EFEMÉRIDES 2022
CABARET
13 de Febrero de 1972
Celebra con nosotros el 50 aniversario
del estreno de Cabaret.
De las andanzas de Christopher Isherwood en Berlín durante la República de Weimar nos queda su libro de relatos, “Adiós a Berlín”, esta obra, de tintes autobiográficos, ya había sido adaptada al cine por el inglés de origen sudafricano Henry Cornelius en la estupenda “Soy una cámara”, pero sería Bob Fosse el encargado de hacer la versión más famosa, adaptando al cine el musical creado para Broadway por J. Masteroff, John Kander y Ralph Burns.
La película se rueda en
escenarios reales de Berlín, Múnich, Lübeck (estación de tren) y
Eutin (Castillo del barón) y en los platós de Bavaria Studios
(Múnich), Bavaria Filmstudios (Grünwald) y Berlin Union-Film Studio
(Berlín), en la misma época en que Coppola lanzaba a las pantallas
“El padrino”, ante tamaña competencia, podría parecer que este
maravilloso musical quedaría eclipsado, pero no fue así, obtuvo el
Óscar al mejor director (Bob Fosse), mejor actriz (Liza Minelli),
mejor actor de reparto (Joel Grey), mejor banda sonora, mejor
decorado, mejor montaje, mejor fotografía y mejor sonido, arrasó
con ocho premios de la Academia, frente a los tres que se llevó “El
padrino”.
“Cabaret” es un musical diferente, atípico, Bob Fosse conservó intacto el encanto y el ambiente chispeante y descocado de un típico local nocturno de espectáculos, el “Kit Kat Club” es pura filosofía que invita a dejar las preocupaciones en la puerta y zambullirse en la euforia de noches llenas de música, colorido, risas, embriaguez, excesos y desinhibición.
Mientras de puertas
afuera el partido nazi alemán crece como una enfermedad y gana cada
vez más fanáticos adeptos, mientras en las calles se suceden las
emboscadas y los asesinatos y grupos de desaprensivos marchan como
legiones infernales insultando a los judíos, agrediéndolos y
dejando ofensivas pintadas en los muros de sus viviendas, dentro del
“Kit Kat Club” las penas se olvidan bajo ríos de alcohol, capas
de maquillaje, ropas chillonas, coreografías de vértigo y canciones
que hablan de felicidad, de amor, de dinero y de diversión.
Joel Grey, como maestro de ceremonias del cabaret berlinés, encarna a un personaje que destila un aura de irrealidad como pocas veces ha expuesto una obra, es como un fantasma de los deseos humanos, alguien libre y absurdo que se cuela durante unos instantes en las vidas de los berlineses prenazis portando ironía y sarcasmo con sus números musicales, prodigiosa y portentosa su actuación.
Liza Minnelli interpreta aquí el papel de su vida, la Minnelli nunca
estuvo tan radiante como en este trabajo, donde compone un personaje
lleno de ternura, bajo la capa de libertinaje y despreocupación que
muestra en la superficie, ella nos envuelve durante toda la cinta y
nos magnetiza a partir de sus ojos llenos de pasión por la vida.
Una gran película que seguro no os decepcionará: grandes interpretaciones, ingeniosos diálogos, soberbios números musicales… Una de esas películas imprescindibles de la Historia del Cine, una delicia de principio a fin.
Cary Juant.
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NOSFERATU
4 de Marzo de 1922
Celebra con nosotros el centenario
del estreno de Nosferatu.
Primera adaptación a la gran pantalla de la novela «Drácula»
de Bram Stoker, película de un director de enorme talento, F. W.
Murnau, cineasta que nos ha legado obras absolutamente imperecederas
y que decidió en 1921 trasladar al cine la terrorífica novela del
irlandés Bram Stoker; al serle denegados los derechos decidió hacer
una versión personal que, no obstante, conservaba el hilo histórico
de la obra literaria, después daría lugar a una demanda que Murnau
perdería, decidiendo los jueces que debían ser quemadas la
totalidad de las copias de la película, por fortuna, varias cintas
se habían vendido ya a otros países, y así pudo preservarse esta
obra de arte cinematográfica. Abanderada de ese extraordinario
movimiento artístico que fue el expresionismo alemán y que,
cinematográficamente hablando, da comienzo en 1919 con la no menos
recomendable 
“El gabinete del doctor Caligari” (Robert Wiene)
usa las mismas bases ya vistas en el arte pictórico expresionista,
el objetivo aquí no es obtener una descripción realista de lo que
sucede, sino más bien conseguir que se imponga el subjetivismo del
autor, ya sea a través de los delirantes decorados con tintes
cubistas usados en la obra de Robert Wiene, o ya sea a través de las
retorcidas y surrealistas figuras dibujadas por la siempre amenazante
sombra de Orlok (Sí, Orlok, en esta película no se llama Drácula).
Los escenarios son increíblemente perturbadores, oscuros y tétricos; deudora del espíritu gótico y del simbolismo de literatos de décadas pasadas, más que del propio Stoker, de autores como Hoffmann o Storm, todas las secuencias son realmente impactantes y de una tensión dolorosa: cada imagen es un golpe.
En
Nosferatu, Murnau experimenta con un encuadre y una composición
típicamente pictóricos, bebe de las fuentes de la pintura romántica
alemana (Friedrich, Carus, Kersting...), existe una constante
contribución de esta corriente pictórica al más fabuloso de los
logros de Nosferatu, su atmósfera, una atmósfera fácilmente
perceptible, pero difícilmente transportable a estas líneas, parece
trascender al propio sentido de la vista, impregnando la experiencia
de su visionado de un profundo olor a Cine. La cámara de F. A.
Wagner permanece intencionadamente fija en la mayoría de secuencias,
se hace una magistral utilización del claroscuro, el cine se aleja
del teatro para acercarse a la pintura, para evocar emociones con la
utilización exclusiva de la imagen, retratos aparentemente
naturalistas, son capaces de generar en el espectador un desasosiego
que difícilmente lograrían escenas de terror explícito.
Centrándonos en Orlok, Max Schreck (horror en alemán, ¿coincidencia?), sin duda es el mejor vampiro que ha existido, su caracterización e interpretación es inmensa y escalofriantemente perturbadora, no en vano se rumoreo durante años que Shreck era un verdadero vampiro contratado por Murnau, de hecho, la anécdota más popular contada alrededor de este actor del método es que, durante los descansos nocturnos en el rodaje (se filmaba de día teniendo en cuenta los escasos recursos de la época), Schreck desaparecía en la noche por el bosque, creyéndose (y haciendo creer a los demás que lo era) un vampiro.
El Conde Orlok interpretado por Schreck ha pasado
a la historia como el vampiro por antonomasia, el monstruo que
respira por su sombra, el espectro lujurioso, el astuto, el
insatisfecho, el maligno y siempre sediento Nosferatu, la bestia más
cruel y aterradora.
