.
Sin embargo, no todo es perfecto, y se aprecia que, a pesar de ser un buen director de cine, no tenía el dominio de un maestro como Griffith, en particular cuando hablamos del aspecto melodramático, no deja de ser una pena, y eso a pesar de una reconstrucción impecable de la época o de unos actores fantásticos. Pero si bien Henry King no consigue hacer de “Rómula” un grandioso y conmovedor melodrama, sí logra transportarnos a la Italia del siglo XV, demostrando un verdadero sentido del ritmo y un dominio de los códigos mudos, al tiempo que sublima a muy buenos actores y, en particular, a una inolvidable, como siempre, Lillian Gish.
Sin embargo, no todo es perfecto, y se aprecia que, a pesar de ser un buen director de cine, no tenía el dominio de un maestro como Griffith, en particular cuando hablamos del aspecto melodramático, no deja de ser una pena, y eso a pesar de una reconstrucción impecable de la época o de unos actores fantásticos. Pero si bien Henry King no consigue hacer de “Rómula” un grandioso y conmovedor melodrama, sí logra transportarnos a la Italia del siglo XV, demostrando un verdadero sentido del ritmo y un dominio de los códigos mudos, al tiempo que sublima a muy buenos actores y, en particular, a una inolvidable, como siempre, Lillian Gish.
Cary Juant.
El Gran Calavera
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de El Gran Calavera.
Película alegre y divertida de principio a fin, cuenta con unos personajes delirantes y desternillantes aunque, por encima de todos, brillan con luz propia Don Ramiro (¡qué magnífica interpretación de Fernando Soler) y Ladislao. Los primeros cincuenta minutos son extraordinarios, de carcajada continua, luego la película se asienta, Buñuel nos da un respiro, aunque también baja un poco el nivel, no importa mucho, la película, en su conjunto, nos ha llenado del todo: una historia bonita y un montón de carcajadas.
Brillante y divertida comedia con unas grandes interpretaciones de Fernando Soler, Rosario Granados, los hermanos Rojo y en realidad todos, un guion maravillosamente hilvanado y chispeantes diálogos. Buñuel comentó que con esta película aprendió a hacer cine “normal”, empleó esta palabra cuando lo cuenta en sus Memorias, “Mi último suspiro”, odiaba que se le encasillara en un género o en una tendencia, tocó muchos palos y esta película es un buen ejemplo más.
Cary Juant.
Asesinato en el Orient Express
1974
Celebra con nosotros el 50 aniversario
del estreno de Asesinato en el Orient Express.
Excelente película, entretenida, emocionante, divertida y, por supuesto, llena de suspense y con un final sorpresa propio de la genial Agatha Cristie. Recomendable para los que gusten de novelas policíacas bien narradas, de las que te dejan buen sabor de boca, un tipo de película que ya no se fabrica y es una lástima.
Cary Juant.
La Costilla de Adán
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de La Costilla de Adán.
Una de las más brillantes películas jamás rodadas sobre la guerra de sexos. Toda la aparente armonía y felicidad de un matrimonio moderno en el que ambos son abogados de éxito se altera en cuanto se enfrentan al mismo caso, basado en la acusación y la defensa de una mujer que ha cometido un intento de crimen pasional, toda la supuesta igualdad de géneros se pone en entredicho y se demuestra que la "tolerancia" masculina encubre un machismo solapado que en el fondo no admite que las mujeres tengan los mismos derechos, igualdad de oportunidades y éxito laboral que los hombres, pues ello se considera como un ataque a la hombría y un desmoronamiento de la sociedad patriarcal que con tanto celo se defiende todavía en muchas culturas. Las secuencias de los juicios son absolutamente hilarantes, después tenemos al vecino libre de complejos que hace la corte descaradamente a Amanda (Katherine Hepburn), causando los celos disimulados del marido, quien se creía tan ecuánime, o la presión a la que la prensa somete a la pareja, poniendo en evidencia sus enfrentamientos, y así podríamos seguir y seguir... por supuesto, la vida conyugal del matrimonio se resiente y da lugar a uno de los duelos interpretativos más sagaces y sensacionales que se puedan observar en una película.
Cary Juant.
El Hombre de las Figuras de Cera
1924
Celebra con nosotros el centenario
del estreno de El Hombre de las Figuras de Cera.
Nos
ocupamos hoy de un pequeño clásico del cine alemán de los años 20.
Considerada una de las obras clave del cine expresionista, “El hombre de
las Figuras de Cera” es una película que vuelve a aprovechar la premisa
que ya utilizó Fritz Lang en “Las Tres Luces” (1921) de narrar varias
historias que suceden en escenarios totalmente distintos unidas por un
hilo conductor que sirve para cambiar de un contexto a otro, en este
caso son cuatro historias consecutivas, anticipando la familiar
estructura de los horrores por entregas de (Por ejemplo) la “Amicus” en
la Inglaterra gótica de los 60, que se quedaron finalmente en tres por
problemas de presupuesto.
Cada
capítulo presenta sus propia estética en términos de decorados, filtros
de color, montaje… y también su propio tono, diferenciado del resto y
quizás destinado a experimentar con las posibilidades de la estética
expresionista. De las tres historias la primera, una fantasía oriental
burlona, está dominado por los amarillos y las formas redondeadas y
cuenta la historia de un sultán encaprichado de la esposa de un
panadero, Leni da su versión del cuento de hadas “Orientalizante” a
través de un tono de comedia subrayado por la sobreactuación de Emil
Jannings como el infantil sultán de grandes apetitos, no faltando en
ella la aventura y el exotismo, reproducido en decorados pintados y
laberínticos, de estancias redondas donde el lujo se puntea de morado.
El segundo segmento, protagonizado por un tremebundo Veidt como el zar
Iván, está presidido está por una truculencia gótico-romántica
memorable, Ivan es un sádico de cuidado que se convulsiona entre
espasmos inequívocamente sexuales con la más sofisticada y cruel de las
torturas: su maestro de venenos escribe el nombre de las víctimas en un
reloj de arena colocado frente a ellas, así podrán ver justo cuanto les
queda de vida. La tercera no se puede considerar ni siquiera una
historia, de hecho no está formulada como tal sino como un delirio en el
cual el poeta sueña con la figura de “Jack el Destripador", cobrando
vida y persiguiéndolo por el paisaje alucinado de la feria, en apenas
cinco minutos Paul Leni ofrece un fascínate destilado de estética de
vanguardia, un resumen de expresionismo en tonos azulados, decorados
retorcidos, extrañas formaciones dentadas, geometrías aberrantes y
superposiciones hipnóticas que diluyen y al tiempo multiplican el
espacio para crear uno nuevo, es con diferencia la mejor de las tres
historias.
Sin ser una de las grandes obras de la época, indudablemente sí se trata de una película muy interesante y que pienso resulta de visionado obligado para todo aficionado a ese maravilloso cine que era el cine mudo alemán.
Sin ser una de las grandes obras de la época, indudablemente sí se trata de una película muy interesante y que pienso resulta de visionado obligado para todo aficionado a ese maravilloso cine que era el cine mudo alemán.
Cary Juant.
Fuego en la Nieve
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Fuego en la Nieve.
La película intenta retratar uno de los acontecimientos más difíciles de la II Guerra Mundial, la contraofensiva de Las Ardenas, y en especial los sucesos ocurridos en Bastogne, que pasaron a la historia de los conflictos bélicos por su dureza y por el sacrificio que realizó especialmente la 101ª División Aerotransportada. La película cuenta la historia de unos don Nadie, de unas personas que jamás pasarán a la historia y de las que nadie se acordará en el futuro, personas que no tienen importancia para los historiadores, pero sí para sus familiares y allegados, es la historia de los soldados anónimos que lucharon en el frente que sólo buscaban sobrevivir y terminar lo antes posible para retornar a sus hogares; buscando la sencillez Wellman consigue la grandeza de una gran película basada más en los valores humanos que en los halagos a las ideologías del poder estadounidense. Los entendidos dicen que tanto el desarrollo de los acontecimientos históricos como la tramoya bélica es especialmente certera y respetuosa con la realidad, se nota mucho el compromiso que Wellman sentía por respetar no solo los hechos sino también las habituales quejas, incomodidades y pequeñas miserias cotidianas que tiene que vivir la soldadesca.
Una de las mejores películas de guerra jamás realizadas, una película en la que hay acción, es cierto, y movimientos estratégicos, interés histórico y todo eso que uno espera de un buen bélico, pero lo que hace que se nos quede dentro es sin duda lo que le ocurre a cada uno de los soldados, individualmente, nos muestra a sus personajes no como héroes sino como seres humanos reales cuya única aspiración es sobrevivir al infierno, sin grandes ideales ni discursos patrióticos pero con una dignidad que pocas películas de guerra consiguen.
Cary Juant.
El que Recibe el Bofetón
1924
Celebra con nosotros el centenario
del estreno de El que Recibe el Bofetón.
Una película apasionante con crímenes, venganzas, amores imposibles, circo, tensión, drama, emoción… Una trama retorcida y folletinesca, dirigida con el talento y la sensibilidad de los grandes genios. Una pequeña joya silente.
Cary Juant.
Ohara Shôsuke-san
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Ohara Shôsuke-san.
Hablamos del señor Sugimoto, ese hombre desarreglado, con el kimono medio abierto, mal afeitado, borrachín montado en su borriquín, que parece demasiado blando para enmendar la trayectoria de su propia vida, para cambiar el final de su propia película, todo un experto en el arte de esquivar y aún así caerse, borrachín para lo bueno y para lo malo, un hombre, en fin, que cuando ya no creemos en él, va y hace algo bueno y cuando estamos dispuestos a quererlo sin condiciones, va y hace algo que nos duele. Es una película que olvida las jerarquías, donde el más bello movimiento de cámara, está dedicado al que parece el más secundario de los personajes, alguien que aparece en la película poco a poco, como desde el fondo, y que al final es, en cierto modo, el más bello, el único que de veras puede decidir qué hacer con su vida. Hace falta, imagino, mucho arte o mucho amor, o de todo un poco, para lograr esta ligereza, para conseguir retratar la vida como con un gesto desenvuelto, como el señor Sugimoto hacía sus favores cuando tenía dinero, sin darle más importancia, con la misma generosidad Shimizu inventa bellezas a cada plano, sin darse importancia, como compartiendo con nosotros su última botella.
Una película preciosa con un protagonista con el que es imposible no simpatizar. Una película encantadora, con drama, comedia y un costumbrismo optimista y entrañable.
Cary Juant.
El Político
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de El Político.
Rossen desafiaría a todo el mundo, consiguiendo una de sus películas más extraordinarias. A pesar del escándalo que supuso en su día, debido a la calidad técnica de la cinta, no le quedó más remedio a sus compañeros que considerarla como el mejor film del año, Rossen consiguió el Óscar como productor, una nominación como mejor director y otra como mejor guion adaptado, Broderick Crawford y Mercedes McCambridge lograrían también sendas estatuillas como mejor actor y mejor actriz secundaria respectivamente. Rossen nos conduce con mano firme, manteniendo el ritmo de la película en todo momento, ayudado por la fotografía de Burnett Guffey y con un excelente montaje, la transformación y el progreso que este nuevo representante del pueblo no dejará a nadie indiferente.
Una magistral radiografía de la condición humana a través de un mundo apropiadísimo para ello: la política, Rossen crea ese putrefacto e insolidario mundo político como una metáfora crítica del ser humano y narra un drama sobre el egoísmo, las contradicciones, la corrupción, el poder sobre las masas... Impresionante, prácticamente perfecta, ejemplar y formidablemente interpretada por un equipo artístico inolvidable, donde descollan Broderick Crawford y John Ireland.
Cary Juant.
La Dinastía de los Forsyte
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de La Dinastía de los Forsyte.
Esta película no suele recibir unos grandiosos elogios, pero debo confesar que yo particularmente la disfruté bastante… Quizás fue el elenco, quizás fue el estupendo libro en el que se basa, con sus claras reminiscencias a la literatura decimonónica, o tal vez sea el hecho de que esté repleta de una espléndida escenografía victoriana, un vestuario exuberante, unos fantásticos decorados o un lujoso tecnicolor, pero la verdad es que me parece una forma muy agradable de pasar sus casi dos horas de duración.
Un drama de soledad, machismo, sometimiento, desamor, engaños, infidelidad, enredos y con una estupenda fotografía en tecnicolor. Una película de época más que apetecible, imprescindible para seguidores de Errol Flynn, pero sobre todo de la bellísima y adorable Greer Garson.
Cary Juant.
El Misterio de una Desconocida
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de El Misterio de una Desconocida.
“Chicago Deadline” combina los elementos que todos los amantes del género conocemos y que aparecen en películas negras más famosas, por ejemplo, en obras maestras de la talla de “Laura” (1944), en la que también se investiga el asesinato de una bella y seductora mujer que ha aparecido asesinada en su apartamento, Laura Hunt (Gene Tierney), o de “Forajidos” (The Killers, 1946), en la que también existe una narración fragmentada construida a partir del testimonio de varias personas, o por último, “El gran carnaval” (Ace in the Hole, 1951), donde un periodista sin escrúpulos lleva a cabo acciones que incluso obstaculizan la investigación policial. Evidentemente, el resultado alcanzado en “Chicago Deadline” no se acerca en absoluto a la complejidad de los clásicos antes mencionados, pero sí es una más que interesante película contada con gran ritmo y potencia.
Una notable película con una ingeniosa y bien urdida trama en la que no hay respiro, pero sí mucho misterio. La debilidad principal está en que hay demasiados personajes y la historia va en ocasiones dando tumbos de un lado a otro, lo que puede despistar y distraer bastante, pero con todo, pienso que merece y mucho la pena. Es una película prácticamente desconocida, pero en su momento fue nominada al Premio Edgar como “Mejor Película” por “Mystery Writers Of America”.
Cary Juant.
Incidente en la Frontera
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Incidente en la Frontera.
Al principio de su mandato como jefe de producción de la MGM, Dore Schary compró el guion de “Border Incident” en un esfuerzo por producir películas con un trasfondo social, el tema tratado parte de unos hechos que sucedieron realmente, a principios de 1948 los gobiernos de México y Estados Unidos habían acordado suspender el programa por el que se traía a trabajadores mexicanos a Texas debido a los graves abusos que se estaban cometiendo, sin embargo, bajo la presión de la industria agro alimentaria, los funcionarios estadounidenses violaron ese acuerdo en octubre al permitir que miles de trabajadores indocumentados ingresaran a El Paso para ayudar con la cosecha, el conocido como “Incidente de El Paso” comprometió la distinción entre inmigración “legal” e “ilegal” y proporcionó la inspiración para la creación del guion de John Higgins.
Pero sin duda, lo que hay que resaltar ante todo, es que esta película fue filmada por el brillante camarógrafo del género noir, John Alton, la fotografía de Alton eleva las películas de Mann y, vistas hoy en día, dan una explicación clara a lo que supuso esta serie negra para el género. La iluminación de Alton no es simplemente algo visual, un elemento más para la puesta en escena, los ambientes creados son personajes intangibles que hablan por sí mismos y que hunden a los demás entre unas luces y sombras que se mezclan maravillosamente, objetos fantasmales que se desplazan, figuras que se funden en escenarios opresivos y blancos que se confunden con grises para ahogar al espectador de la misma manera que hunde a los personajes. La fotografía de Alton, como he leído por ahí, está simplemente dibujada con luz y ponen un broche de oro a una película que completa la serie de Mann en el cine negro dejando un legado que sirvió de base al noir de serie b que se desarrollaría brillantemente durante la siguiente década.
Cary Juant.
The Odessa File
1974
Celebra con nosotros el 50 aniversario
del estreno de The Odessa File.
Un excelente thriller, una atrevida, potente, directa, fría, misteriosa, inteligente, magnética, contundente y sorprendente adaptación cinematográfica de la homónima novela de Frederick Forsyth, que además cuenta con un arrebatador Jon Voight. Si la novela de Frederick Forsyth es magnífica, Neame consigue narrar con el mismo brío y entretener como lo hace el libro, es una de esas producciones que enganchan de una forma rápida y que hacen que no puedas parar de querer ver todo lo que ocurre, hasta llegar a su apoteósico desenlace.
Cary Juant.
El Perro Rabioso
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de El Perro Rabioso.
Aunque Kurosawa ya nos había dejado momentos de estupendo cine, “El perro rabioso” (Nora inu, título que más bien significa «perro callejero»), es su primera gran película, la que anuncia ya a las claras las posteriores obras maestras del cineasta, además de un antecedente, con varios puntos en común, de “El infierno del odio” (Tengoku to jigoku, 1963), seguramente el film más perfecto de Kurosawa dentro del género policíaco.
Un film excelente, un magnífico relato desolador de delincuencia, prostitución, enfermedad y muerte. Un thriller extraordinario, una increíble película de cine negro con el maestro Kurosawa impartiendo clases de arte, moralidad y humanidad.
Cary Juant.
Los Peligros del Flirt
1924
del estreno de Los Peligros del Flirt.
En comedias como ésta es inevitable referirse al toque Lubitsch, ese toque indefinible que el gran director berlinés dejaba en sus películas, un guiño de complicidad dirigido a los espectadores inteligentes. Allí donde otros necesitarían gags convencionales ó imágenes más ó menos tópicas para lograr la sonrisa del público, Lubitsch necesita unos pocos elementos, pero eso sí, los dispone de tal forma y con tal artesanía que tanto él como nosotros sintonizamos la misma frecuencia. Lubitsch hace cine para espectadores inteligentes y, lo mismo que el uso desarrolla el órgano, el cine del director germano desarrolla nuestro intelecto, y no me negaréis que resulta más atractivo el cine del teutón, toque Lubitsch incluido, que la monótona uniformidad de los sudokus, si de potenciar la mente se trata.
Lubitsch la consideró su mejor comedia. No es su mejor película y tampoco su comedia maestra, pero es indudable que estamos ante una obra absolutamente lograda, casi sin palabras, porque si una imagen vale más que mil palabras, si la imagen es de Lubitsch su valor supera la Enciclopedia Británica. ¡Cuanta razón tenía Billy Wilder cuando afirmó que "Lubitsch era capaz de hacer más con una puerta cerrada de lo que la mayoría de los directores son capaces de hacer con una bragueta abierta"!
Cary Juant.
El Abrazo de la Muerte
1949
del estreno de El Abrazo de la Muerte.
Siodmak fue uno de esos realizadores europeos, que huyendo del nazismo, se asentó una larga temporada en Hollywood, donde la película ‘El hijo de Drácula’ (‘Son of Dracula’, 1943) le dio algo de prestigio, y a partir de la cual se adentró de lleno en el cine negro, género con el que cosechó no pocos éxitos, dejando algunas de las muestras más representativas para la posterioridad, como el film que hoy nos ocupa, ‘El abrazo de la muerte’, que puede ser vista como una repetición de los esquemas de la previa ‘Forajidos’ (‘The Killers’, 1946), también protagonizada por Burt Lancaster, volvemos a encontrarnos con el fatalismo de personajes abocados a la perdición, con una mujer fatal y un golpe perfecto que por supuesto sale mal.
Todos los tópicos del género se reúnen en el cinta: la mujer fatal, un pasado turbio, el inevitable destino trágico, el policía que lo sabe y no puede hacer nada pare evitarlo, el dinero como motor de la vida, el adulterio y los amores tercos... Los reúne todos, pero funciona, vamos que si funciona, perfectamente, una grandiosa película, una maravilla. No dejes pasar la oportunidad de zambullirte en esta exquisitez. Muy, pero que muy grande.
Cary Juant.
Carta a Tres Esposas
1949
del estreno de Carta a Tres Esposas.
La
historia es muy sencilla: en una pequeña ciudad de provincias, tres
amigas y esposas reciben una carta de una cuarta en la que informa que
se ha fugado con uno de sus maridos, ¡qué gran principio!A partir de
este antológico arranque, se suceden los flash backs en los que las tres
pacientes esposas (¿o no tanto?) se dan cuenta de que posiblemente sus
parejas siempre han podido estar enamoradas de la cuarta mujer,
lógicamente, todo ello permite a Mankiewicz llevar a cabo una crítica
demoledora de una determinada clase social, de las falsas apariencias,
del mundo de la radio, de la fachada de los matrimonios y, como siempre,
de todo aquello que se le ponga delante.
“Carta
a tres esposas” es una película de personajes, de retratos. Joseph L.
Mankiewicz muestra de manera ácida e inteligente las relaciones de
pareja, las dudas, los celos, la amistad, las relaciones profesionales,
por qué se forman las parejas, por qué puede existir la duda, la vida
cotidiana en una pequeña ciudad, el peligro de caer en una monotonía
constante… Una película sobre infidelidades, donde en ningún momento
llegamos a conocer realmente a la femme fatale, y donde no sabemos quién
es el infiel hasta el último momento, todo está construido para
descubrirnos como son esas tres esposas del título, que pueden pasar de
ser dulces damas a arpias en segundos, Mankiewicz analiza la psique
femenina, los celos, la paranoia, los miedos a perder el matrimonio, y
de cómo algo perfecto y estable como un matrimonio del “American way of
life” se puede romper por una mera carta.
No sé que tiene este director que cada vez que veo una película suya me deja sorprendido, un director que ha tocado muchos géneros y sabe como dirigirlos a la perfección. Claro que no solo Mankiewicz cumple con su trabajo, contó en todos los campos con auténticos profesionales, es el caso de Alfred Newman en la banda sonora, Arthur C. Miller en la fotografía (ganador de tres oscar, no tiene nada que ver con el guionista Arthur Miller), por no hablar del apartado interpretativo, las actrices en manos de este director siempre realizaban maravillosas interpretaciones, y este no es una excepción, de Linda Darnel a un grandioso Kirk Douglas, pasando por Thelma Ritter, que aporta la parte cómica al drama, componen unos personajes que no permiten que el espectador aparte la mirada de la pantalla mientras contempla como los nervios de estas mujeres acaban destrozados.
Una de las primeras grandes películas de Mankiewicz en donde quedarán patentes los puntos más fuertes de su carrera: el guion y la dirección de actores. Una cinta excelente, cargada de ironía y madurez, muy, pero que muy recomendable.
No sé que tiene este director que cada vez que veo una película suya me deja sorprendido, un director que ha tocado muchos géneros y sabe como dirigirlos a la perfección. Claro que no solo Mankiewicz cumple con su trabajo, contó en todos los campos con auténticos profesionales, es el caso de Alfred Newman en la banda sonora, Arthur C. Miller en la fotografía (ganador de tres oscar, no tiene nada que ver con el guionista Arthur Miller), por no hablar del apartado interpretativo, las actrices en manos de este director siempre realizaban maravillosas interpretaciones, y este no es una excepción, de Linda Darnel a un grandioso Kirk Douglas, pasando por Thelma Ritter, que aporta la parte cómica al drama, componen unos personajes que no permiten que el espectador aparte la mirada de la pantalla mientras contempla como los nervios de estas mujeres acaban destrozados.
Una de las primeras grandes películas de Mankiewicz en donde quedarán patentes los puntos más fuertes de su carrera: el guion y la dirección de actores. Una cinta excelente, cargada de ironía y madurez, muy, pero que muy recomendable.
Cary Juant.
Amigos Apasionados
1949
del estreno de Amigos Apasionados.
A David Lean se le suele relacionar con grandes epopeyas como El puente sobre el río Kwai, Lawrence de Arabia o Doctor Zhivago, pero sin embargo también cultivó un cine intimista cuya obra más difundida es la maravillosa Breve encuentro, Amigos apasionados entraría en este segundo grupo. Cuenta de manera excepcional, empleando la narración cinematográfica con delicadeza, una historia a tres bandas, la historia que une los destinos de Mary, Steven y Howard.
Un auténtico y sensato ejemplo de género romántico sin cursilerías ni golpes bajos, con personajes humanos, bien desarrollados y no estereotipados, una película que se cuece a fuego lento, paso a paso, beso a beso.
Cary Juant.
Lacombe Lucien
1974
del estreno de Lacombe Lucien.
La dirección de Malle resulta soberbia, madura, utilizando con frecuencia la cámara en mano para dotar a su historia de un realismo cuasi documental, pero la sequedad argumental y técnica, no impide que encontremos en “Lacombe Lucien” momentos ciertamente hermosos, en verdad poéticos, como los que se dan ya en el tramo final de la cinta, con motivo de la fuga que protagonizan Lucien y France, el gran Tonino Delli Colli, colaborador de autores como Pasolini, Leone o Fellini, es el responsable de la magnífica fotografía que luce el filme.
Uno de los trabajos imprescindibles de la carrera de Louis Malle, su ambiguo discurso sobre la condición humana no ha perdido ni un solo ápice de vigencia, más bien al contrario, sigue desconcertando y fascinando a partes iguales. Una magnífica película, una obra madura, para nada maniquea ni acusadora, sino simplemente demostrativa de unos hechos incontrovertibles de forma objetiva y desapasionada, muy entretenida pese a sus dos horas y veinte minutos de duración.
Cary Juant.
Los Nibelungos (Parte I)
1924
del estreno de Los Nibelungos (Parte I).
Fritz Lang abordó en 1924 uno de sus proyectos cinematográficos más ambiciosos, “Los nibelungos”, inspirado en el poema épico «El cantar de los nibelungos» y compuesto por las películas “La muerte de Sigfrido” y “La venganza de Krimilda”, la primera de las cuales comento en estas líneas. Ciertamente para poder describir los referentes y el bagaje estético que sugiere la película hay que poseer un conocimiento de la cultura germánica, sin embargo, al margen de estas asumidas limitaciones, sinceramente hay que tener muy poca sensibilidad cinematográfica para no caer rendido ante la belleza, el romanticismo y el aliento trágico que acoge esta admirable realización “langiana”, que en su momento tuvo a su disposición los mayores costes de producción posible y un siglo después sigue manteniendo la vigencia de un clásico, pero un clásico con vida propia.
Simplemente una belleza desde el primer fotograma hasta el último, una hermosura, absolutamente deslumbrante. Por cierto, el hecho de que la película sea tomada en cuenta como algo aparte de “Los nibelungos: la venganza de Krimilda”, es un error que el propio Fritz Lang explicó, en realidad ambas son una película de dos partes, una película de casi 5 horas con una majestuosidad poética que permanecerá con nosotros para siempre.
Cary Juant.
Almas Desviadas
1949
del estreno de Almas Desviadas.
Otra película más de ese memorable Cine Negro que se hacía en los años cuarenta, sumamente disfrutable.
Cary Juant.
Atrapados
1949
del estreno de Atrapados.
Las
películas americanas de Ophuls han sido subestimadas de alguna forma,
destacándose siempre entre ellas “Carta de una desconocida”, una
absoluta obra maestra y considerada como la más ophulsiana. No estoy
para nada de acuerdo con el desprecio que se ha hecho a muchas de estas
películas y después de revisar films como “Atrapados” me reafirmo en la
opinión de que esta también es una gran, gran película, película con la
que consiguió ejemplificar casi perfectamente su concepción artística.
Max Ophuls nunca consiguió acostumbrarse al estilo de vida americano,
nunca se sintió realmente integrado, estuvo muchos años sin trabajar,
mendigando trabajo y la prueba está en que entre 1941 y 1949 en que
llegó exiliado de Europa, apenas firmó unas pocas cintas, en “Atrapados”
creo que Ophuls se venga de alguna forma de la industria americana que
tantos sinsabores le causó y cuela sus experiencias más personales, más
que en ninguna otra de sus películas, Ophuls revela que es un moralista y
que se siente conectado con unos ideales y que aborrecía de alguna
forma el materialismo americano, donde el dinero y lo comercial priman
por encima de todo, especialmente el de Hollywood; todo esto lo muestra
en este gran film.
"Atrapados",
con toda su negrura y su maldición, es una película visualmente
turbadora, claustrofóbica, detrás de las cámaras había un maestro
absoluto bajo el nombre de Max Ophüls. La ascensión de una chica que
llega al éxito a través de un matrimonio con un excéntrico millonario
que va degenerando en su excentricidad hasta llegar a la obsesión es la
excusa perfecta para ver cuál es la mirada de este grandísimo director
de cine, profesor de continuidad en la escena que pasa de una a otra con
la suavidad con la que se concatena la vida. En manos de Ophüls, parece
que la cámara cobra vida y que, con nuestras piernas, avanza con
discreción y prudencia para enterarnos de unas vidas atrapadas, cogidas
sin remisión, con falsas esperanzas de libertad a través de la riqueza,
los celos ahogan hasta la extenuación y, cuando eso ocurre, la única
salida es la fuga. Desde la primera secuencia, el director nos deleita
con su forma de rodar, con sus largos movimientos de cámara, sin cortes,
imperceptibles, pero siempre precisos, para encuadrar lo que interesa y
dejar en segundo plano aquello que complementa la acción, y es que la
planificación de Ophüls es perfecta, los planos secuencia son
interminables y la profundidad de campo juega un destacado papel en su
barroca forma de proponer una escena.
De todo el conjunto, sobresale la maravillosa interpretación de ese millonario atormentado, que actúa bajo el rostro de Robert Ryan. Más abajo y en un papel que quedó demasiado edulcorado está James Mason, médico de pobres que elige su ética como modelo de vida. Y en el último lugar está Barbara Bel Geddes como hilo conductor de la historia, inocencia interrumpida que cae en la toma de demasiados atajos para que los sueños se vean cumplidos. Bel Geddes seguramente no es la chica ideal para esta historia aunque quizás su elección se debió a que era capaz de transmitir la idea de una muchacha normal que sube como la espuma a pesar de su ingenuidad.