Una absoluta obra maestra llena de tensión, angustia, incertidumbre, desasosiego. Una película que ha sabido envejecer como el buen vino, revalorizándose año tras año no sólo como una referencia en el género de terror vampiresco, sino también como una referencia cinematográfica en su término más amplio; en serio, esto es cine. Por cierto, me gustan mucho más estos vampiros a la vieja escuela que los guapetones que salen ahora, con ese aire de seducción y romanticismo que el vampiro de Stoker no poseía ni de lejos.
Cary Juant.
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Sherlock Holmes
7 de Marzo de 1922
Celebra con nosotros el centenario
del estreno de Sherlock Holmes.
El personaje de Sherlock Holmes no parecería un tema muy
apropiado para ser utilizado en el cine, Holmes en sí mismo es un
ser frío, distante y abstraído, sus supuestas aventuras se
resuelven a través de la fría racionalidad en lugar de puñetazos,
mamporros o tiroteos… sin embargo, ninguna otra figura literaria
tiene interpretaciones tan numerosas y diversas en la pantalla. Los
actores, a menudo entre los mejores de su generación, parecen
disfrutar de la oportunidad de interpretar a este extraño espécimen
de la humanidad, desde los primeros días del cine hasta el momento,
más de un siglo después, tenemos a Sherlock Holmes saliendo de los
estudios de cine y televisión como un reloj, por alguna razón los
aficionados al cine seguimos queriendo más y más Holmes.
La película que hoy nos ocupa es el primer gran largometraje de Sherlock Holmes que se conserva, aunque estuvo perdido durante muchísimos años. Estrenada en los Estados Unidos por Goldwyn Pictures Corporation, la película fue lanzada el 7 de marzo de 1922, una copia de la película - un positivo incompleto en 35mm, aproximadamente 50 minutos - se guarda en el Museo Internacional de Fotografía y Cine en George Eastman House; en los años 70 fue redescubierta y, en un proceso que duró décadas, consiguió restaurarse de la mejor manera posible, se utilizaron la copia positiva incompleta conservada en la Eastman House y algunos rollos negativos recientemente encontrados, con el redescubrimiento de otros elementos la Eastman House llevó a cabo una nueva reconstrucción en 2001, el 7 de julio de 2009, la película fue lanzada en DVD por Kino International.
La película que hoy nos ocupa es el primer gran largometraje de Sherlock Holmes que se conserva, aunque estuvo perdido durante muchísimos años. Estrenada en los Estados Unidos por Goldwyn Pictures Corporation, la película fue lanzada el 7 de marzo de 1922, una copia de la película - un positivo incompleto en 35mm, aproximadamente 50 minutos - se guarda en el Museo Internacional de Fotografía y Cine en George Eastman House; en los años 70 fue redescubierta y, en un proceso que duró décadas, consiguió restaurarse de la mejor manera posible, se utilizaron la copia positiva incompleta conservada en la Eastman House y algunos rollos negativos recientemente encontrados, con el redescubrimiento de otros elementos la Eastman House llevó a cabo una nueva reconstrucción en 2001, el 7 de julio de 2009, la película fue lanzada en DVD por Kino International.
Ahora todos pensamos en Basil Rathbone cuando nos imaginamos en la
pantalla a Sherlock Holmes, pero sin que muchos lo supieran, hubo una
adaptación anterior de la historia protagonizada por John Barrymore
como Holmes y Gustav von Seyffertitz como el profesor Moriarty.
Barrymore está simplemente magistral en su papel, su famoso perfil
es perfecto para Holmes, sus ojos son sumamente expresivos y su
cuerpo atlético apropiadamente elegante, uno se pregunta qué gran
Sherlock podría haber sido si también tuviéramos el beneficio de
su voz autoritaria. El actor alemán Seyffertitz establece el modelo
para los “Moriarties” que llegarán a posteriori, además podréis
encontrar a Roland Young como el Dr. Watson y William Powell como un
secuaz de Moriarty haciendo los dos su debut cinematográfico. Louis
Wolheim, Reginald Denny y David Torrence completan los papeles
secundarios.
Este "Sherlock Holmes" sin duda no llegará a ser nunca uno de los grandes clásicos del cine, pero sí es una película muy amena y entretenida, no es de las mejores películas mudas de todos los tiempos, pero sí es una muy buena muestra de ese floreciente arte que estaba naciendo, el cine. Si eres un admirador de Barrymore, de Powell, o de las historias de “Sherlock Holmes”, no te la pierdas, vas a pasar un buen rato y disfrutar de unos agradables momentos de buen cine.
Cary Juant.
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¿Qué me pasa, doctor?
10 de Marzo de 1972
Celebra con nosotros el 50 aniversario
del estreno de ¿Qué me pasa, doctor?
Genial homenaje a las comedias alocadas de los años treinta de
Hawks, Lubitsch, Cukor..., aunque formalmente quizás más cercana a
la comedia del “gag” de los 60 (Edwards, Lewis) que, a su vez,
bebía de las películas cómicas del cine silente (Lloyd, Laurel y
Hardy...). La historia es la de una mujer alocada que hace caer en el
abismo a un eminente musicólogo a punto de recibir un importante
premio por su trabajo con unas rocas prehistóricas. Pues sí, es "La
fiera de mi niña", ahora no hay un perro que entierre un hueso,
tampoco hay hueso, hay piedras ígneas, y hay maletines a cuadros,
muchos maletines a cuadros, persecuciones por las calles empinadas de
San Francisco, puertas que se abren y se cierran sin parar...
Diálogos inteligentes, gags variados, slapstick, enredos, ritmo
frenético, screwball, sátira, despiporre, todo unido por un
excelente guión. "¿Qué me pasa, doctor?" combina todos
los palos humorísticos para dar lugar a la comedia total, en la que
la risa puede aflorar de cualquier lado. Disparata, surrealista y
desternillante, seguro que te va a hacer reír a carcajadas.
Maravillosa, una de esas películas que forman parte de nuestra vida. Una obra maestra de la comedia y del cine. ¡Bravo!
Cary Juant.
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El Padrino
15 de Marzo de 1972
Celebra con nosotros el 50 aniversario
del estreno de El Padrino.
Obra cumbre del cine estadounidense y,
a su vez, del cine moderno, quinto trabajo de Coppola, un director de
estilo inigualable aunque muy irregular. El guion, de Mario Puzo y
del propio Coppola, se basa en la novela "The Godfather"
(1969), de Mario Puzo, se rueda en exteriores de NYC, New Jersey,
California, Las Vegas y Sicilia y en los Paramount Studios, la acción
tiene lugar en NYC entre 1945 y 1958, con desplazamientos ocasionales
a California, New Jersey, Las Vegas y Sicilia. En cierto modo se
puede considerar que la obra constituye una versión actualizada de
"El rey Lear", de Shakespeare, y también, una revisión
puesta al día de de esa auténtica maravilla que Howard Hawks nos
legó a todos los amantes del séptimo arte, "Scarface"
(1932); la película de Coppola supuso toda una revisión, renovación
y actualización del género negro, ofreciéndonos una visión desde
dentro, creíble y estremecedora, del mundo de la mafia americana, a
través de una saga familiar de origen siciliano.