Una gran lección de cine y una historia que, por momentos, llega a rozar los mismos bordes de nuestra intimidad. Que os atrape, merece mucho la pena.
De todo el conjunto, sobresale la maravillosa interpretación de ese millonario atormentado, que actúa bajo el rostro de Robert Ryan. Más abajo y en un papel que quedó demasiado edulcorado está James Mason, médico de pobres que elige su ética como modelo de vida. Y en el último lugar está Barbara Bel Geddes como hilo conductor de la historia, inocencia interrumpida que cae en la toma de demasiados atajos para que los sueños se vean cumplidos. Bel Geddes seguramente no es la chica ideal para esta historia aunque quizás su elección se debió a que era capaz de transmitir la idea de una muchacha normal que sube como la espuma a pesar de su ingenuidad.
Una gran lección de cine y una historia que, por momentos, llega a rozar los mismos bordes de nuestra intimidad. Que os atrape, merece mucho la pena.
Cary Juant.
América
1924
del estreno de América.
Griffith reunió todas las innovaciones del momento en la gramática cinematográfica, como el primer plano, esplendidos planos generales, maravilloso manejo de la edición para escenas en paralelo para generar tensión, y un clímax final generador de gran intensidad, creando momentos de enorme potencia dramática, como la mística presentación de George Washington (Arthur Dewey), no vemos su rostro, está sentado en un sillón, y solo vemos su mano sobresalir, mientras reflexiona sobre temas de hondura, o el vigor reflejado en la icónica carrera de Paul Revere, o como el cuerpo de un hijo que cayó en las filas estadounidenses, es llevado junto al lecho de su enfermo padre, acérrimo pro-inglés y que cree que su hijo murió por la bandera británica, y la hermana del moribundo le pone una bandera Union JacK sobre el cuerpo para hacer feliz al progenitor, estamos hablando, claro, de Nancy y de su padre.
En conjunto una buena propuesta, con picos interesantes de calidad, sobre todo en su primera mitad, en su segunda, cuando entra de lleno en el melodrama romántico flaquea un poco, pero en su tramo final, se produce una batalla-clímax fenomenal de ritmo e intensidad. Muy recomendable.
Cary Juant.
El Demonio del Mar
1949
del estreno de El Demonio del Mar.
El tono pausado de esta película intimista, emotiva y desbordante de humanidad se aviene escasamente al torrente de “emociones” que se empeña en querer servirnos el cine contemporáneo, inmerso en absurdas e infantiloides batallas de superhéroes que han convertido el otrora noble género de aventuras en una factoría de productos tan estratosféricamente caros como inmediatamente desdeñables, comida basura para aplacar las necesidades más nimias, que se digiere con la misma rapidez con la que se consume. Impensable por tanto, hoy en día, en el género de aventuras, una película como la que nos ocupa, que se toma su tiempo en la presentación de situaciones y personajes primero, para desarrollar posteriormente una historia que alterna de manera ejemplar los pasajes más reposados (pero de una conmovedora intensidad) con episodios de acción desbordante, filmados todos ellos con mano magistral por Hathaway.
Por cierto, en la lista de adaptaciones absurdas de títulos de películas al español, la de “El demonio del mar” debería estar indiscutiblemente entre las de cabeza, sin que sirva de descargo que el original, “Down to the Sea in Ships” (que, entiendo, se podría traducir como “Surcando el mar en navíos”), tampoco sea especialmente logrado y no haga justicia en todo caso a las virtudes de esta película inolvidable y conmovedora.
Cary Juant.
Llamad a Cualquier Puerta
1949
del estreno de Llamad a Cualquier Puerta.
Primer
título de la corta serie de producciones que financiaría la compañía
independiente Santana (nombre del barco de Cayo Largo) bajo el mando del
propio Bogart, al que se sumaría para la ocasión a Nicholas Ray,
película que supondría además el antecedente y germen de otra de las
grandes de Nicholas Ray, “Rebelde sin Causa”. El “leit motiv” del film
es un juicio muy a la americana, con un criminal que presuntamente no es
criminal pero que igual si lo es.
La película es una especie de fábula sobre un individuo (“Niño bonito” Romano) que se ve sumido en una espiral de criminalidad y autodestrucción desde que en su más temprana e inocente adolescencia su padre muere en prisión dejando a la familia sin recursos, y que al ser acusado del asesinato de un policía recurre a un abogado que siempre lo ha defendido, abogado encarnado por el siempre magnético Humphrey Bogart, fantástico en su interpretación de este íntegro e idealista abogado.
Que
pena, penita, pena, pero la verdad es que ya no se hacen películas como
ésta, porque ya no hay actores como Bogart, porque los ambientes no son
como se nos muestran, porque es difícil conseguir ver en una pantalla
atmósferas nubladas por el humo de los cigarros y porque el diseño de
producción es muy distinto al que fue. El tono de la película es
dramático y el desarrollo posee esa sensación de fatalidad inevitable
que acompaña a todo el buen cine negro, pero lo que realmente la
sobredimensiona es el personaje de Bogart, una vez más el “alma” del
film pese a no ser el protagonista real de la historia, un actor capaz
por sí solo de multiplicar el interés de un argumento.
Todo un clásico del cine jurídico, con un discurso poderoso, un guion sólido y unos actores y una dirección impecables, y que concluye con un inolvidable alegato de Bogart en un plano de casi ocho minutos de duración “Mientras no arrasemos los suburbios y los reedifiquemos, llamad a cualquier puerta... Y os abrirá... Nick Romano”.
La película es una especie de fábula sobre un individuo (“Niño bonito” Romano) que se ve sumido en una espiral de criminalidad y autodestrucción desde que en su más temprana e inocente adolescencia su padre muere en prisión dejando a la familia sin recursos, y que al ser acusado del asesinato de un policía recurre a un abogado que siempre lo ha defendido, abogado encarnado por el siempre magnético Humphrey Bogart, fantástico en su interpretación de este íntegro e idealista abogado.
Todo un clásico del cine jurídico, con un discurso poderoso, un guion sólido y unos actores y una dirección impecables, y que concluye con un inolvidable alegato de Bogart en un plano de casi ocho minutos de duración “Mientras no arrasemos los suburbios y los reedifiquemos, llamad a cualquier puerta... Y os abrirá... Nick Romano”.
Cary Juant.
Edward, Mi Hijo
1949
del estreno de Edward, Mi Hijo.
El brillante guion, escrito por Donald Ogden Stewart, estuvo basado en la obra “Un juego en tres acciones” que Robert Morley y Noel Langley publicaran en 1948. El excelente argumento de R. Morley y N. Langley taladra la pantalla desde el comienzo con una propuesta vehemente, visceral y descarnada que G. Cukor conduce con el vigor necesario, pero también con manifiesta sutilidad, la excelente estructura del guion, la habilidad narrativa del director, su capacidad de persuasión, su facilidad para resultar convincente y ese dominio casi absoluto del ritmo convierten al espectador en parte activa del relato hasta tal punto que lo implica personalmente. Estupendo film, enormemente dirigido por Cukor, con un fantástico ritmo narrativo, estupendas interpretaciones y un gran guion, dadle una oportunidad, merece la pena.
Cary Juant.
Acusado a Traición
1949
del estreno de Acusado a Traición.
Fleischer nos ofrece una pesadilla cuidadosamente dirigida en torno a un hombre que se ve envuelto en algo que no comprende justo cuando regresa de la nada. Hay tópicos que salpican la corta y trepidante historia pero la dirección de Fleischer consigue hacernos ver que alguien muy competente estaba detrás de la cámara, y ahí, justo enfrente, nos muestra la lucha de alguien que no recuerda nada contra un enemigo invisible. No hay estrellas en el reparto que nos cieguen (aunque destaca la presencia de un futuro y excelente director que acabó sus días suicidándose, como fue Richard Quine) pero hay unos buenos pedazos de arte esperando a ser devorados en una pequeña gema de cine negro e intriga que aguarda con impaciencia a ser descubierta en la jungla del cine olvidado.
Cary Juant.
Alias Nick Beal
1949
del estreno de Alias Nick Beal.
El estupendo guion de Jonathan Latimer nos cuenta, en un extenso flashback, la historia de Joseph Foster (Thomas Mitchell), un íntegro fiscal de distrito obsesionado con meter en chirona a un gánster llamado Hanson, cuando parece que no va a poder conseguirlo porque las pruebas incriminatorias han sido quemadas, Foster recibe una nota anónima de alguien que le propone citarse en el café “China Coast” si quiere atrapar a Hanson, cuando se encuentran, el misterioso personaje, que se hace llamar Nick Beal (Ray Milland), le ofrece, sorprendentemente, los documentos que en principio habían sido destruidos. Foster acepta, pero el trato al que llega con Beal no le saldrá gratis y tendrá consecuencias relacionadas con su carrera política.
La película cuenta con un espléndido reparto completado por Audrey Totter, en el papel de la prostituta Donna, a quien Beal saca del arroyo para que lo ayude en su particular misión seduciendo a Foster; George Macready, como el reverendo amigo de Foster, personaje decisivo en el desenlace del film, y el gran Fred Clark, acaso desaprovechado en su rol de político relacionado hasta las trancas con la delincuencia. Pero, por encima de todos, incluso del siempre enorme Thomas Mitchell, el dueño absoluto de la película es Ray Milland, sin su interpretación, la cinta de Farrow, aunque tiene muchas otras virtudes, bajaría sin duda un par de peldaños, su “mefistofélica” y ominosa presencia y su amenazadora mirada resultan tan preponderantes en el film que, cuando no están presentes, el espectador está deseando, como pocas veces, que vuelvan a la pantalla.
Cary Juant.
La Leyenda de Gösta Berling
1924
del estreno de La Leyenda de Gösta Berling.
Una de las grandes obras del cine mudo escandinavo, un largometraje que no en vano es considerado referencial, un clásico del cine mudo nórdico, patrimonio del arte cinematográfico. Una película que sabe alternar momentos íntimos de gran sensibilidad (donde Lars Hanson brilla con luz propia) con otros más espectaculares, como la emocionante persecución de los lobos a los protagonistas a bordo de un trineo o la célebre escena del incendio de Ekeby, que Stiller se sacó un poco de la manga para filmar una secuencia espectacular en la que el pobre Hanson acabó quejándose en vano al director de que temía peligrar su integridad física si seguía haciendo más tomas. Curiosamente la película no causó una gran impresión en Suecia, pero sí en el extranjero, allanando el camino a Stiller como uno de los grandes directores del mundo, capaz de hacer películas tan espectaculares como prestigiosas.
Cary Juant.
Manon
1949
del estreno de Manon.
Basada en una conocida novela de Abbe Prevost, desarrollada originalmente a finales del siglo XVIII, esta película es uno de los más valiosos exponentes en la filmografía de un realizador especialmente singular para el cine francés: Henri-Georges Clouzot. Una historia de amor extrema, un turbador relato de amor enfermizo que crea una atmósfera asfixiante donde los personajes parecen atrapados por su enfermizo amor, un amor desgarrado donde la “femme fatale” es un demonio que manipula a su antojo a su enamorado que aunque sabe que es mala se lo perdona todo, es una relación sadomasoquista en que ella lo tortura y él lo aguanta, una relación autodestructiva en medio de este clima asfixiante.
Cary Juant.
Duelo Silencioso
1949
del estreno de Duelo Silencioso.
Kurosawa
como su propio título en castellano nos indica trata del duelo
silencioso, el que sufre el protagonista, obligado por su personalidad
noble a mantener oculta su enfermedad por temor a la condescendencia de
los demás, prefiere sufrir en su interior el sufrimiento, ello conlleva
el otro sacrificio, el que se hace por amor puro, el que obliga a dejar
lo que más se quiere por no ser un lastre para el ser querido. Esto
sirve para tocar el tema humanista de los valores morales, de la
solidaridad, de la generosidad, haciéndonos reflexionar sobre qué
haríamos nosotros en su lugar. Un protagonista estoico que se expresa a
través de su decaído rostro de su proceder estoico, cargando sobre sí
como una losa su infortunio, desdicha que puede ser vista como una
metáfora de lo que sufría Japón por entonces, humillada por haber
perdido la guerra y ser un país ocupado por una nación extranjera, bien
puede ser la sífilis alegóricamente Estados Unidos, donde los ciudadanos
son obligados a múltiples sacrificios por el bien común.
Es
tan grande la obra de Kurosawa, tan perfecta y tan…tan…tan cine, que no
sé donde colocar esta película dentro de su filmografía, la forma en
que el director trata al ser humano, cómo lo entiende, es sublime, no
intenta pintar todo de color rosa, sino que muestra las cosas como en
realidad son. ¿Recomendable? No debería tan siquiera pensar en hacer esa
pregunta, puede no ser una de las obras con más renombre del director
Japonés, pero sí es una película que tiene una magia inexplicable, nos
lanza un hechizo y nos deja encantados como toda gran película. “Duelo
Silencioso” es cine a la máxima potencia, a la altura de los grandes
hitos cinematográficos de la historia, a pesar de no ser tan conocida,
es un viaje a través del ser humano, un viaje de conocimiento, no solo
del personaje, sino de uno mismo. Y ahora haced caso omiso a todo lo
dicho hasta ahora, y por favor, vedla. Una vez más, ¡gracias, Maestro!
Cary Juant.
El Ladrón de Bagdad
1924
del estreno de El Ladrón de Bagdad.
Una obra ambiciosa y audaz, fruto como ya comentamos del empeño de Douglas Fairbanks (intérprete, guionista y productor), quien tuvo el buen juicio de rodearse de un triunvirato genial, compuesto por Raoul Walsh en la dirección, Mitchell Leisen en el diseño de vestuario, y William Cameron Menzies a cargo de los decorados. Walsh se nos muestra ya como un director especialmente dotado para la narración, con su tradicional dominio del ritmo y de la plasmación en imágenes de una historia cualquiera. En cuanto al vestuario y a los maravillosos decorados, se opta por recrear un mundo de ficción, en el que no importa si las murallas son desmesuradas, si los vestidos anacrónicos o la arquitectura irrealizable, en efecto, es en el mundo de la fantasía y la aventura en el que estas cosas carecen de importancia, en el que es posible derrotar a la muerte con una manzana, ver el futuro en un cristal o volar en una alfombra, y también donde al final siempre triunfan el bien y el amor.
Cary Juant.
Relato Criminal
1949
del estreno de Relato Criminal.
Joseph
H. Lewis es un director bastante desconocido por nuestros lares, su
mejor film es sin duda alguna esa obra maestra titulada “El demonio de
las armas”, esa película parecía una de esas rarezas que sólo se dan una
vez en la vida, pero escarbando en la más que desconocida filmografía
de Lewis, uno se da cuenta de que a este tío no le sonó la flauta con el
film mencionado, un año antes realizó “Relato criminal”, un thriller
maravilloso centrado en una investigación para apresar a uno de los
criminales más buscados de Estados Unidos, historia claramente inspirada
en Al Capone.
El
punto de partida de “Relato Criminal” es contarnos como un agente
federal intenta apresar al criminal más buscado por las autoridades, un
gangster al que algunos ciudadanos miran como un auténtico héroe,
protegido por uno de los mejores abogados de la ciudad siempre logra
evadir a la justicia gracias a las argucias legales más rebuscadas jamás
imaginadas, la única forma de meterlo entre rejas es conseguir su libro
de cuentas (el verdadero, evidentemente) y condenarlo por evasión de
impuestos. Nos ofrece como protagonista no a un duro detective sino a
alguien potencialmente tan poco carismático como un agente del Tesoro
(ya me perdonarán los lectores que trabajan en dicho departamento), que
responde al nombre de Frank Warren (un muy inspirado Glenn Ford), tal y
como indican los rótulos iniciales, lo que pretende la película es
reivindicar a esas personas que hicieron un trabajo tan duro por el bien
de la sociedad y que no son suficientemente recordadas.
El enfoque que Lewis la da a la historia es inmejorable, la película trata de darnos a conocer a esos héroes anónimos que meten entre rejas a delincuentes súper conocidos, para ello opta por un enfoque a mi juicio muy acertado, mientras que que somos testigos en todo momento de lo que hace el agente federal, la cara del delincuente en cuestión nunca nos es desvelada, viéndole únicamente, y de lejos, al inicio y al final de la película. Y, por descontado, aunque aquí la clave sean los balances de cuentas, en un filme sobre gangsters no pueden faltar los tiros y las escenas de suspense, el gran mérito de los guionistas y el director es conseguir un balance bastante equilibrado entre dichas secuencias de corte más policíaco con aquellas de tipo más realista, en que los protagonistas batallan infructuosamente contra una organización criminal demasiado poderosa para ellos, comandada por «el Gran Hombre», cuyo rostro nunca vemos.
Joseph
H. Lewis es el cerebro en la sombra con su nada grandilocuente
realización, pero haciendo gala de una pericia que ya quisieran otros.
Con un dominio perfecto del ritmo, adornado en algunos momentos de
movimientos de cámara arriesgados y atrevidos para la época, Lewis nos
introduce de lleno en la más que interesante trama de la película, una
trama que se vuelve oscura y violenta según va avanzando, incluso se
permite el lujo de cambiar un poco de tono, sin que esto dañe lo más
mínimo al film, me refiero al momento en el que el personaje central
está perdido porque se cree vencido por el sistema, al no poder hacer
nada contra las amenazas que ha recibido por continuar con sus
actividades, instante ese en el que Lewis nos habla de que nunca hay que
tirar la toalla si creemos que hacemos lo correcto.
Una excelente película, pienso que no está nada mal pasar una buena tarde viendo un clásico del tipo de “Relato criminal” que, sin ser obra maestra, sí es una obra de factura intachable, incluido el guion.
El enfoque que Lewis la da a la historia es inmejorable, la película trata de darnos a conocer a esos héroes anónimos que meten entre rejas a delincuentes súper conocidos, para ello opta por un enfoque a mi juicio muy acertado, mientras que que somos testigos en todo momento de lo que hace el agente federal, la cara del delincuente en cuestión nunca nos es desvelada, viéndole únicamente, y de lejos, al inicio y al final de la película. Y, por descontado, aunque aquí la clave sean los balances de cuentas, en un filme sobre gangsters no pueden faltar los tiros y las escenas de suspense, el gran mérito de los guionistas y el director es conseguir un balance bastante equilibrado entre dichas secuencias de corte más policíaco con aquellas de tipo más realista, en que los protagonistas batallan infructuosamente contra una organización criminal demasiado poderosa para ellos, comandada por «el Gran Hombre», cuyo rostro nunca vemos.
Una excelente película, pienso que no está nada mal pasar una buena tarde viendo un clásico del tipo de “Relato criminal” que, sin ser obra maestra, sí es una obra de factura intachable, incluido el guion.
Cary Juant.
Apenas un Delincuente
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Apenas un Delincuente.
Un prodigio narrativo que potencia un guion que sabe eludir con elegancia todos los clichés del género. Un excelente film de Fregonese con una actuación soberbia de Jorge Salcedo (José Morán), pero además del protagonista, el film brilla por un grupo de actores secundarios notables que interpretan a la particular fauna carcelaria: Sebastián Chiola, Nathan Pinzón y Homero Cárpena forman un trío memorable de presos, asimismo, Tito Alonso, como el hermano de José Morán, encaja a la perfección en su rol de hermano honesto que debe aceptar una ayuda de su hermano, aunque luego éste empiece a creer que lo traiciona. Un súper clásico del cine policíaco argentino, una gran película se mire por donde se mire, para no perdérsela.
Cary Juant.
Nadie Puede Vencerme
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Nadie Puede Vencerme.
Extraordinaria película, un claro ejemplo de los magníficos resultados de la serie B norteamericana y de como con cierta libertad y pocos medios un director era capaz de realizar obras de gran calidad. Una obra maestra: utilización de la cámara, planificación de las escenas, perfección en la progresión narrativa, dirección de actores sublime… Sencilla y compleja a la vez, modesta económicamente, pero no artística ni intelectualmente, "Nadie puede vencerme" deja para la posteridad su durísimo pero bellísimo mensaje humanista sobre la supervivencia de perdedores entre sueños de felicidad.
Cary Juant.
El Ídolo de Barro
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de El Ídolo de Barro.
Un ejemplo perfecto de cómo se realizaban en aquella época las películas: descripción extraordinaria de personajes (sin enfatizar) y un desarrollo de la trama ágill, describiendo la típica historia de ascenso fulgurante y caída estrepitosa de su protagonista. Todo un puñetazo en la mandíbula del mundo podrido del boxeo y el deporte en general cuando se convierte en negocio; la avaricia, el orgullo y demás pecados capitales quedan perfectamente retratados en este espléndido film pugilístico que supuso para su protagonista una de las pocas nominaciones al oscar que tuvo en su dilatada carrera. Por cierto, el título en español, “El ídolo de barro” (no el inglés, “The Champion”), es uno de los pocos ejemplos (no recuerdo otro) de que alguna vez el cambio en este sentido ha sido acertado, y es que esta es una metáfora sobre como el éxito puede tener los pies de barro, puede ser frágil y superficial.
Cary Juant.
El Moderno Sherlock Holmes
1924
Celebra con nosotros el centenario
del estreno de El Moderno Sherlock Holmes.
Estamos
en 1924 y Keaton está ayudando a inventar esto del cine, al tiempo que
piensa sobre sus posibilidades, ver sus películas es descubrir que él lo
hizo todo o casi todo antes que nadie y que lo hizo muy bien, de manera
automática, sin darle importancia, pero con una imaginación y previsión
extraordinarias. Su formación como hijo de actores de vodevil, el haber
estado en el escenario desde los tres añitos, le permite un dominio
físico de las situaciones, pero eso no explica su maestría en el cálculo
del tiempo, sus dotes para encadenar matemáticamente y de manera
acelerada una serie de gags “in crescendo”. Keaton es el único de los
grandes cómicos del mudo americano que no procede de la factoría de Mack
Sennett y es el más inventivo, el más surrealista y el menos novelesco.
Keaton
demuestra un gran dominio del tempo de la comedia, aquí es un pionero
en hacer cine dentro del cine, algo que han copiado muchos desde
entonces, me vienen a la memoria “la Rosa Púrpura Del Cairo” o “El
último Gran Héroe”, con un tramo onírico que ocupa la mayor parte del
metraje, con un despliegue de imaginación visual antológico, con
trucajes milimétricos que asombran por su nivel de perfección, con
escenas que perduran en la memoria por siempre, un trabajo de cámara
extraordinario con planos y tomas sublimes, imprimiendo un ritmo
frenético que hace se te pase la cinta en un suspiro, y se te queden
ganas de volver a verla. Una más que amena película que mezcla humor,
acción, intriga romance y lirismo, todo ello con un equilibrio soberbio.
Por cierto, Buster Keaton siempre rodó sin dobles, por muy peligrosas que fueran las escenas, aquí no fue una excepción, en esta llegó él a hacer de doble del motorista que cae al suelo, pero durante la filmación de la secuencia en que queda colgado de la tubería-caño del tren, termina cayendo por el empuje del agua provocándole una lesión de cuello con la que arrastraría para siempre ataques de migrañas.
Por cierto, Buster Keaton siempre rodó sin dobles, por muy peligrosas que fueran las escenas, aquí no fue una excepción, en esta llegó él a hacer de doble del motorista que cae al suelo, pero durante la filmación de la secuencia en que queda colgado de la tubería-caño del tren, termina cayendo por el empuje del agua provocándole una lesión de cuello con la que arrastraría para siempre ataques de migrañas.
Cary Juant.
El Silencio del Mar
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de El Silencio del Mar.
Melville llega al tope con lo mínimo, una estancia, tres personajes en manos de tres actores que redefinen la interpretación, un reloj que no deja de sonar y una fotografía austera pero narrativa y hermosa como muy pocas, eso le basta para trasladar la guerra a una insignificante habitación olvidada en un recóndito pueblo francés. La premisa es sencilla: Un soldado alemán se ve obligado a hospedarse en casa de un anciano y su sobrina, quienes a su vez se ven obligados a hospedar al soldado, Melville traslada la ocupación alemana en Francia a una insignificante habitación, la guerra se desarrolla en un terreno donde sólo habrá un arma: el silencio, y aquí tenemos la clave que diferencia la película de Melville de cualquier otra visión cinematográfica de la guerra: no hay armas, no suenan las sirenas, no hay gritos, sangre, hambre, violaciones, ni amenaza alguna, no hay desesperación ni gloria, solo hay silencio luchando contra las palabras del soldado, la resistencia francesa es muda, intelectual, psicológica, obstinada y hostil, el discurso alemán en voz del soldado es sincero, culto, ingenuo y totalmente imposible.
Gran película, gran debut, punto de influencia, original… vamos puro clásico, que no cabe en una crítica y que merecería todo un libro. Nadie ha vuelto a contarnos la guerra así, y nadie lo hará.
Cary Juant.
Los Nibelungos:
La Venganza de Krimilda
1924
Celebra con nosotros el centenario
del estreno de La Venganza de Krimilda.
Una de las obras maestras del cine mudo y del cine en general, una obra de arte en la que están representadas las corrientes artísticas del momento, con unos planos majestuosos llenos de fuerza y tragedia, una banda sonora creada especialmente para la película y que es, ella sola, una maravilla, y un final que todavía hoy te deja asombrado. Una auténtica gozada de película.
Cary Juant.
El Tenorio Tímido
1924
Celebra con nosotros el centenario
del estreno de El Tenorio Tímido.
“El Tenorio Tímido” no es una comedia pura sino más bien una tierna historia de amor adornada con un pequeño surtido de gags cómicos, la premisa es aplastantemente sencilla: Harold es un joven que vive en un pequeño pueblo y que es enfermizamente tímido con las mujeres hasta el punto de ser incapaz de relacionarse con las chicas del pueblo o poder dirigirles la palabra sin tartamudear, sólo deja de tartamudear cuando alguien toca un silbato, en una especie de intento por compensar esa incapacidad, Harold se dedica a escribir un libro, “El secreto de hacer el amor”, libro en le que el introvertido aprendiz de sastre, relata sus imaginarias aventuras amorosas con una serie de mujeres de todo tipo, un experto en las lides femeninas que tiene "rendidas a sus pies" a cuantas chicas desea y quiere convertirse en instructor de aquellos que deseen trasegar en las aventuras amorosas a la manera de Don Juan. Cuando se dirige en tren a la ciudad para llevar su manuscrito a un editor, Harold conocerá a Mary, una simpática joven de familia elegante, en el trayecto ambos se enamorarán pero no se atreverán a manifestar abiertamente sus sentimientos, sobre todo Harold, que no quiere pretenderla hasta que sea un hombre de provecho a la altura de la posición de ella.
Podéis decir lo que queráis pero yo compré el libro que publica el gafitas en la película y… que queréis que os diga, muy bien, muy bien no me ha ido, sigo soltero, pero pensándolo bien, que narices, me ha ido de maravilla, y si ellas se ríen es porque, en el fondo, se saben derrotadas. Y si os ponéis a pensar, a él tampoco le va nada mal, al fin y al cabo se lleva a la chica ¿no?, aquí de lo que se trata es de no darse por vencido, con estrella o estrellado, el gafitas avanza y arrasa con todo lo que encuentra bajo su paso, igual que Atila. Que al muchacho le cuesta arrancar y se atasca? !Vaya problema!. En cualquier chino encontraréis un montón de silbatos por menos de un euro, y este consejo es gratis.
Cary Juant.
Pasaporte para Pimlico
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Pasaporte para Pimlico.
“Pasaporte para Pimlico” es una comedia británica producida por los célebres Estudios Ealing que Sir Michael Balcon dirigió entre 1938 y 1958 y que permitieron la producción de las mejores películas inglesas de la posguerra, desde “Al morir la noche”, “Ocho sentencias de muerte”, “Oro en barras” o “El quinteto de la muerte”. Michael Balcon había sido también el productor de las primeras películas de Hitchcock, como “El asesino de las rubias” o “39 escalones” y de “Hombres de Arán” de Flaherty.
Con un brillante reparto coral, su protagonista es la comunidad de vecinos de Pimlico, un barrio londinense que un buen día descubre un documento de la edad media según el cual los habitantes de ese barrio son descendientes del ducado de Borgoña. Con un humor típicamente inglés y a partir de esa premisa absurda Cornelius se ríe del nacionalismo y va construyendo con aplastante lógica toda una serie de disparates administrativos, muy poco razonados, que llegan hasta a declarar la independencia del barrio y la apertura de fronteras y de aduanas para combatir el estraperlo.
Otra joya más de la Ealing. Y van...
Cary Juant.
Día de Fiesta
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Día de Fiesta.
Toda una ruptura con la comedia imperante en sus días, de diálogo ágil y enrevesado, y una reivindicación de la desusada comedia del gag visual y la pantomima. Una encantadora comedia eminentemente visual, con una utilización liviana de los diálogos, pero con un manejo del sonido incidental perspicaz sobre todo en lo referente a animales, perros, caballos, ocas, abejas, y con una narradora singular, una genuina anciana encorvada que de vez en cuando aparece tirando de una cabra y fabulando sobre su pueblo y sus gentes. Tati expone un lugar idílico, con exposición de personajes divertidos, tiernos, traviesos, y sobre todo vitalistas, aporta en su guion un agudo sentido de la observación para retratar el costumbrismo de un entorno rural, con un naturalismo evocador, y lo transmite al espectador con un humor de mueca, no de carcajada, de los que te dejan con un regusto dulce duradero, con elaboración de slapstick que van de menos a más, con situaciones que beben del humor físico, con un tramo final impresionantemente coreografiado.