Si el cine de gánsteres nos ha regalado muchas obras maestras a
lo largo de la historia, la película de Coppola es sin duda una de
ellas, después de verla seguro que tenemos la certeza de conocer los
entresijos de la Cosa Nostra, más aún, de identificarnos con ese
clan de malnacidos sin escrúpulos cuyo código ético se basa en la
ambición, la felonía y la venganza. Recuperamos a un grandioso
Brando al que apenas se entiende pero cuya recreación del “alma
mater” de la saga es, sencillamente, insuperable. También
conocimos a Pacino antes de que fuera Pacino, cuando era un gran
actor. Supimos, además, cómo era una boda siciliana, aprendimos que
la cabeza de un pura sangre queda mucho más aparente sobre una
sábana que disecada en la pared del salón. Entonces entendimos cómo
empezó Sinatra, para qué sirven las cisternas de los váteres de
mala muerte y comprendimos el significado de la palabra “vendetta”.
Y que mentir mirando a los ojos de tu propia esposa es pan comido
para un jefe mafioso.
Hablar sobre planos, fotografía, movimientos de cámara,
encuadres, vestuario y demás sería quedarse en la más absoluta
nada, tras tres horas disfrutando de este grupo de personajes que te
dejan encogido en la butaca y sin parpadear ni un sólo momento. Y
eso que la banda sonora se te queda grabada, genialidades como la de
Nino Rota nunca pasarían desapercibidas.
Un auténtico prodigio, una de esas películas que te dejan la potente sensación de estar degustando auténtico cine desde el primer hasta el último instante. Una obra maestra del cine, así de simple; si uno ama el cine, seguramente la habrá visto, por ello, todo lo que se diga o se escriba, es poco para dar impacto a este film, pero, si aún no la has visto... ¿a qué esperas insensato?
Un auténtico prodigio, una de esas películas que te dejan la potente sensación de estar degustando auténtico cine desde el primer hasta el último instante. Una obra maestra del cine, así de simple; si uno ama el cine, seguramente la habrá visto, por ello, todo lo que se diga o se escriba, es poco para dar impacto a este film, pero, si aún no la has visto... ¿a qué esperas insensato?
Cary Juant.
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Monsieur Verdoux
11 de Abril de 1947
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Monsieur Verdoux.
Octavo largometraje de Charles Chaplin, en el que interviene como guionista, director, productor, compositor de la música y protagonista. El guion parte de una primera idea de Orson Welles, que intentaba hacer una especie de documental, con Chaplin de protagonista, sobre la vida de Henry Desiré Landrú (1869-1922), francés que murió en la guillotina por el asesinato de 10 mujeres. A Chaplin le encantó la historia y la compró, la adaptó a su modo, para escribirla y dirigirla dándole su particular toque de humor.
Chaplin ya había enterrado en "El gran dictador" a
aquel pequeño y enorme personaje que fue Charlot, uno de los más
tiernos, románticos, cómicos, desgarradores y sutilmente críticos
que han atravesado las pantallas, y de esos que el público recuerda
década tras década, generación tras generación, ya hace más de
cien años desde que su silueta con bombín, bigotito, traje gastado,
andares patosos y bastón apareciera por primera vez, y sigue tan
fresco como entonces. Chaplin era un artista de múltiples cualidades
y no fue de los que se quedan encallados en un papel, cierto que no
volvería a brillar como en su etapa de cine mudo y comienzos del
sonoro, pero encontró la tecla para seguir adelante, conservando
esos rasgos de genialidad que lo distinguirían hasta la actualidad.
El genio deja aquí a un lado las comedias alegres y sentimentales
(aunque siempre con su punto de tristeza y tragedia, además de
crítica) para realizar este inigualable alegato acerca de la
sociedad capitalista y su brutalidad.
En su estreno obtuvo una acogida fría por parte del público y
suscitó apasionadas descalificaciones de los sectores más
conservadores de la sociedad estadounidense. También la crítica le
fue adversa, convirtiéndose en la obra más discutida, criticada e
incomprendida de Chaplin. El paso del tiempo ha permitido descubrir
la fuerza y solidez de la cinta, una obra maestra imperecedera,
lúcida y amarga a la vez, una tragicomedia llena de emoción
contenida, que oscila entre el melodrama, la comedia negra y hasta el
slapstick que nunca olvidó Chaplin; el cinismo, la ironía, la
bondad y la maldad también afloran en esta joya del cine pocas veces
entendida. Una lección magistral de ritmo, montaje y estructura
narrativa, una gran película, otra más de este icono del cine
mundial. Inolvidable.
Cary Juant.
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Narciso Negro
24 de Abril de 1947
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Narciso Negro.
Pocas parejas de directores han tenido
una relación tan fructífera como la que consiguieron el inglés
Michael Powell y el húngaro Emeric Presburger en su trabajo
conjunto, bajo el paraguas de su compañía de producción “The
Archers” (Los arqueros), crearon algunas de las películas más
innovadoras y creativas de la cinematografía no sólo británica
sino mundial de los años 40 y 50. Sus películas son, ante todo,
originales, cada película es distinta a las demás, maravillosamente
sorprendentes, a ratos excéntricas, siempre inteligentes, raramente
aburridas y casi siempre obras maestras. La película que hoy nos
ocupa está escrita, producida y dirigida por ambos, es la sexta de
sus producciones y se basa en una novela de la escocesa Rummer Godden
("Black Narcissus" – 1939), una autora de la que se han
realizado fabulosas adaptaciones cinematográficas, como la
maravillosa “El Río” (1950) de Jean Renoir, o la excelente pero
algo desconocida “Hechizo (Enchantment)” (1948) de Irving Reis,
en su obra la India deja una huella imborrable en el alma de las
personas que, en cierto modo, las transforma en alguien diferente.
Según el minuto en el que estamos contemplando la película,
podrá parecernos un drama realista, una exótica aventura con
personajes que parecen sacados de "El ladrón de Bagdad",
una historia de dinámica grupal del estilo de "Siete mujeres"
o "La calle de la vergüenza", o un estudio de
profundización psicológica sobre la represión sexual, tantos
ingredientes podrían dar lugar a un caldo indigesto, pero para mi
gusto los arqueros Powell y Pressburger dan en toda la diana,
consiguiendo que la mezcla resulte extraordinariamente atractiva.
Todo el reparto está espléndido, pero sin embargo los personajes
casi son engullidos moviéndose en torno a un avasallador diseño
artístico rebosante de belleza, una de las fotografías más
hermosas que haya visto en una pantalla, dándole un halo de misterio
y leyenda al relato, escribir sobre esta película es viajar por una
de las fotografías mejor conseguidas en la historia del Séptimo
Arte, arrebata al espectador con una furia de colores que llega hasta
adormecer las pupilas, sorprende saber que la película fue rodada
exclusivamente en interiores de estudio y en un jardín botánico,
algo que engrandece todavía más el magistral trabajo del director
artístico y, sobre todo, el del genial director de fotografía Jack
Cardiff, uno de más grandes de su profesión. Pero por supuesto, no
se pueden dejar de lado unas interpretaciones que parecen ensayadas
hasta la extenuación y que no dejan de impresionar aún con el paso
de los años, es más... Deborah Kerr es más Deborah que nunca, y el
atractivo David Farrar, aunque un tanto perdido entre tanto talento
femenino a su alrededor, no deja en absoluto bajo el listón
masculino.