El
resultado final es una obra rebosante de encanto, una deliciosa
comedia, todo un clásico del cine francés y europeo. Una auténtica
delicia para los ojos y para la mente ver películas como ésta.
Cary Juant.
Manhandled
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Manhandled.
Aunque esta película se rodó en el período culminante del ciclo clásico del cine negro, no lo es del todo, aunque tome de él ciertas características, ya sea en la forma de filmar o en el desarrollo de la historia misma. A decir verdad, esta pequeña película toma prestado de muchos subgéneros del cine policial, es una película policial, una historia de misterio y con un poco de suspense. Lewis R. Foster, un veterano que empezó su carrera en la época del cine mudo, la verdad es que no dejó mucho a la posteridad, “Manhandled” es su trabajo más conocido y bajo mi humilde punto de vista, su mejor película, su restante filmografía es bastante prescindible, pero en su defensa siempre podemos decir que nunca ha trabajado en películas de gran presupuesto, pero claro, si nunca se le confiaron proyectos muy ambiciosos, quizás sea también porque se conocían sus límites en términos de dominio técnico.
Una interesante y poco conocida película que pienso se merece que le concedáis una oportunidad.
Cary Juant.
Juntos Hasta la Muerte
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Juntos Hasta la Muerte.
Obra maestra del western, una joya del maestro Raoul Walsh con su característica vitalidad y su gran fuerza a la hora de contar una historia. Walsh le imprime esa fuerza y ese ritmo que tenía todo su cine, es una película que siempre va hacia adelante, con una historia rodeada de un lirismo y una tragedia penetrantes en los personajes, al igual que ese destino que se apodera de ellos a medida que avanza la película y que ellos no entienden muy bien por qué. Sin duda estamos ante una de las grandes obras maestras del western y del cine, un film lleno de fuerza y de ritmo, una historia perfectamente contada y llena de vigor y emoción.
Cary Juant.
Whisky A Go-Go
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Whisky A Go-Go.
“Whisky a go-go” forma parte de ese tipo de comedia elegante, inteligente, sutil, satírica y, a veces, teñida con pinceladas negras que se daría en dicha compañía después de la Segunda Guerra Mundial, de esas comedias que no te quitan la sonrisa de la boca. El argumento de la película parte de una premisa sencilla: en una pequeña isla escocesa sus habitantes, sobre todo los hombres, están deprimidos y con tristeza perpetua, no solo por los últimos coletazos de la Segunda Guerra Mundial, sino porque una de las consecuencias es que no llega whisky a la isla, esa bebida, de tradición gaélica y con muchos ritos a su alrededor, casi sagrada, es su elixir de la vida; entonces un barco naufraga, el Cabinet Minister, y su tripulación abandona dicho barco antes de que se hunda, pero antes informa a uno de los habitantes de su carga: 50.000 cajas de whisky. Y la sencillez envuelve un relato contado de una forma especial, no solo mantiene la sonrisa constante sino que encierra un pequeño universo, esa isla y sus habitantes, y la cámara pasa con virtuosismo documental por cada uno de los rostros y los quehaceres diarios del lugar pero con notas visuales y gotas de poesía y belleza, un universo que muestra la unidad de la comunidad para la consecución de un objetivo: la obtención del whisky y sortear a las autoridades aduaneras para que no descubran el cargamento “prestado”, tras la denuncia de un responsable capitán inglés Waggett (Basil Radford), que se encarga, infructuosamente, de mantener el orden público en la isla.
Humor inglés de verdad, del que se extrae directamente de la médula, que inocula su aroma de principio a fin en esta magnífica comedia, que es capaz incluso de levantar a los muertos de su tumba, para permitirles ejecutar otro penúltimo brindis, en honor a ese preciado líquido, savia vital de la vieja escocia. Si el Titanic en su vulgar grandeza ha sido merecedor de tanta tinta y celuloide, ¿Acaso es justo que el trágico hundimiento de este insigne buque bautizado "Cabinet Minister", con su valiosa carga, tan solo haya sido referenciado en esta, por otra parte, genial película?
No
hay más que una respuesta que sin lugar a dudas es NO, pero así es de
dura la vida, nuestra triste existencia, esa linea que comienza en un
punto y descalabro tras descalabro, termina en otro punto tan triste
como el primero, y es por ello que los Dioses, quizás apiadándose un
poco del mustio pendejo humano, decidieron concedernos un elixir que nos
ayudase a soportar nuestras múltiples penas y a festejar nuestras
escasas alegrías, elixir al que Babel se refirió con un sin fin de
nombres, pero que en la zona costera que narra esta ejemplar aventura,
conocen como WHISKY. Reveladora de lo que se ha perdido de la auténtica
comedia, exquisita, de continua mueca sonriente, es sana y tan buena
como aquella ancestral receta de tu bisabuela y un enorme placer
encontrártela.
El
genial Polanski, uno de los directores de cine polacos más importantes,
sino el más importante, dirigiría esta, la que fue su tercera película
después de los traumáticos acontecimientos que sucedieron en 1969, el
asesinato de su esposa a manos del demente psicópata Charles Manson.
Tras el normal alejamiento temporal de unos años, Polanski comienza a
volver, tibiamente al inicio, luego con más fuerza, y es con “Chinatown”
con la que finalmente consuma su regreso, exitosamente, tanto para el
público como para la crítica, y es que el realizador logra configurar
una de sus cintas de mayor reconocimiento, una excelente cinta del
género denominado neo-noir, una suerte de reactualización del film noir,
en la que el polaco recrea la historia de un gran magnate del negocio
del agua, en Los Ángeles, California, que ha sido asesinado, y un
detective deberá investigar la raíz de este suceso, primero por encargo
de la esposa del finado, pero su búsqueda, tras superar muchas intrigas,
y resolver muchos misterios, terminará por sacar a la superficie
aberrantes verdades, descubriendo al impensado culpable.
En 1974 pensar en hacer cine negro era considerado casi como una locura, el mundo había cambiado y ya nadie quería hablar de Sam Spade. Robert Evans quien en esa época era el mandamás de Paramount Pictures y había insuflado de vida al moribundo estudio después del éxito de “El padrino”, contactó con el guionista insigne del Nuevo Hollywood, Robert Towne. la idea era hacer “El gran Gatsby” y para eso el productor le ofreció a su tocayo 150 mil dólares, el escritor le dijo que el no estaba interesado en competir con Scott Fitzgerald y le recomendó dejar quieto a los clásicos, le comentó al bueno de Evans: “Más bien hagamos esto, me das 25 de los grandes y yo te doy a cambio una historia que estoy escribiendo, es un policial y se llama Chinatown”, Evans aceptó y no se equivocó, tampoco se equivocó pasándole el proyecto a Polanski.
“Chinatown”
es oscura, impetuosa, elegante, cautivadora, digna... No es un homenaje
ni un simple tributo a los grandes clásicos de los años cuarenta y
cincuenta, se homenajea a sí misma, establece sus propios códigos y
transgrede los ya preestablecidos, no es "El Halcón Maltés", no es "El
Sueño Eterno", no es "Perdición", pero nunca pretendió serlo y por ello
nunca vivió a la sombra de aquellos mitos. Cada escena fue construida
como si fueran las piezas de un rompecabezas, todo encaja y es
coherente, es una obra maestra imperecedera, dirección, música,
interpretaciones, y guion se mueven juntos, como dos personas
sincronizadas que bailan un vals, giran, tuercen, se mueven y a pesar de
todo, se mantienen unidos, creando algo indivisible que crea la
atmósfera perfecta para generar los sueños, sueños como “Chinatown”. Es
indivisible Jack Nicholson de Faye Dunaway, la música de Jerry Goldsmith
cosida a esta cinta, el espléndido guion de Robert Towne, la presencia
inquietante de John Huston, la habilidad con la cámara de Roman
Polanski, el maravilloso tecnicolor… es, el vals perfecto.
Cary Juant.
Chinatown
1974
Celebra con nosotros el 50 aniversario
del estreno de Chinatown.
En 1974 pensar en hacer cine negro era considerado casi como una locura, el mundo había cambiado y ya nadie quería hablar de Sam Spade. Robert Evans quien en esa época era el mandamás de Paramount Pictures y había insuflado de vida al moribundo estudio después del éxito de “El padrino”, contactó con el guionista insigne del Nuevo Hollywood, Robert Towne. la idea era hacer “El gran Gatsby” y para eso el productor le ofreció a su tocayo 150 mil dólares, el escritor le dijo que el no estaba interesado en competir con Scott Fitzgerald y le recomendó dejar quieto a los clásicos, le comentó al bueno de Evans: “Más bien hagamos esto, me das 25 de los grandes y yo te doy a cambio una historia que estoy escribiendo, es un policial y se llama Chinatown”, Evans aceptó y no se equivocó, tampoco se equivocó pasándole el proyecto a Polanski.
Cary Juant.
Ocho Sentencias de Muerte
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Ocho Sentencias de Muerte.
En
1949, bajo el auspicio de esa extraordinaria productora británica que
fue la Ealing, Robert Hamer adapta muy libremente, junto a John Dighton,
la novela eduardiana “Israel Rank”, de Roy Horniman. Pieza clave dentro
del humor negro británico, este film ilustra cómo un joven sin
escrúpulos eliminará a ocho parientes (todos ellos interpretados por un
genial Alec Guinness) que se interponen entre él y la herencia familiar,
planteada como si de un ballet se tratara, cada una de las muertes es
un prodigio de ingenio, observada con una mirada tan lúcida como
irónica.
La
película de Hamer, que toca temas tan dispares como las diferencias
sociales, las falsas apariencias, la infidelidad, la pena de muerte y el
mundo de los trepas, desborda ingenio en cada una de sus secuencias,
éstas están llenas de diálogos frescos y atrevidos, capaz de
engancharnos desde un primer momento para ver las maliciosas hazañas de
su protagonista en su ansiado ascenso al trono aristocrático. Hamer
disecciona a través de tal empresa criminal, irónica y estimulante, a
una serie de elegantes e instruidos personajes capaces de comportarse
vilmente con tal de salirse con la suya. Lo hace desde una posición
aparentemente observadora, sin juicios, convirtiendo así la historia en
una comedia, alta comedia, dotada de sofisticado cinismo, cargada de
ironía dramática, reconociéndose en su retórica una feroz sátira social.
Interpretaciones
excepcionales de personajes mentirosos e hipócritas, que asesinan,
chantajean, que abusan de su poder, ya sea económico, intelectual o
físico, pero siempre desde la exquisitez y el buen gusto, desde una
esmerada educación, pantalla y escudo a la vez de sus más bajos
instintos, a los que el espectador contemplará irremediablemente bajo
una sonrisa. Excepcional Dennis Price, con su mirada distante cargada de
una intensa frialdad rayana en lo despectivo, pero nunca deshumanizado
ni falto de ingenio, siempre divertido en las reflexiones en off que
acompañan las imágenes. En el momento de su estreno lo más publicitado
fue la actuación de Alec Guinness, éste se encargaría de representar
ocho papeles, todos los miembros de la familia D’Ascoyne en un show
total en el que demuestra toda su increíble sobriedad cómica. Joan
Greenwood brilla también en su papel de la perversa amante de Louis, el
único personaje a su altura diabólica, capaz de detentar una aparente
inocencia cargada de picardía y maldad elemental.
Una
brillantísima y sofisticada comedia negra. Una película ingeniosa,
mordaz, provocadora, un clásico profundamente moderno, deudor del cine
de Lubitsch. Simplemente, deliciosa.
Cary Juant.
El Manantial
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de El Manantial.
El
manantial” (The Fountainhead) (1943) es uno de los mayores éxitos
literarios de Ayn Rand, novela que, junto a la ‘La rebelión de Atlas’ le
trajo fama y éxito financiero, se vendieron más de 6,5 millones de
copias en todo el mundo, siendo llevada magistralmente al cine en 1949
por King Vidor. El guion fue escrito por la propia Ayn Rand, y
controlado minuciosamente por ella misma de una forma desacostumbrada en
Hollywood, lo que no pudo conseguir fue que los decorados
arquitectónicos fuesen hechos por Frank Lloyd Wright, el arquitecto real
que inspiró parcialmente al personaje de Roark, pero los elevados
honorarios de Wright hicieron que los estudios vetaran esa posibilidad.
Son
muchos los responsables del magnífico resultado de este film,
comenzando por ejemplo por la autora de la historia en que se basa, la
exiliada rusa Ayn Rand, y no en su condición de autora del libro
original (un poco pesado bajo mi punto de vista) sino porque, exigiendo
absoluta responsabilidad como adaptadora del mismo, no dudó en
concentrar sus más de 700 páginas, abundantes en las digresiones propias
de quien se toma todo el tiempo del mundo para expresar sus ideas sin
rendir cuentas a nadie, en un guion espléndido, que destaca por una
increíble concisión de conceptos y personajes. También habría que
hablar, por supuesto, de un reparto en estado de gracia, o de un
director de fotografía formidable, Robert Burks, que no necesita
enfatizar nunca las luces para crear la atmósfera necesaria, no por nada
enseguida se convertiría en el iluminador favorito de Hitchcock, o de
un músico, Max Steiner, que compuso un tema central indudablemente
altisonante, que suena una y otra vez amenazando con hacerse cansino o
cargante, pero que consigue transmitir a las imágenes la obsesión sonora
que estas requieren.
Ahora
bien, el responsable principal que obra el prodigio de hacer que una
historia tan peligrosa se convierta en la fascinante sinfonía que es
tiene un nombre, y es el de su director, King Vidor, uno de los grandes
creadores del cine. Si una de las aportaciones fundamentales de
Hollywood a la narración visual fue la economía narrativa, la capacidad
para sugerir el máximo con el mínimo de elementos, “El manantial”
seguramente sea uno de sus ejemplos emblemáticos, estamos ante una
película en la que cada plano informa o sugiere, define o relata, sin
perder el tiempo en nada que no sea absolutamente necesario, uniendo de
modo genial una escena con otra, encadenando momentos que aportan nuevos
datos a lo que acaba de contarse, y todo ello con un sentido expresivo
que no proporciona un momento de respiro al espectador.
La película es emocionante en todo momento, todo el film es una evidente declaración de principios sin tapujos ni disimulo de lo que nos va a contar: Un hombre integro en sus convicciones, orgulloso de serlo, y con la única ambición de anteponer sus ideales antes todo y a cualquier precio. Excelente, magnifica, estupenda, colosal... inolvidable, mucho tiene que aprender la humanidad de películas como ésta que dignifican al cine como arte.
La película es emocionante en todo momento, todo el film es una evidente declaración de principios sin tapujos ni disimulo de lo que nos va a contar: Un hombre integro en sus convicciones, orgulloso de serlo, y con la única ambición de anteponer sus ideales antes todo y a cualquier precio. Excelente, magnifica, estupenda, colosal... inolvidable, mucho tiene que aprender la humanidad de películas como ésta que dignifican al cine como arte.
Cary Juant.
Odio Entre Hermanos
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Odio Entre Hermanos.