Un film impecable, una de las películas más atrevidas, arriesgadas y modernas de su momento, y que todavía hoy en día mantiene esa fuerza especial que solo el cine destinado a trascender su época es capaz de transmitir. Otra obra maestra en el impresionante legado de este genial dúo de artistas y que da la razón a esa mítica frase que habla de “la magia del cine”.
Cary Juant.
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El Doctor Mabuse
27 de Abril de 1922
Celebra con nosotros el centenario
del estreno de El Doctor Mabuse.
Inmediatamente después de rodar “Las tres luces” (Luis Buñuel
fue seducido para el cine, tras visionarla), llegó a manos de Fritz
Lang la novela del periodista Norbert Jacques, “Dr. Mabuse, el
jugador”, que primero se había publicado por entregas en el diario
Berliner Illustrirten; junto a su esposa, Thea von Harbou, que, por
cierto, había estado casada anteriormente con el protagonista del
film y de la mayoría de las películas alemanas de Lang, Rudolf
Klein-Rogge (Mabuse), se encarga de escribir la adaptación
cinematográfica, seguro que no imaginaron ni la una ni el otro el
carácter premonitorio que tendría en un par de décadas esta
historia de delirio de poder, de obsesión, manipulación y crimen.
El filme, dada su extensión, se rodó en dos partes, la primera,
titulada “Doctor Mabuse, el gran jugador (Dr. Mabuse der spieler)”
y la segunda “El infierno (Inferno)”. En el personaje de Mabuse
se refleja el clima de tensión de la época de la posguerra, el
protagonista es un hombres enigmático, de naturaleza despiadada,
que odia y desprecia a la humanidad, con poderes sobrenaturales para
la hipnosis y la manipulación psicológica de sus víctimas, lo
devora una ambición desmedida por dominar, someter, controlar y
eliminar los estorbos, pasando por encima y asesinando a quien oponga
resistencia, o a los que cataloga como demasiado insignificantes para
merecer la vida.
“El Dr. Mabuse” fue todo un éxito en su tiempo y marcó buena
parte de la carrera posterior de Fritz Lang. El film intenta reflejar
la decadencia de la República de Weimar, un mundo partido en dos,
donde convivían la opulencia de una aristocracia marchita, con sus
vicios, clubs nocturnos, la prostitución, las drogas, su infelicidad
existencial, con la pobreza más absoluta, provocando constantes
revueltas obreras, exponiendo un clima de tensión e incertidumbre,
sin referentes morales, un universo donde un gran criminal puede
sacar beneficio. Se critica la codicia del capitalismo, arremete
asimismo contra la soberbia y el engreimiento de las clases altas, de
una aristocracia débil, que tras su velo de lujo y bacanales
hedonistas se esconde una enorme nada, navegando sin rumbo por un mar
de frivolidad, quedando una clase pudiente distorsionada por la
corrupción moral y las más bajas pasiones. El guion es absorbente
de principio a fin y mantiene con mucha habilidad al público pegado
al asiento, inquietándolo poco a poco de manera magistral y
machacándolo al antojo del director con el maléfico y escurridizo
Doctor Mabuse, que hace y deshace según le viene en gana gracias a
la telepatía y la hipnosis que utiliza para manejar a las personas a
su antojo.
Deslumbrante clásico del cine mudo de uno de los directores más
grandes e influyentes de la historia, un film soberbio que es para
enmarcar en la historia del séptimo arte. Un gozoso espectáculo
donde un sano espíritu lúdico no está para nada reñido con el
respeto a la inteligencia y la sensibilidad del espectador, harían
bien los capos del cartel Marvel-Disney-Lucasfilm, etc, etc, etc. en
echarle un vistazo. Por cierto, el film tuvo su continuación, ya en
sonoro, con otra obra maestra del mismo director: "El testamento
del doctor Mabuse", entrados los años sesenta se intentó
retomar el éxito de esta malvada figura con "Los crímenes del
Dr. Mabuse", ya sin la dirección de Lang, nada pero que nada
que ver con sus hermanas mayores.
Cary Juant.
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Memorias de un Inquilino
20 de Mayo de 1947
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Memorias de un Inquilino.
“Memorias de un inquilino” es la primera película producida
en Japón tras la Segunda Guerra Mundial; en una época en la que la
radical censura aliada masacraba sin piedad cualquier intento que
mostrara la maldad de los vencedores, Ozu es capaz de convencer hasta
a los censores con su ternura, su dolor y su apagado canto. El Japón
inmediato a la posguerra era un país devastado que estaba luchando
por reconstruirse, tal y como documentan innumerables obras de ese
periodo como las películas que realizó en esos años Akira Kurosawa
o la magnífica “Los Niños del Paraíso” (1948) de Hiroshi
Shimizu, el filme que nos ocupa de Ozu aspiraba como muchas de esas
otras obras a mostrar el duro día a día de los japoneses de clase
obrera en ese difícil contexto.
Una película con un mensaje absolutamente universal, conmovedora,
con los planos clásicos del Ozu más reconocible y sobre todo con la
capacidad de turbar el alma del espectador. Contiene una sinceridad
que llega hasta lo más hondo del alma, desde la sencillez de Ozu,
con sus silencios, sus planos largos, capta todo cuanto sucede en el
interior y en el exterior de sus personajes, sobre todo dentro de esa
mujer que se aparta de su soledad gracias a la irrupción del niño
extraviado. No es de las más conocidas, está muy lejos de ser la
más nombrada de su filmografía, lejos de sus últimas películas en
color de su última etapa. pero sin duda es una gran película.
Entrañable, emotiva, reflexiva, maravillosa. Una película difícil de olvidar.
Cary Juant.
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La Araña
25 de Mayo de 1947
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de La Araña.
“La araña” (extraña traducción
del título original, “The Web”, para reír y llorar al mismo
tiempo) es una de esas estupendas películas de cine negro que se
realizaron en los años 40, protagonizadas por detectives privados,
hombres ricos que los contratan, hermosas mujeres que los aman y la
policía que invariablemente obstaculiza sus esfuerzos para
desentrañar las pistas de intrincados misterios. Un buen y sólido
film noir de los años dorados del género, una muy atractiva
producción de la Universal International que nos revela la buena
forma fílmica que ofreció el norteamericano Michael Gordon en el
primer tramo de su carrera, aquel que finalizó de forma brusca tras
ser incluido en las listas negras del macartismo.
El guion de William Powers y Bertram
Millhauser, basado en una historia de Harry Kurnitz, resulta efectivo
lo miremos por donde lo miremos y goza además de unos diálogos
excelentes, donde cada palabra está hecha para significar algo, para
despertar inquietudes o para permitirnos comprender lo necesario,
cada personaje resulta brillantemente caracterizado, y nuestra
conexión con la historia, se consigue desde el primer minuto. Con
todos estos mimbres y la aportación de una fotografía en blanco y
negro de Irving Glassberg en la que sus claroscuros aparecen
revestidos de una extraña sofisticación, Michael Gordon demuestra
su destreza a la hora de moverse por ambientes y situaciones
dominadas por la ambivalencia e incluso lo siniestro, permitiéndonos
disfrutar de un fantástico thriller tan escasamente
conocido como digno de ser reseñado, revelador de los buenos modos
que en aquellos tiempos caracterizaron a su realizador, una de tantas
víctimas de aquel periodo tan convulso para la vida norteamericana.
Resulta indudable reconocer que el eje vector sobre el que pivota la película reside en la fascinante composición que Vincent Price realiza de ese magnate empresarial de turbios orígenes al que interpreta, a través de su elegancia, sus refinados modales, o la afilada ironía de sus diálogos, la película adquiere una vertiente turbia de enorme calado, destacando su realizador algunos de sus momentos o decisiones más inquietantes sobre fondos negros de amenazadora composición, con todos estos elementos, la película adquiere esa casi irrespirable atmósfera de negrura, al servicio de la mente de este fascinante criminal.
Además de la composición de
Price, resulta magnífica la utilización de un Edmond O’Brian que
sabe mostrar en su registro la complejidad de una personalidad
dividida entre los principios morales que siempre ha seguido, y la
aceptación de la tentación que acepta del personaje de Price, y
junto a este, deviene, incluso sorprendente, la composición del
excelente William Bendix, en esta ocasión abandonando sus roles de
matón, para encarnar a un agente de la ley, el teniente Damico,
dotando al mismo una considerable dosis de socarronería. Unamos a
ello la belleza y elegancia de Ella Raines, una de las mejores y más
infrautilizadas actrices de los años 40 que no tuvo la suerte que
merecía por su talento, y la ambigüedad que proporciona John Abbott
a su rol de fiel y sumiso hombre de confianza del empresario, y
tendremos los ingredientes indispensables para un muy sabroso
estofado.
Guion muy bien elaborado, diálogos inteligentes, interpretaciones portentosas, ritmo prodigioso y un final de esos que incluso hace mejor todo lo que queda detrás, que más queréis… en una palabra, un verbo, una película para gozar. Si el cine es una maravilla es por cosas como poder descubrir películas como ésta, una pequeña joya casi olvidada.
Cary Juant.
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Paula
25 de Mayo de 1947
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Paula.
Recién salido de “Gilda”, Glenn
Ford se embarcó en otro noir, esta vez a las órdenes de Richard
Wallace, aquí vuelve a enfrentarse a una hermosa mujer que tratará
de utilizarlo en su beneficio, una rubia bella, seductora, cerebral y
calculadora. Hay un asesinato de por medio, el encubrimiento del
mismo, el chantaje por parte de la “Femme Fatale” y la posterior
investigación policial; y claro, hablando de “Femmes Fatales”, a
todos se nos viene a la mente otros irresistibles y peligrosos iconos
del cine negro que conducían a la perdición a los cándidos e
incautos hombres y sin las cuales este género no sería lo mismo:
Barbara Stanwick en “Perdición”, Joan Bennett en “Perversidad”,
Rita Hayworth en la citada previamente “Gilda”, Yvonne de Carlo
en “El abrazo de la muerte”, Gloria Grahame en “Deseos
humanos”, o esa cautivadora Marie Windsor en películas como “La
fuerza del destino”, “Testigo accidental” y “Atraco
perfecto”. Centrándonos en la “Femme Fatale” que hoy nos
ocupa, Janis Carter, tuvo filmografía en gran medida mediocre en la
década de 1940, pero se merecía (como muchas de sus compañeras de
esta época) mejores papeles y una mayor exposición, como la
intrigante Paula Craig, personifica a la perfección al prototipo de
rubia sumamente peligrosa, ella es la araña en cuya tela se desliza
Glenn Ford, un ingeniero de minas sin trabajo con un pequeño
problema con el alcohol que está buscando su destino.
Escrita por Ben Maddow y basada en
una historia de John Patrick, la trama podría ser el hermano pobre
de “Perdición”, ya lo hemos visto muchas veces, el “pringadillo”
de turno que queda atrapado en las curvas y volúmenes de una
señorita de buen ver que lo arrastra a la perdición, no hay, pues,
nada nuevo bajo el sol, pero está contado con solvencia, excelente
fotografía en B/N cortesía del mago Burnett Guffey y un eficaz
plantel de actores, que se disparan diálogos que, más que diálogos,
parecen fogonazos a quemarropa, sin casi tomar aire para respirar. El
principal responsable de este film no es tanto el director Wallace,
sino más bien el guionista, el mencionado Ben Maddow, que fue
responsable de varios clásicos como “Mientras la ciudad duerme”
y que se vio obligado a trabajar con testaferros o seudónimos
durante la caza de brujas anticomunista.
Otra agradable sorpresa dentro del subgénero de películas con mujeres fatales como telón de fondo, otra muestra más del cine negro de antes, con unas buenas dosis de intriga y un estupendo giro que, además, no se ha debido a ningún “volantazo” en una curva peligrosa. Una muestra más de un cine que ya no se hace, otra buena muestra de Cine Negro, y van… Es sin duda inferior a referentes evidentes como “El cartero siempre llama dos veces” o “Perdición”, por citar alguna de las obras maestras del género, pero pienso que merece muy mucho la pena su visionado.
Cary Juant.
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El Fantasma y la Señora Muir
25 de Mayo de 1947
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de El Fantasma y la Señora Muir.
“El
fantasma y la Señora Muir” se inscribe dentro de esa corriente satírica
del género de fantasmas gracias, entre otras cosas, al estupendo guion
escrito por Philip Dunne, que permite a Mankiewicz adentrarse con sutil
humor en el ambiguo territorio entre la realidad y la fantasía, entre la
vida y la muerte, sin decantarse por un lado de la balanza, en una
película en la que el mar es el único y eterno testigo de esta original
historia de amor, un mar que fue memorablemente captado por la excelente
fotografía que le valió al brillante Charles Lang una nominación al
Oscar en 1948.
Una
película extraña en la obra de Mankiewicz, en la medida en que la
presencia de un fantasma pone en cuestión todos los fundamentos
racionalistas del universo del cineasta y, sin embargo, quizás por el
siempre imprescindible Rex Harrison, ese memorable fantasma enamorado,
hace posible lo que en manos de otro cineasta menos dotado hubiera sido
una parodia bastante inconsistente.
Las
actuaciones son soberbias, incluidas las de los secundarios: Rex
Harrison, ese marinero fantasma, que habla y ríe como un viejo lobo de
mar, pero también recita a Yeats; Gene Tierney, una de las actrices más
bellas que el cine ha tenido jamás, y que consigue con su exquisita y
deliciosa interpretación que también nosotros nos enamoremos de ella.
Estos dos personajes representan dos sentidos de la palabra “romántico”
(él, aventurero; ella, sentimental). El personaje de Sanders está al
margen de lo anterior; él viene del bullicio moderno de la vida urbana
para perturbar la tranquila vida rural junto al mar. Sanders interpreta a
un cínico escritor de cuentos infantiles, en un papel que guarda cierta
similitud al de “El retrato de Dorian Gray”. Como curiosidad una
jovencísima Natalie Wood da vida a la hija de Gene Tierney, en la que
fue una de sus primeras apariciones en pantalla.