Mankiewicz nos plantea un drama familiar en toda regla, con tintes de cine negro, un drama en el que estoy seguro que Ford Coppola se inspiró para crear esa obra maestra llamada “El Padrino”, porque el personaje de Gino Monetti, maravillosamente encarnado por un siempre magnífico Edward G. Robinson, posee muchas similitudes con Vito Corleone: Autoritario, amante de la familia, fiador corrupto de sus amigos italianos y con preferencia hacia uno de sus hijos: Max (el equivalente de Michael Corleone, aunque Max no sea el mayor). Al contrario que Coppola, Mankiewicz se centra en el germen de odio que siembra "Il capo" de la familia, con los continuos desprecios hacia sus dos hijos (Joe y Pietro), sus maneras machistas y una financiación más que oscura precipitarán su caída antes de tiempo y sólo Max estará ahí para jugarse el cuello por él, curiosamente, al final este será quien irá a la trena y Gino, resentido con sus otros dos hijos que le quitarán su banco, levantará un muro de odio entre hermanos a base de cartas envenenadas a su hijo encarcelado, algo que transformará a la familia Monetti en una casa de extraños (El "House of strangers" del título original).
Cary Juant.
El Reinado del Terror
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de El Reinado del Terror.
El título original de “El reinado del terror” es “The black book” (El libro negro), el libro negro de Robespierre es aquel que contiene el listado de aquellos que él considera que deben ser eliminados por ser enemigos de la República, aunque más bien por ser obstáculos para que establezca su dictadura, lo que invita a que la película pueda ser contemplada como una corrosiva y punzante alegoría sobre la solapada atmósfera de “terror” y la convulsa situación que se vivía en la industria hollywoodiense en aquellos años, con la inclemente persecución de “La caza de brujas” realizada, o más bien ejecutada, por el Comité de actividades antinorteamericanas (HUAC), que tuvo como resultado que los que eran considerados como simpatizantes del ideario comunista fueron estigmatizados en una lista negra, un año después se acuñaría el término 'McCarthysmo', por la intensa cruzada en busca del comunista camuflado que promovería el senador Joseph McCarthy (aunque no hubiera participado en el citado comité, aunque sí inspirado), la correspondencia entre Robespierre y McCarthy es manifiesta: el propósito de McCarthy era establecer una dictadura del pensamiento, un cerco que restringiera la libre expresión, o cuando menos que interfiriera en la expresión de valores o ideas que se consideraran divergentes.
Francamente entretenida, cine de altura, de esas sesiones de tarde inolvidables donde aprendimos a soñar.
Cary Juant.
La Legión Invencible
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de La Legión Invencible.
Dice
la leyenda que John Ford comenzó a convencerse de que John Wayne era
capaz de ampliar su registro interpretativo cuando lo vio en “Río Rojo”
de Howard Hawks y que a partir de aquí decidió darle papeles más
exigentes, hasta lograr resultados antológicos, el primero de esos
personajes fue Nathan Brittles en “La legión invencible”, un capitán de
caballería que está a punto de jubilarse, lo que obligó a Wayne a
envejecer convincentemente unos quince años. Pero bueno, dejémonos de
leyendas y entremos en materia...
Tras
sus primeros reveses comerciales, la productora Argosy, fundada por
John Ford y Merian C. Cooper (codirector de “King Kong”, todo un
personaje del cine, la aventura, la exploración, y otro montón de
facetas y disciplinas), encontró en la recuperación del western la forma
de resarcirse del fracaso en las taquillas y de financiar futuros
proyectos, de ahí surge la llamada «trilogía de la caballería»,
inspirada en los relatos del escritor James Warner Bellah (publicados en
España por la editorial Valdemar). En “La legión invencible” (She wore a
yellow ribbon) -cuyo título original se toma de una canción tradicional
que recoge la costumbre de las prometidas a soldados de caballería de
adornarse con una cinta amarilla-, el segundo capítulo de la serie,
adaptado por Frank S. Nugent y Laurence Stallings, Ford se centra en la
vida de un oficial de la caballería, el Nathan Brittles antes mencionado
(John Wayne) como arquetipo del soldado americano de la frontera, y
también de un sentido de la vocación de servicio y de la profesionalidad
próximos a extinguirse, pero no es el argumento o la trama guerrera lo
que más importa a John Ford en esta historia, sino el retrato de la vida
de los soldados, y de la realidad a la que se enfrentan cotidianamente.
No faltan algunos de los guiños característicos de los westerns de Ford
(el ritual del baile de oficiales, las peleas regadas en alcohol
irlandés, el guiño cómplice y en clave de reconciliación a los
confederados derrotados en la guerra civil, las «conversaciones» del
protagonista con su esposa fallecida y enterrada en el cementerio del
fuerte, el sentido del humor, la presencia de inmigración europea, la
voz en off que ensalza el papel de los soldados como avanzadilla de la
«civilización americana» en una tierra salvaje e inhóspita, todos ellos
teñidos del sentimentalismo tan querido al director), pero el cineasta
busca primordialmente reflejar la abnegación del militar profesional
personificando su espíritu de sacrificio en el personaje de Brittles,
tan fuerte, competente y disciplinado como tímido y vergonzoso, para
muestra la secuencia del reloj de plata, en la que intenta disimular
tanto el hecho de que se haya emocionado como el de sacar las gafas del
bolsillo para poder descifrar la inscripción, u otra menos evidente pero
también ejemplar, cuando el personaje de Joanne Dru lo sorprende
hablando con la lápida de su mujer, cine en estado puro como solo el
maestro Ford sabía hacer.
El
tono agridulce dominante en la mayor parte de los 106 minutos de
narración, en la que las amarguras son constantes, las carcajadas están
casi ausentes, y las sonrisas se congelan en muecas de resignación y
nostalgia, viene subrayado por el magnífico uso del color del operador
Winton C. Hoch, Ford despliega en cada fotograma una enorme belleza
plástica, en la que su talento para la composición de planos viene
refrendada por un uso perfecto del color y, especialmente, de la luz.
Memorable, por ejemplo, la secuencia de la tormenta, rodada bajo los
rayos y los truenos por Ford y Hoch cuando éste se aprestaba ya a
desmontar los arcos fotovoltaicos y el material eléctrico a fin de no
atraer al aparato eléctrico de la tormenta, en la que la columna de
caballería marcha a pie para que el cirujano pueda operar al soldado
herido por una flecha, la imagen de los uniformes azules sobre el
terreno ocre, bajo el cielo azul surcado de culebrillas y relámpagos,
con el murmullo de los arreos, los cintos y el metal de sables y armas
roto por el estallido de los truenos, constituye una de las cimas del
cine en color de toda la década de los 40.
Otro sobresaliente trabajo de Ford, rebosante de lirismo y con uno de los trabajos de fotografía más espectaculares que se pueden encontrar en el cine. Un fresco de la vida cotidiana en el marco de la última frontera de Norteamérica que destaca, sobre todo, por la belleza cromática y la composición poética de cada encuadre.
Otro sobresaliente trabajo de Ford, rebosante de lirismo y con uno de los trabajos de fotografía más espectaculares que se pueden encontrar en el cine. Un fresco de la vida cotidiana en el marco de la última frontera de Norteamérica que destaca, sobre todo, por la belleza cromática y la composición poética de cada encuadre.
Cary Juant.
La Novia era él
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de La Novia era él.
Magnífica, llena de inteligencia y diálogos ingeniosos, ritmo vertiginioso, tempo sin desfallecimientos, frases brillantes, un guion un poco absurdo pero efectivo y una definición para la historia. "¿Guerra de sexos? Es cuando nos gustamos, pero ninguno quiere reconocerlo". Brillante.
Cary Juant.
Al Rojo Vivo
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Al Rojo Vivo.
Un
título imprescindible para disfrutar del mejor cine negro, una obra
maestra insuperable llena de brío y violencia, una hora y 49 minutos de
puro cine en glorioso blanco y negro.
Cary Juant.
El Caballo de Hierro
1924
Celebra con nosotros el centenario
del estreno de El Caballo de Hierro.
“El
caballo de hierro” es sin duda la mejor producción muda de Ford. Detrás
de la cámara nos encontramos a un joven cineasta de tan sólo 30 años,
hijo de inmigrantes irlandeses, que ya ha dirigido medio centenar de
películas aunque jamás haya pilotado un proyecto semejante. Hace muy
poco que ha empezado a aparecer en los créditos como John Ford, pues su
auténtico nombre es Sean Aloysius O´Fearna (Algunas fuentes sostienen
que fue registrado como John Martin Feeney), nacido en una granja de
Cape Elizabeth, estado de Maine, un 1 de febrero de 1894, en el seno de
una numerosísima familia –trece hermanos -cuyos progenitores proceden de
Galway, Irlanda.
A la postre, la película costó cerca de 300.000 dólares de la época, una exorbitante cantidad, pero tras su estreno resultó un gran éxito y recaudó diez veces esa cifra, revelándose como un magnífico negocio. Demostró que los films de “El Oeste” podían ser algo más que un rutinario y barato espectáculo para rellenar programas, y apuntaló la cotización de John Ford dentro de la industria, impulsando la carrera de un cineasta que en el futuro llegaría a conquistar cuatro premios “Oscar” al “Mejor Director”, convirtiéndose con el paso del tiempo, bajo mi humilde opinión, en el más grande entre los grandes de la historia del “Séptimo Arte”.
Cary Juant.
Vida Fácil
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Vida Fácil.
Ubicada
cronológicamente en su obra entre el estupendo thriller que es BERLIN
EXPRESS (1948) y antes de la excelente ESTRELLAS SOBRE MI CORONA (1950)
–hoy en día justamente valorada entre los aficionados españoles, aunque
hasta hace pocos años prácticamente nadie la había podido contemplar-,
mucho me temo que al film que motiva estas líneas le va a ser más
complicado el verse beneficiado de esta consideración, siendo por lo
general dejado en un segundo término cuando se realiza un recorrido
sobre la obra del maestro francés.
A
partir de un relato de Irwin Shaw, titulado ''Education of the Heart'',
el gran Jacques Tourneur filmó aquí un drama que, pese a su fuerza, es
uno de sus filmes menos conocidos, pero, con todo, deja su sello en
muchas escenas con una dirección de actores muy inteligente,
consiguiendo incluso sacar partido de Victor Mature, un actor que, la
verdad sea dicha, nunca ha sido santo de mi devoción, pero que realiza
aquí un aceptable papel gracias a la mano del maestro Tourneur. Por el
lado femenino a Mature lo acompaña una estupenda Lizabeth Scott, esa
rubia y bella actriz de sensual voz, descendiente de progenitores rusos y
británicos, y que a pesar de resultar una espléndida presencia,
principalmente en títulos de cine negro, y una muy aceptable actriz a la
que pretendían vender como una nueva Lauren Bacall, no consiguió nunca
el grado de estrella, y por lo general sus películas no obtuvieron
grandes resultados en taquilla, aunque ello no fue óbice para que
algunas de ellas con el paso del tiempo se hayan revelado como
auténticas joyas del cine (“El Extraño Amor De Martha Ivers” por
ejemplo).
Aquellos que pretendáis contemplar en “Vida fácil” un relato más o menos biográfico, una plasmación de hazañas deportivas, o un melodrama desaforado, reivindicativo o moralista, más vale que desistáis de asistir a este pequeño drama de la R.K.O. de menos de ochenta minutos de duración. Sin embargo, para aquellos que realmente conozcáis y améis el cine de su realizador, o tengáis la suficiente curiosidad de contemplar un producto insólito, ambivalente y, al mismo tiempo, revestido de contención e intención, no cabe más que recomendaros asistir a la contemplación de esta interesante película, un film realizado no solo con profesionalidad, sino con el debido grado de inspiración que solía proporcionar un cineasta, que convertía la historia más nimia que llevara a la pantalla en un perverso, sinuoso y sombrío marco de conflictos y emociones, de las cuales este film injustamente menospreciado no fue una excepción.
Aquellos que pretendáis contemplar en “Vida fácil” un relato más o menos biográfico, una plasmación de hazañas deportivas, o un melodrama desaforado, reivindicativo o moralista, más vale que desistáis de asistir a este pequeño drama de la R.K.O. de menos de ochenta minutos de duración. Sin embargo, para aquellos que realmente conozcáis y améis el cine de su realizador, o tengáis la suficiente curiosidad de contemplar un producto insólito, ambivalente y, al mismo tiempo, revestido de contención e intención, no cabe más que recomendaros asistir a la contemplación de esta interesante película, un film realizado no solo con profesionalidad, sino con el debido grado de inspiración que solía proporcionar un cineasta, que convertía la historia más nimia que llevara a la pantalla en un perverso, sinuoso y sombrío marco de conflictos y emociones, de las cuales este film injustamente menospreciado no fue una excepción.
Cary Juant.
El Tercer Hombre
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de El Tercer Hombre.
Pura leyenda, puro mito, puro CINE con mayúsculas, una obra maestra absoluta del cine de todos los tiempos, uno de los más lúcidos estudios sobre el egoísmo, el cinismo y la maldad del ser humano que nos plantea el terrible dilema moral de tener que escoger entre la fidelidad y lo éticamente correcto. Un Monumento del Séptimo Arte, un film de esos que definirlos sería limitarlo, a cada visionado se le encuentran detalles nuevos, todo lo que pudo ir bien fue aún mejor, simplemente, seas ateo o creyente, es pecado mortal perderse este clásico del thriller y el suspense a la vez que aula magna de la cinematografía.
Cary Juant.
Arroz Amargo
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Arroz Amargo.
Notable drama italiano realizado y escrito por Giuseppe De Santis en su segundo largometraje, se basa en un argumento del realizador y de Carlo Lizzani, desarrollado como guion por éstos con la colaboración de Franco Monicelli en los diálogos. Es una poderosa mezcla entre el neorrealismo y el thriller erótico, donde el productor del film, el mítico Dino de Laurentis, regala a su entonces reciente esposa de 18 primaveras Silvana Mangano un tórrido papel que la elevó a los niveles de Icono sexual merced al modo en que la cámara la muestra explosiva y sensual, una femme fatale que evoluciona a medida que avanza el metraje, su voluptuosidad, su modo de moverse, bailar, dejar ver sus piernas, su imagen con pantalones cortos y medias negras en los arrozales fue todo un pelotazo para la conservadora mentalidad de la época.
Una buena película, con un guion excelente (alcanzó la nominación para los Oscar), bien dirigida, real como la vida misma, impensable para los españoles de aquellos tiempos en que el norte del tobillo femenino era como la inexcrutable selva del Amazonas, con buenos actores y una Silvana Mangano... también muy buena ¿Os la vais a perder?
Cary Juant.
Atormentada
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Atormentada.
Una película que recomiendo especialmente a todos aquellos que sientan fascinación por “Rebeca”, “Cumbres Borrascosas” o “Luz que Agoniza”, aunque es bastante inferior a estas tres obras maestras, no por eso deja de ser sumamente interesante, el argumento, aunque pueda calificarse de folletinesco, es apasionante y mantiene el interés de principio a fin.