“El fantasma y la Señora Muir” es sin duda una de las cumbres del género fantástico, aunque no podríamos adscribirla a un único género cinematográfico porque, y este es uno de los logros de su director, la película navega entre la comedia sofisticada, el misterio y el melodrama romántico. Una auténtica joya de película. Maravillosa.
Cary Juant.
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Frenesí
25 de Mayo de 1972
Celebra con nosotros el 50 aniversario
del estreno de Frenesí.
Penúltimo film de Hitchcock escrito de forma magnífica por Anthony Shaffer ("La huella", Mankievicz, 1972), se basa en una novela del inglés Arthur La Bern publicada en el año 1966, “Goodbye Piccadilly, Farewell Leicester Square”, en la que cuenta la historia de un veterano de guerra llamado Richard Blamey que se convierte en un asesino en serie. El rodaje del film supuso el reencuentro de Hitchcock con sus paisajes más queridos y con sus lugares de infancia y juventud, de modo muy especial con el Covent Garden, donde su padre regentó un negocio. La película se rueda en Inglaterra, en exteriores del Covent Garden, Oxford Street, Puente de Londres... y en los platós de los Pinewood Studios.
Es una historia de sadismo sexual combinada con una refinada
ironía inglesa, es el puro cinismo en toda regla, te hace sentir un
escalofrío a la misma vez que sueltas una carcajada. Un seductor, un
tal Bob Rusk, que estrangula a sus inocentes víctimas femeninas con
una corbata como principal sello de marca de sus propios crímenes,
un criminal elegante y de suaves maneras que comete sus asesinatos
con toda la perfección posible, un tipo al que le pone estrangular a
las rubias (tal vez como al mismo Hitch), un psicópata cruel,
frutero, listo y... amigo de las corbatas. Tiene momentos de horror y
también de comicidad tan absurda como inteligente, el relato se
desarrolla a un ritmo intenso y sostenido, combina escenas explícitas
de violencia con notables elipsis, la tradicional elegancia del
realizador da paso en esta ocasión al uso no infrecuente de imágenes
inquietantes e incluso sucias, con numerosas situaciones de un humor
negro, incluso macabro.
Se dan cita en esta película la mayor parte de las obsesiones de
Hitchcock, la figura del falso culpable, el humor/cinismo, sexualidad
enfermiza y un cierto sadismo, que no duda en recalcar al planificar
los asesinatos. Contando con un conjunto de intérpretes no
especialmente famosos consigue integrarlos lenta y progresivamente en
un guion tan sutil como efectivo, los personajes, extraordinariamente
definidos, ayudan con su eficaz interpretación a que la historia
desemboque en ese final con epílogo, al que la trama los dirige,
transitan con impecable destreza por todos los vericuetos que todos
ellos van asumiendo a nivel individual y acaban entrelazándose para
influir inconscientemente en el trágico destino de los otros.
Hitchcock encuadra, planifica y redondea en el montaje todas las
escenas con la misma efectividad y resolución, desde un cruel
asesinato hasta las geniales y divertidas escenas del inspector que
investiga el caso con su propia esposa que se cree una excelente
cocinera y le sirve todo tipo de porquerías de cocina francesa, a
cada cual más pésima de gusto.
Guion perfecto al que no le falta y no sobra ninguna secuencia,
magnifica puesta en escena, ocultando y dando la información cuando
es preciso, estupenda realización, un excepcional malo, humor negro
exquisito, manejo de la cámara excepcional… qué más queréis.
Una gran película que ha ido creciendo con los años y que
merecidamente hay que contarla como una más de las grandes obras que
podemos encontrar dentro de la filmografía de Hitchcock, y van...
Cary Juant.
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De Ilusión También Se Vive
4 de Junio de 1947
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de De Ilusión También Se Vive.
“De
ilusión también se vive” (Miracle on 34th Street) fue una película
dirigida por George Seaton un cineasta que tuvo sus inicios como actor
de radio, fundamentalmente con su intervención en la serie “El Llanero
Solitario”, después pasó a escribir guiones para cine en la década de
los 30, en su mayoría comedias románticas, el primero que le fue
acreditado fue el de los hermanos Marx “Un día en las carreras” (1937).
“De ilusión también se vive” fue su cuarta película como director, el
guion lo escribió el propio director y estaba basado en una historia
creada por Valentine Davies. Como curiosidad, señalar que aunque se
desarrolla en la época de Navidad, el jefe del estudio Darryl F. Zanuck
insistió en que se estrenara en mayo, argumentando que más personas van
al cine durante el verano, el estudio promocionó el film manteniendo en
secreto el tema central de la Navidad, la “Legión Católica de la
Decencia” dio a la película una "B", "moralmente objetable en parte" de
calificación, principalmente debido al hecho que el personaje
protagonista Doris Walker es una divorciada. Ha habido cuatro remakes
del film, tres para televisión (1955, 1959 y 1973) y una para el cine
(1994), todas ellas totalmente prescindibles.
Magnífica película de Seaton llena de aciertos, notable guion, notable dirección, grandes interpretaciones de todo el reparto sobresaliendo un inmenso Edmund Gwenn tan asombroso como cautivador, está maravilloso, desprende cariño, empatía, sentimientos... absolutamente entrañable, pero, sin duda, el mayor de los aciertos del film es rebajar el tono sensiblero mediante el humor, en esto tienen mucho que ver unos espléndidos secundarios liderados por un genial Gene Lockhart. Un producto familiar lleno de buenas intenciones, rebosante de deliciosa inocencia e ingenuidad, una oda al espíritu infantil, ese que nos hacía creer en lo que no veíamos, ese que nos hacía soñar con la Nochebuena y sus regalos, ese que nos hacía dar lo mejor de nosotros en pos de nuestros semejantes. Una historia sencilla, sin ambigüedades, con humor blanco, destilando sentimientos puros de afecto, cariño, ternura; una película muy agradable de ver que seguro te dejará un muy buen regusto en la memoria. Ganó el Oscar a la mejor historia original (de Valentine Davies), al guion original (de George Seaton), y al mejor actor secundario (Edmund Gwenn), estuvo nominada a mejor film, perdiendo frente a “La Barrera Invisible” de Elia Kazan.
Una
fábula moral al más puro estilo Capra, que nos recuerda lo
deshumanizados que estamos, la mezquindad que nos invade, siempre
agobiados por la competitividad, el interés material y el poco tiempo
que dedicamos a ser felices y hacer feliz a los demás. Un entretenido y
divertido clásico en blanco y negro, ingenuo, sí, pero de una ingenuidad
agradable, llevadera y, por qué no, encantadora. Seguramente Hollywood
seguirá sacando infinitas copias, “recopias” y “recontracopias” de la
buena idea que esta película supo capitalizar, cerremos los ojos a ellas
para no odiar al original... que, por cierto, no merece los silbidos,
pitos, pitidos y demás demostraciones ruidosas con que sí merecen ser
castigadas sus burdas imitaciones.
Cary Juant.
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Una Mujer en la Playa
7 de Junio de 1947
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Una Mujer en la Playa.
El
maestro Jean Renoir llevaba casi siete años en terreno estadounidense
tras huir de su Francia natal al alzarse el poder nacionalsocialista,
cuando bajo los auspicios de la RKO rueda el quinto y último film de su
etapa americana, el guion, de Frank Davis y el propio Renoir, se basa en
la novela "None So Blind" (1944), de Mitchell Wilson, según adaptación
de Michael Hogan. Rodada justo en los inicios de la posguerra, Renoir se
aproxima a la problemática cotidiana de quienes habían regresado del
frente completamente marcados, aunque esos traumas no se manifestasen a
simple vista, y Robert Ryan, auténtico imán sobre el que recaen todas
las emociones contenidas en el guion, encarna a esa generación de
hombres señalados por su participación en el combate y asustados ante un
futuro y una sociedad no siempre dispuestos a reconocer y premiar sus
sacrificios, sin embargo, eso no significa que la película contenga una
fuerte carga social, más bien funciona como contrapunto a una mirada
comprensiva y llena de ternura hacia esos seres que aspiran encontrar en
el amor furtivo la paz que el mundo y sus propios destinos parecen
empeñados en negarles.
Con
una economía de medios patente, pero con una dirección de actores
excelente, Renoir consigue una película muy personal, en la que la
tensión se palpa en cada momento, las rencillas del pasado, el
sentimiento de culpa, el anhelo por liberarse, los celos, y por
supuesto, el amor (o casi habría que decir pasión y deseo) confluyen en
esta fantástica historia que tiene influencias del cine psicológico que
estaba de moda en la época, pero también guarda relación con alguna de
las premisas del cine negro, como el triangulo amoroso que nos propone, o
la prototípica femme fatale, una espléndida e inigualable Joan Bennet,
una bella mujer indecisa, seductora y manipuladora. Ocupan también su
lugar los apetitos, el deseo, la pasión, el egoísmo y las profundas
frustraciones personales, el ambiente que envuelve la acción destila
erotismo, irrealidad, misterio… La iluminación y la fotografía son
excelentes, dando relevancia a la importancia que en la película tiene
lo visual, la aparición constante y como protagonista de la lluvia, el
viento, las olas, el fuego…no hacen más que acentuar la intención final
de la obra, que no es otra que la de abrumar al espectador con sus
imágenes y tenerlo bajo el dominio de su tremenda fuerza hipnótica.
Genial
film en el que todos y cada uno de los protagonistas firman notables
interpretaciones, con un papel memorable de Charles Bickford haciendo de
ciego, capaz de ser insufriblemente retorcido, sin cansarse de tirar
dardos envenenados, o muy tierno; mientras un fantástico Robert Ryan
actúa con una mezcla de cobardía y fuerza descomunal, toda una rareza
ver a Ryan interpretar a un tipo endeble, lleno de miedos, pesadillas y
marcado por un accidente naval que sufrió durante la guerra, alejado
pues de esos clásicos personajes suyos y que le hicieron enorme. Pero no
tengo más remedio que poner aparte a Peggy Butler (Joan Bennett),
posiblemente la femme fatale más utópica y bipolar jamas creada,
mostrándonos la maldad que habita en su interior, cerca de su bondad,
pareciéndonos todos sus actos lógicos y meditados, sin dejar de ser
actos espontáneos y tomados a la ligera.
Fue una película muy machacada y cortada por la censura, pero aún así no perdió esa magnitud erótica que transmite, posiblemente esta no fue la primera versión que quería Renoir, pero en cualquier caso quedó fascinante, hay algo trágicamente bello e inexplicable en este film mutilado por políticas de estudio, es semejante a una bellísima escultura griega que ha sido deteriorada, a la que se le ha privado de algún fragmento, pero este hecho, lejos de disminuir su belleza, la resalta resultando su maltrecha figura inquietantemente bella, tan bella y evocadora como lo son los restos del naufragio que yacen en la playa del filme aquí comentado... Recomendable es poco.
Cary Juant.
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Nanuk, el Esquimal
11 de Junio de 1922
Celebra con nosotros el centenario
del estreno de Nanuk, el Esquimal.
Este
largometraje supuso el nacimiento del documental propiamente dicho,
obviamente el cine mismo nació de la documentación de la realidad cuando
los Lumiere plantaron su cámara frente a su fábrica en “Salida de los
obreros de la fábrica Lumière” (1895), pero solo con la película de
Flaherty se integra a la mirada documental el elemento narrativo, la
impronta de un deseo estético y la maquinaria de la emoción de las
pasiones, solo con Nanuk el registro de la imagen en movimiento se
convierte en arte, es precisamente por eso que allí tiene nacimiento el
documental como lo entendemos hoy día. Flaherty se pasó dos años en la
región de Ungava, en el norte de Canadá, filmando con su reducido equipo
a Nanuk el esquimal (alias el Oso) y su lucha por la supervivencia
habiendo de cargar siempre con su familia en busca de alimento y
refugio, el director de Michigan ya conocía a Nanuk de sus viajes
anteriores (donde había rodado una primera versión amateur que acabaría
siendo pasto de las llamas), además, en esta ocasión se había llevado
todo el material necesario para revelar las filmaciones diarias y
proyectárselas a los esquimales en medio de los glaciares, hecho que
provocó una implicación total por parte de los nativos, que nunca habían
visto un artefacto de este tipo.
El
film fue desde su origen un gran espectáculo con el poder de quitar el
aliento a través de su mirada de un naturalismo sangrante, lo fue cuando
se estrenó en los años veinte y lo sigue siendo ahora que continúa
vigente e impresionante al llevarnos como espectadores a un mundo
mágicamente cruel y aterradoramente desconocido. Lo que Flaherty
pretende, no es mostrar un simple documental frío y desangelado, no
quiere convertirse en cronista de lo exótico, lo que pretende es entrar
en las entrañas de un pueblo, de una cultura, de un “modus vivendi”, y
comprende perfectamente que para ello debe entrar en la vida de uno de
sus miembros, porque no hay nada como la intimidad para favorecer la
comprensión y, por tanto, la identificación con algo que nos resulta, a
priori, tan lejano como extraño. En el documental escasea la épica
propiamente dicha, todo lo dulzón que puedan parecer las relaciones
familiares desaparece en cuanto Flaherty decide mostrar las duras
condiciones de Nanuk, una vida que es una lucha constante contra unos
elementos naturales que ofrecen la mayor hostilidad posible, a pesar de
ello siempre hay un momento para rebajar la tensión y dejar que un
sentido del humor tierno inunde la pantalla.
Toda una oda al coraje, a la fuerza y la pureza de una familia haciendo frente a la más hostil de las naturalezas que los trata con abrumadora dureza e impiedad, un ejemplo de cine magistralmente ecologista, un canto a la épica del ser humano, en absoluto panfletario o gratuito, del todo necesario, y un puñetazo en los morros de tanto capitalista arrasador e inhumano de los bienes naturales en beneficio propio que, hoy en pleno siglo XXI, ha ganado fieramente en vigencia, verdad y necesidad. Toda una lección de vida, un documental imprescindible, una auténtica joya.