Cary Juant.
Primavera Tardía
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Primavera Tardía.
El cine de Ozu, en mi opinión, tiene algo que ver con maestros como Ford, su capacidad para la concisión, para captar lo elemental sin énfasis, sin hipérboles. Una tenue nostalgia recorre su cine, desecha lo superfluo y se apodera de los fotogramas con sencillez, y ni siquiera es importante que el argumento de la cinta verse sobre esto o sobre aquello, él va más allá del argumento, como hace Ozu, como hacen los grandes directores.
Una película desnuda de artificios, desprovista de originalidades, sin diálogos ampulosos ni frases para el recuerdo; y, sin embargo, insuperable crónica de la esencia de la vida; del inevitable drama de lo cotidiano. La vana esperanza de esquivar al destino se diluye, lentamente, como la ilusión de retener la arena en el puño, y llegamos al final: un hombre, una manzana y el espectador con la garganta quebrada. Una obra hermosa y sentida como pocas.
Cary Juant.
Pelham 1, 2, 3
1974
Celebra con nosotros el 50 aniversario
del estreno de Pelham 1, 2, 3.
El
nombre de Joseph Sargent no está escrito precisamente con letras de oro
en la historia del cine, pero justo es reconocerle que con “Pelham 1,
2, 3” consiguió uno de los mejores thrillers de los 70, una película
redonda que grandes cineastas que cultivaron el género como Siegel o
Fleischer difícilmente habrían mejorado. El modo cinematográfico de
narrar Sargent es ejemplo de cómo realizar un thriller policiaco sin
perder la cabeza ni dejarse llevar por los tiros, las persecuciones y
las explosiones, su manera de contar es efectiva, precisa, contundente y
va al grano.
Los
sucios y apestosos túneles de la "ciudad que nunca duerme" se van a
convertir en los protagonistas de una aventura increíble e inédita, la
que llevó a la novela del gran Morton Freedgood a conseguir unas ventas
envidiables, hablamos tal vez de su trabajo más conocido, esa "The
Taking of Pelham 123" que tras publicarse en 1973 creó una negra leyenda
y perjudiciales supersticiones alrededor del metro neoyorkino. Con su
legítima autorización y un seguimiento exhaustivo, la producción de esta
adaptación cargó con las dificultades propias de filmar en
localizaciones reales, algo que acabó resolviendo magnificamente un
Joseph Sargent que estaba dejando su pasado televisivo para situarse en
la cúspide de su popularidad como cineasta, captura bien la esencia del
momento, mitad de la desencantada y conflictiva década de los '70, no
sólo gracias a esa arenosa fotografía de Owen Roizman, sino también a
una dirección concisa, que sabe hacer del espacio y el tiempo un arma
perfecta para generar tensión, desde el mismísimo comienzo en que vemos
aparecer a la cuadrilla de tiranos que va a asaltar el tren que da
título a la obra.
Magnifica
película, un entretenido, tenso y magníficamente fotografiado y filmado
thriller urbano, trufado de unos divertidos, ocurrentes, secos y
cortantes diálogos, en el que la acción y el suspense no decae durante
todo el metraje y que a día de hoy sigue tan poderosa como el día de su
estreno. Un thriller implacable y demoledor en su presentación y
desarrollo, donde quedan atrás los efectos pirotécnicos para dar paso a
un trabajado guion cuyo mayor halago que se le puede atribuir, al igual
que su montaje, es su magnetismo, logrando mantener al espectador en
vilo durante toda la película. En resumen, una cinta entretenidísima, de
ritmo prodigioso, que tuvo la desgracia de padecer un infumable remake
protagonizado por Denzel Washington y John Travolta, nada que ver. Por
cierto, ésta es una de las raras ocasiones en que una distribuidora en
España en vez de prolongar un título o darle la vuelta hasta conseguir
que cualquier parecido con el original sea mera coincidencia, no sólo no
lo alarga sino que lo acorta, sustituyendo el inicial, “The Taking of
Pelham One Two Three” (El secuestro del Pelham uno dos tres), por el más
escueto, “Pelham 1, 2, 3”. ¿Fue por ahorrarse tinta?, ¿fue por darle
menos pistas al espectador?, ¿o fue...? porque coincidir literalmente
con el de origen, hubiese creado un peligroso precedente...
Cary Juant.
Secretos de un Matrimonio
1974
Celebra con nosotros el 50 aniversario
del estreno de Secretos de un Matrimonio.
Uno de los mejores films del Bergman de los setenta, un retrato apasionado, íntegro y honesto del matrimonio, su desintegración y la relación que le sigue. Pocas películas retratan de forma tan lúcida las relaciones humanas, o al menos las relaciones de pareja. No es un film complaciente, no hay moralina posible, no está dirigido al intelecto sino al corazón. Es, meramente, un trozo de vida, de vida en pareja, que se nos presenta con toda su crudeza, no hay ni vencedores ni vencidos, ni buenos, ni malos. Un auténtico y valiente ejercicio de veracidad y honestidad.
Cary Juant.
Alma en Tinieblas
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Alma en Tinieblas.
Una película muy especial, una historia conmovedora y sincera, no hay trucos ni falsas pretensiones, solo una historia muy genuina de personas que hacen lo mejor que pueden dadas las circunstancias, queriendo dar amistad cada uno de la mejor forma que sabe. Una historia maravillosa sobre el significado de la amistad, una gran película que trata sobre el lado humano sencillo y sin adornos de la vida.
Cary Juant.
Mercado de Ladrones
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Mercado de Ladrones.
"Mercado de Ladrones" nos acerca a la vida de Nick Garcos (Richard Conte) un camionero que ve como su padre, de misma profesión, es engullido por la furia de un mercado que no respeta el esfuerzo, la honestidad e incluso la vida de las personas, así Nick se embarcará en un fatigoso e interminable viaje para transportar manzanas a lo largo de la costa oeste del país, de Reno a San Francisco, con el que ganar un dinero con el que poder casarse y la vez intentar arreglar esos "asuntos" que dejaron a su padre postrado en una silla de ruedas, una vez en San Francisco Nick se encontrará con Figlia (Lee J. Coob) un comerciante de la peor condición que no escatima en artimañas y jugarretas con tal de ganar dinero aunque ello signifique quitar de en medio a quien se interponga en su camino, también conocerá a Rica (Valentina Cortese) una chica de dudosa reputación que hace del ambiente del mercado central de San Francisco su forma de vida.
Magnífico fresco sobre la supervivencia en la época de la gran depresión, es de ese tipo de películas en las que se va al grano desde el primer momento, con diálogos cortantes y contundentes, con actuaciones tan directas que las sigues paso a paso, además, con intriga, con planteamiento, nudo y desenlace. Una gran película de Jules Dassin que supera, con éxito, la prueba más difícil en el arte, la del tiempo, se hizo hace setenta y cinco años, pero se sigue hoy como si la hubieran hecho ayer.
Cary Juant.
Las Manos de Orlac
1924
Celebra con nosotros el centenario
del estreno de Las Manos de Orlac.
En
la filmografía de Robert Wiene se descubren películas que por uno u
otro motivo se han convertido en clásicos de la cinematografía alemana,
entre esas producciones se encuentra una obra maestra de la talla de “El
gabinete del doctor Caligari” (Das Kabinett des Doktor Caligari, 1920),
obra referente del movimiento más representativo del cine alemán de
principios de la década de 1920, dentro del cual también se podría
encuadrar esta primera adaptación de “Las manos de Orlac” (Orlac's
Hánde), realizada en un momento en el que el expresionismo empezaba a
declinar, por ello, en “Las manos de Orlac” la estética deformadora que
dominaba en “El gabinete del doctor Caligari” se suaviza en extremo,
tanto en su forma como en su contendido.
Yo
particularmente conozco tres adaptaciones de la novela de Maurice
Renard, de ellas, tengo un recuerdo francamente negativo de la dirigida
por Edmond T. Gréville a principios de los sesenta, mientras que resulta
magnífica la filmada por Karl Freund en los primeros años treinta, obra
que, pese a su notable interés, siempre ha quedado oscurecida por otros
de los exponentes surgidos en el periodo dorado de la Universal, siendo
sin embargo superior a no pocos de ellos, sin duda, el ser un exponente
de horror puro, sin recurrir a la existencia de ningún tipo de
monstruosidades, llevó a dejar en un segundo plano sus logros. Pero, con
diferencia, la mejor versión es esta magnífica película de Robert Wiene
que hoy nos ocupa, es una joya de la narrativa que mezcla el género
policíaco y el gótico en un tenso relato que gana grandes dosis de
suspense a medida que se desarrolla, la película reproduce los
postulados del vanguardista expresionismo alemán, aunque suavizados en
favor de una estética más noir y naturalista, abundan las metáforas y
los golpes de efecto, como por ejemplo, el cruce de dos trenes a gran
velocidad que parecen destinados a colisionar entre sí, anticipo claro
del accidente que está por llegar instantes después, la siguiente escena
del convoy destrozado sobre las vías y la búsqueda de Orloc por parte
de su mujer entre el amasijo de acero en que han quedado convertidos los
vagones sobrecoge también por su gran realismo.
Nos
encontramos con una obra de extrema austeridad y escasos decorados, un
drama que se centra en el alma torturada del pianista Paul Orlac, y,
evidentemente, para ello, se requería un intérprete que asumiera sobre
sus hombros un personaje complejo, sensible y huidizo al mismo tiempo,
era una apuesta arriesgada, pero a la que se entrega Conrad Veidt de una
manera estremecedora, su actuación va más allá de todo elogio,
resultando de una asombrosa modernidad e intensidad, hasta el punto de
transmitir y compartir con el espectador ese drama emocional, que llega a
expresar mediante un lenguaje corporal de sobrecogedora efectividad,
pocas interpretaciones del periodo silente nos han conmovido más que la
realizada por Veidt en esta ocasión, en la que quizá sea su encarnación
más excepcional de una carrera admirable, truncada por una muerte
demasiado prematura.
Cary Juant.
Aelita
1924
Celebra con nosotros el centenario
del estreno de Aelita.
Especialmente destacable es el espléndido diseño Art Déco de escenarios y vestuario utilizado para las escenas que transcurren en Marte: trajes y sombreros de complicadas e imposibles formas, puertas que se abren como diafragmas fotográficos, escaleras que siguen trayectorias extravagantes… El aspecto visual del film, a cargo Sergei Kozlovski, Alexandra Exter, Isaac Rabinovich y Viktor Simov, es uno de los principales motivos por los que la película sigue siendo recordada hoy en día, ofreciéndonos un conjunto ciertamente extraño, onírico y futurista que se anticipaba en algunos años al “Metrópolis” de Fritz Lang.
Pero “Aelita” es también Yuliya Solntseva y la sensualidad con la que dotó al personaje que significó su debut ante las cámaras. Tras un par de papeles más, la joven actriz protagonizó “La tierra” (1930) de Alexandr Dovjenko, quién se había consagrado como director un año antes con “El arsenal”, la intérprete contraería matrimonio con el maestro soviético convirtiéndose al mismo tiempo en su más estrecha colaboradora cinematográfica, incluso tras el fallecimiento del director en 1956, Solntseva llevaría a la pantalla varios guiones que dejó escritos su cónyuge caso de “Crónica de los años del fuego” (1961), por la que recibiría el Premio a la dirección en el Festival de Cannes, “El Desna encantado” (1965) o “Ucrania en llamas” (1967), actividad que compaginaría con su dedicación a mantener la memoria de su marido como historiadora, restauradora o articulista hasta que, casi nonagenaria, su ojos se cerraron en 1989.
La odisea del ingeniero Losi supuso un nuevo éxito para Protazanov a partir de su estreno en septiembre de 1924, y aunque después firmó otra veintena de títulos más, algunos de notable relevancia como “El sastre de Torjok” (1925) o “El cuarenta y uno” (1927), el cineasta no pudo imaginar cuando falleció en 1945 que sería precisamente su película más insólita, “Aelita”, la que le abrió las puertas de la inmortalidad cinematográfica.
Cary Juant.
Michael
1924
Celebra con nosotros el centenario
del estreno de Michael.
Lo primero que cabe resaltar en “MICHAEL”, es el rigor de su construcción dramática y en la composición de sus planos. Con una planificación dispuesta casi en su totalidad en planos fijos brillantemente orquestados por un admirable montaje, y ayudados por una extraordinaria y nítida fotografía en blanco y negro, Dreyer sabe dosificar casi a la perfección el entramado narrativo y descriptivo de la película, en la que tiene una gran importancia la escenografía dispuesta en todos su planos. A partir de la conjunción de dichos elementos, la capacidad en la dirección de actores, y la fuerza que adquieren los primeros planos que se insertan en la misma, el maestro danés logra desde los primeros instantes mostrar la perfecta descripción de un contexto asfixiante y decadente, al tiempo que la escueta galería humana que puebla su ficción queda definida con trazos maestros. Cada gesto o mirada tiene una significación y un aporte al conjunto del film, brindando todo ello un extraño ritmo, una cadencia que un cineasta de la categoría de Dreyer sabía ya incorporar a sus ficciones.
Un magnífico drama psicológico y una demostración clara de la madurez expresiva que en aquel periodo tan lejano en el tiempo, asumía ya el cine de un genio, nuestro nunca poco admirado Dreyer, en una propuesta en la que nos habla sobre el dolor, la soledad y, en definitiva, la muerte, planteando la importancia que entre ellos puede tener la presencia del amor.
Cary Juant.
Atrapado
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Atrapado.
Tras un largo periodo en la R.K.O. Fleischer decidió atender el llamamiento que le formularía Anthony Mann para realizar uno de sus films policíacos, para lo cual abandonó provisionalmente dicho estudio, ingresando en otro especialmente dedicado a producciones debajo presupuesto, la Eagle Lyon Films, donde firmó “Trapped” –jamás estrenada en nuestras pantallas, aunque emitida en televisión y editada en DVD con la traducción literal de “Atrapado”-. En dicho contexto Fleischer asumió la responsabilidad de firmar una pequeña producción destinada al enaltecimiento de los agentes federales del departamento de tesoro de los Estados Unidos, ya en los títulos de crédito del film se ofrece un rótulo de agradecimiento a la colaboración dispensada por las autoridades de dicho departamento, mostrándose a continuación un breve documental que relata la labor de sus responsables, detallando las diferentes vertientes del mismo.
Cary Juant.
El Navegante
1924
Celebra con nosotros el centenario
del estreno de El Navegante.
El protagonista es el adinerado y ocioso Rollo Treadway (Buster Keaton), un día ve a una pareja de recién casados y decide que él también debe casarse, visita su vecina, Betsy O’Brien (Kathryn McGuire), hija de un potentado naviero, para proponerle el matrimonio, esta rehúsa de modo flemático, y entonces Rollo se embarca solo en el viaje en barco a Honolulu que tenía pensado fuera la luna de miel, el problema es que se equivoca de navío, y se embarca en el “Navigator”, que es una nave propiedad del padre de Betsy (Frederick Vroom), que acaba de vender a un país en guerra. Keaton enfoca su relato hacia el microcosmos de la clase muy (pero muy) alta, sobre ese tipo de gente que tienen todo lo que desean, y de cómo estos privilegios se pueden tornar en tóxicos cuando se encuentran en según qué condiciones extremas, pero realmente esto se trata solo de un McGuffin, aquí lo que prima es el encadenado de situaciones que te dejan un muy buen sabor humorístico, situaciones que se multiplican, con momentos cumbres en el Séptimo Arte.
Una obra maestra total y absoluta que va en un "crescendo" de ingenio, talento y tensión a medida que avanza su corto metraje, una obra de referencia en su formidable época; "El navegante" era el film preferido de Keaton y no me extraña, pues es una comedia redonda, elaborada e ingeniosa, desbordante de inteligencia y repleta de "gags" antológicos. Un prodigio de imaginación en el que no hay un momento de aburrimiento.
Cary Juant.
Pinky
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Pinky.
Segunda
película de Elia Kazan para el productor Daryl F. Zanuck, de la Fox. El
film tuvo una gestación muy problemática, John Ford abandonaba el
rodaje a los diez días del inicio, Zanuck sobre la marcha pidió a Kazan
que se hiciera cargo del proyecto, pues Kazan había hecho dos años antes
para Zanuck “La barrera invisible” que trataba el tema antisemita,
ganando el Oscar para la película y el director, Zanuck tras el éxito
del polémico tema judío, pretendía triunfar con el tema racista y sin
duda lo consiguió. El excelente guion, de Philip Dunne y Dudley Nichols,
adapta libremente la novela “Quality” (1947), de Cid Ricketts Summer,
nacida, Berta Louise Ricketts, nombre que debió cambiar “por sugerencia”
de los editores para eludir los prejuicios machistas.
El
film suma drama, racismo, intolerancia, crítica social y romance. Es
una de las primeras películas interraciales realizadas en Hollywood por
una gran productora y forma parte del ciclo de cine social que se
prodiga en los años 40. El relato explica los hechos con realismo y
trazos documentalistas, los problemas se presentan con naturalidad y se
insertan en la vida diaria de la comunidad. Se advierte el pulso
vigoroso y fluido de gran narrador que tiene Kazan, construyendo
ambientes de gran fuerza emocional, de nuevo demuestra que ama
profundamente a sus personajes, que le duelen las minorías discriminadas
(él mismo sufrió esto en carne propia por su origen griego), y con su
novedoso estilo semi-documental, borda un filme colmado de noble
espíritu y de alto valor socio-político.
Kazan una vez más da cuenta de su gran capacidad para la dirección de actores, haciendo posible que una espléndida Jeanne Crain pueda darnos una de las mejores caracterizaciones de su carrera. Ethel Waters, resulta también maravillosa como la abuela y sería nominada a los premios Oscar; y Ethel Barrymore, haciendo de Miss Em, sigue a la altura de su dinastía familiar, con un talento para la interpretación, irreprochable. Una película sin duda para recordar.
Kazan una vez más da cuenta de su gran capacidad para la dirección de actores, haciendo posible que una espléndida Jeanne Crain pueda darnos una de las mejores caracterizaciones de su carrera. Ethel Waters, resulta también maravillosa como la abuela y sería nominada a los premios Oscar; y Ethel Barrymore, haciendo de Miss Em, sigue a la altura de su dinastía familiar, con un talento para la interpretación, irreprochable. Una película sin duda para recordar.
Cary Juant.
La Matanza de Texas
1974
Celebra con nosotros el 50 aniversario
del estreno de La Matanza de Texas.
Clasificarla es un poco complicado, es buena, es mala… lo que está claro es que es una película de “auténtico terror”, porque no hay nada más terrorífico que lo cotidiano, lo inexplicable y lo desconocido de tus vecinos o tus allegados, solo tienes que ver la cantidad de crímenes sangrientos entre conocidos y familiares que se cometen a diario, generalmente más crueles y violentos que algunos de los que aparecen en este film. Hablo de sensaciones, de la parte técnica es un poco más difícil hablar, rudimentaria pero efectiva, y aún así con escenas de autentico impacto y muy bien conseguidas, en estas, sobre todo el sonido y las expresiones se convierten en el mayor aliado del desarrollo en la película, haciendo que todas las secuencias resulten reales hasta el extremo, desagradablemente reales diría yo, pero muy conseguidas.
Es sin duda un hito y un referente en el cine de terror, incansablemente copiada y manipulada, pero en ninguna de sus secuelas se han conseguido las sensaciones que esta te aporta. Extraña, desagradable y psicótica... te hace estremecer pensar que está basada en hechos reales, creo que no debemos catalogarla por sus supuestos valores cinematográficos, pero que ha marcado época, seguro, y por supuesto su remake más cercano no se aproxima, ni de lejos, al aluvión de pelos de punta que produce su original, en este caso, una de las pocas películas de terror de verdad.
Cary Juant.
Abandoned
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Abandoned.
Es
curioso visionar una película de la época clásica que aborda sin rodeos
un tema que sigue siendo controvertido hoy en día, nos referimos a una
modesta producción de serie B, “Abandoned”, que avala el buen pulso de
su director, un Joseph M. Newman que había desarrollado una extensa
andadura en el terreno del cortometraje y el documental, y que a finales
de los cuarenta, se foguearía en el ámbito del largo de complemento de
programa doble, junto con cineastas como Don Siegel, Richard Fleischer,
Robert Wise… Una escuela que le facultaría como ese vigoroso artesano de
género, especialmente de aquellos que combinaban acción y tensión.
Una excelente película con una trama tensa e intrigante, a pesar de algunos fallos en la construcción de ciertos personajes, el director consigue mantener el ritmo en todo momento y que pases unos entretenidos minutos con su visionado.
Cary Juant.
La Heredera
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de La Heredera.
“La
heredera” es uno de los grandes melodramas de William Wyler, lo filmó
en 1949 a partir de una excelente adaptación de la novela de Henry James
“Washington Square”, y es la historia de una pasión insatisfecha
destruida por las convenciones sociales, los equívocos y la imposible
reconciliación entre mundos e intereses distintos. Olivia de Havilland
obtuvo el Oscar por su interpretación de Catherine Sloper, una chica
sobre la que pesa la sombra de una idealizada madre muerta, imposible
modelo a la que es confrontada una y otra vez por el Doctor Sloper, un
personaje encarnado de manera absolutamente magistral por Ralph
Richardson. Monti Clift da vida al arribista ambicioso que intenta
llevarse al huerto a la señorita Sloper y Miriam Hopkins a la tía
Lavinia, una figura simpática que tiene como misión permitir que los
otros puedan expresar en alta voz sus sentimientos.
La
película ha sido acusada de academicista, como toda la obra de Wyler,
ese alsaciano que aportó elegancia y sobriedad a Hollywood, es un
reproche injusto pero comprensible hoy. Wyler cree en sus personajes, en
los conflictos que muestran, en el drama psicológico, en el dolor de
los amores expresados de manera inconveniente, no es un director que
quiera presumir de ser el más astuto, que sus criaturas no necesitan
guiñarle el ojo al espectador, decirnos que él está de vuelta de todas
esas tonterías, se toma en serio lo que hace, cree que el espacio en el
que está organizada la casa de los Sloper tiene una dimensión simbólica,
que la escalera juega un papel, que la secuencia del baile sirve para
exponer el movimiento de los sentimientos, que el movimiento de la
cámara que acompaña a una de las irrupciones de Clift en la mansión de
los Sloper expresa mejor que cualquier palabra la idea de toma de
posesión. En Wyler todo significa, nada es arbitrario, todo es
inteligente y nada está contado en segundo e en tercer grado, aunque
todo pueda tener varias lecturas, no es un cineasta postmoderno, sino
simplemente un gran cineasta.
Todo
esto desarrollado de modo vibrante, en base a momentos cargados de
intensidad, de sensibilidad (que no sensiblería), donde los sentimientos
más arraigados estarán de modo latente a flor de piel, y donde la
ambigüedad moral será manejada de forma majestuosa por Wyler, pues es un
relato cargado de sublecturas, donde cada espectador podrá sacar una
conclusión distante, sabe jugar con la información para que no sepamos
realmente el cien por cien de las motivaciones de los personajes,
edificando un entramado malsano donde la verdad y la mentira quedan
confundidos en una nebulosa agria, con lo que conformará una historia
viva, con un reguero resplandeciente de matices y zonas grises que te
atraparán en su malsana telaraña , imbuyéndonos de una atmósfera que a
medida que avanza el metraje se hará tan asfixiante como absorbente. Un
relato de una potencia dramática fascinante, sabiendo conjugar con
mordiente fuerza el amor y la venganza, en una miscelánea desgarradora,
maniobrando con prodigio la elipsis temporal para sobre todo en su
Apoteósico clímax final, alcanzar una de las cumbres del Séptimo Arte.
Sin duda una obra de arte máxima que merece la pena revisar una y otra vez y que confirma, una vez más, el vigor narrativo de William Wyler. ¡Un filme memorable!
Sin duda una obra de arte máxima que merece la pena revisar una y otra vez y que confirma, una vez más, el vigor narrativo de William Wyler. ¡Un filme memorable!
Cary Juant.
Han Matado a un Hombre Blanco
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Han Matado a un Hombre Blanco.
Ambientada en un pueblo del sur de Estados Unidos, su protagonista es Chick, un adolescente que asiste a la detención de un hombre negro llamado Lucas acusado de haber disparado por la espalda a un blanco, uno de los miembros del clan Gowrie, justo antes de entrar en la comisaría, Lucas le pide al muchacho que su tío John sea su abogado para ese caso, pero cuando acude a la cárcel a ayudarle no encuentra en Lucas el apoyo que esperaba, éste simplemente le da a entender secamente que él no cometió el crimen dando como pista que la bala que encontrarán en el cadáver no es la de su arma, pero se resiste a dar mucha más información.
Una maravilla desde su arranque hasta su minuto final, uno de esos magníficos productos rodados con una aparente sencillez pero que esconden en su fuero interior un complejo compendio que almacena una osada llama de denuncia social narrada a través de una propuesta temporal moderna en virtud de un montaje que engarza con elegancia varios flashback que alumbran pasajes acontecidos en el pasado conectados íntimamente con el presente, dando lugar así a una cinta que hace gala de un ritmo trepidante y contundente a la que no le sobra ni le falta un solo segundo de metraje. Una de esas películas inclasificables que partiendo de un drama sureño de tintes judiciales, acabará convirtiéndose en una emocionante intriga tiznada de elementos noir, pero que igualmente derivará hacia una de esas historias de alumbramiento de la madurez de ese adolescente que perderá esa virginidad que el mundo de la infancia encierra en su territorio.
Cary Juant.
Almas Desnudas
1949
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Almas Desnudas.
Director
sutil, esmerado, cuidadoso y estilista, Ophüls supo crear ambientes
como nadie e incluir en ellos a sus protagonistas con una naturalidad
pasmosa, su comienzo, bajo el cobijo del mejor expresionismo alemán, sus
trabajos en Estados Unidos o su vuelta a Francia para rodar esos
exquisitos dramas de época, suponen uno de los recorridos más
fantásticos en la historia del cine y elevan a su filmografía a la
categoría de excelente.
La
última película que realizó el director en Hollywood sería toda una
curiosidad en su carrera, una película que se aparta por completo de sus
temas habituales y en la que aborda un género tan típicamente americano
como el cine negro o policíaco, sin embargo, “Almas Desnudas” está muy
lejos de ser una película de intriga al uso, y de hecho eso es lo que
buscaba su productor, Walter Wanger (quien años atrás había conseguido
un éxito enorme con algunas de las mejores películas americanas de Fritz
Lang como “La Mujer del Cuadro” y “Perversidad”), prueba de ello es que
pensara inicialmente adjudicar este proyecto al director francés Jean
Renoir en lugar de a cualquiera de los muchos expertos en cine negro que
podría hallar en Hollywood, por ello, cuando la película pasó a caer en
manos del también exiliado Max Ophüls no puede decirse que el
realizador le diera un giro radical al film, sino que más bien desde el
principio Wanger buscaba dar un tono distinto a esta historia criminal.
El resultado fue de lo más interesante, más allá de la típica historia
vulgar sobre chantajes, Ophüls consiguió hacer un lúcido retrato sobre
la familia típicamente americana, y más concretamente, de la madre de
familia americana, lo que nos propone el director es mostrarnos un hogar
estable, acomodado e idealizado que acaba mostrando su otro reverso
aparentemente menos visible.
La
peripecia de Lucia Harper (Joan Benett) por abrirse paso entre las
fatalidades que se suceden a la muerte accidental en su casa del canalla
amante de su hija adolescente es mostrada por Ophüls en forma de
estorbos, impedimentos, trabas, zancadillas, interrupciones e
inconveniencias. El peso argumental se sustenta en dos figuras grandes
como lo fueron James Mason y la preciosa Joan Bennett, sobre todo ella,
quien con su personaje de madre luchadora, ejemplar y protectora,
recorre todos los estados emocionales y hasta físicos que el trabajo de
madre de adolescentes conlleva, agregándole un marido ausente y una hija
rebelde por cosas de la edad y sin miramientos de unas consecuencias
insospechadas, con chantaje y homicidio accidental incluido. Ophüls, a
través de Bennett, nos lleva casi que con angustia por toda la película
con un ritmo compensado y firme, sin vacíos argumentales notorios y con
una calidad de fotografía ejemplares. Mason, como siempre, cumple
cabalmente en un personaje dual que se mueve entre el bajo mundo y el
sentimiento naciente entre admiración y amor por la mujer que es su
víctima, pero Joan es el centro de la trama, su fuerza, sus lágrimas, su
sentimiento que cobija el bienestar familiar a toda costa y sin
miramientos los plasma por completo en pantalla pasándoselos al
espectador para que se haga cómplice con su sufrimiento, y a fe que lo
consigue, corroborando lo gran actriz que era.
Una fiesta para los ojos, pero para los ojos del cuerpo y los ojos del alma, uno de esos funambulismos con los que se atreven las grandes obras de arte, conjugar emoción, diversión, belleza y reflexión. Una historia tintada en negro, de suspense, de intriga, un film que es imprescindible recuperar y mantenerlo donde debe estar: en la cima de la cúspide y más allá.
Una fiesta para los ojos, pero para los ojos del cuerpo y los ojos del alma, uno de esos funambulismos con los que se atreven las grandes obras de arte, conjugar emoción, diversión, belleza y reflexión. Una historia tintada en negro, de suspense, de intriga, un film que es imprescindible recuperar y mantenerlo donde debe estar: en la cima de la cúspide y más allá.
Cary Juant.
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