Cary Juant.
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El Candidato
29 de Junio de 1972
Celebra con nosotros el 50 aniversario
del estreno de El Candidato.
Aunque
el nombre de Michael Ritchie no suele asociarse a la denominada
generación de la televisión, concepto en el que se encuadra a la serie
de realizadores que procedentes del mundo de la pequeña pantalla dieron
el salto al cine (Lumet, Penn, Frankenheimer...), su perfil coincide con
ese retrato generacional, durante los primeros 15 años su carrera se
desenvuelve en el medio televisivo, trabajando en episodios de
diferentes series, hasta que en 1969 accede a la dirección de su primer
largometraje para el cine, “El descenso de la muerte”, que supone su
encuentro con Robert Redford, curiosamente Ritchie terminaría su carrera
en el mundo de la televisión, lugar en el que se refugió cuando su
carrera languidecía tras una serie de títulos anodinos para la gran
pantalla. Tras esa primera oportunidad con “El descenso de la muerte”,
la relación con Robert Redford se prolongaría en su siguiente
proyecto,”El candidato” (The candidate), parece ser que Redford se
decidió a producir una película sobre el proceso electoral mientras
observaba las convenciones políticas de 1968 y cómo las campañas se
habían convertido en un circo, en un desfile televisivo y social para
recaudar fondos, en un show programado, agresivo, rozando la estupidez a
veces e incluso mezquino en su forma, pero anodino y carente de
profundidad en su fondo. Para ello, Redford como productor echó mano del
guionista Jeremy Larner, un redactor de los discursos de Eugene
McCarthy en su candidatura presidencial de 1968, Larner, que había
acabado desilusionado por la campaña y había escrito un libro sobre
ello, Nobody Knows (Nadie lo sabe), consiguió plasmar convincentemente
los entresijos y las tinieblas del entramado de negociaciones y
concesiones que conlleva una campaña electoral a la hora de colocar en
el sillón al candidato, Larner ganaría el Óscar al mejor guion.
La
película muestra una inconfundible estética de su década —tanto en la
caracterización de los actores, como en el tipo de luz y de montaje—,
aunque en este caso, esto no constituye ninguna rémora, ya que el
estilo, muy fragmentado y parecido al del reportaje, se adecúa
perfectamente a la historia. Se trata de una aguda crítica social
magníficamente compuesta, su puesta en escena, ágil y directa,
atropellada incluso en imágenes cuando es necesario, casi fea en
ocasiones, inflexible, la convierte en una mirada cruda y realista,
comprometida e inquietante, deudora o hermana del gran documental, del
que bebe tanto en lo conceptual como en lo físico, aportando secuencias
en 16 mm o la improvisada cámara en mano.
Sin
duda uno de los aspectos más destacados —incluso los miembros de la
Academia se dieron cuenta— es el guion que, con muy breves y certeros
trazos, nos informa de las estrategias de campaña, de la relación del
protagonista con su mujer, su padre, sus colaboradores, sus antiguos
colegas… Redford realiza aquí una de sus mejores interpretaciones, y el
hecho de que se encuentre en el cenit de su belleza física beneficia a
la película, ya que también nos habla del poder de la imagen en la
política, le acompaña el siempre perfecto Peter Boyle (el inolvidable
monstruo de "El jovencito Frankenstein") que, en su papel caricaturesco
de jefe de campaña es el tipo que mueve todos los hilos. También
aparecen en este magnífico reparto Melvyn Douglas, Don Porter, Allen
Garfield, Karen Carlson... e incluso Natalie Wood en un pequeño papel.
Una estupenda película, toda una mordaz sátira política, que hoy, en esta etapa de la historia donde la imagen y la primera impresión lo son todo, suena tan actual como lo fue durante su estreno en los años setenta, porque la política moderna se reduce a eso: eslóganes simplones, colorines, luces, gestos... es puro espectáculo, simple marketing, las ideas vienen después, si es que vienen porque lo más normal es que ni haya ideas, hay más improvisación que planificación. Lo ideal sería que primase ante todo, el programa, es decir el proyecto, el planteamiento de soluciones a los conflictos y problemas sociales de toda índole, que es lo que importa, pero por desgracia lo ideal raramente se plasma en la realidad.
Cary Juant.
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Un Domingo Maravilloso
1 de Julio de 1947
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Un Domingo Maravilloso.
Después
de la derrota de Japón en la Segunda Guerra Mundial, este país, y sus
estudios cinematográficos, trataron de seguir adelante con su vida tal
como habían hecho siempre sus gentes, aunque, por supuesto, había
grandes diferencias, el nacionalismo exacerbado había dado paso a una
nación asolada y empobrecida, inquieta por su futuro. Por lo que
respecta a la industria del cine, esta siguió rodando películas, aunque
en un número mucho menor y con peores medios, si durante la guerra los
cineastas nipones habían tenido que lidiar con la censura militar
imperial, ahora aquellos mismos cineastas debían someter sus guiones a
la censura del Gobierno de Ocupación, y a las presiones de unos pujantes
sindicatos (controlados por los comunistas) que se hicieron con el
control de los estudios cinematográficos, de hecho el primer film que
rodó Akira Kurosawa tras la guerra fue “Los que hacen el mañana”, una
película de corte sindical que el director fue obligado a producir junto
a los realizadores Kajiro Yamamoto e Hideo Sekigawa, Kurosawa siempre
renegaría de ese film, y durante el resto de su vida trató de aparentar
que esa película no existía. Tras escribir el guion para una película en
la que debutaría un tal Toshiro Mifune, palabras mayores, Kurosawa se
juntó junto a un amigo de infancia, Keinosuke Uekusa, para elaborar un
nuevo guion que relataría una historia sencilla, alejada de cualquier
tono político, no sería descabellado, pues, considerar “Un domingo
maravilloso” como su verdadera primera obra de autor.
Movimiento
capital en el devenir del séptimo arte, el Neorrealismo italiano nacía
de entre las ruinas de la Segunda Guerra Mundial, la relevancia y la
influencia de esta corriente cinematográfica se hacía notar en lugares y
cinematografías alejadas de esa Italia derruida pero con una situación
muy similar, es el caso del Japón de posguerra, Shimizu, Ozu, Yoshimura o
Mizoguchi (enamorado de la obra de Rossellini) abrazan dicha corriente
para mostrar con severa desnudez la realidad de su sociedad; "Memorias
de un Inquilino", "Mujeres de la Noche", "El Baile en la Casa Anjo" o
"Los Niños de la Colmena” serán ejemplos de ello. Como ya comentamos
anteriormente un joven Kurosawa trabaja con el dramaturgo y amigo de la
infancia Keinosuke Uekusa para una producción de Toho que se ha de rodar
en escenarios naturales por la precariedad económica, añadiendo a ello
su filmación "clandestina" a modo de documental por las calles de
Shinjuku, estos detalles acercan a la esencia neorrealista más pura la
pequeña e íntima pero no por ello menos universal epopeya de "Un Domingo
Maravilloso", Kurosawa radiografía su sociedad sin perder un ápice de
lucidez ni de marcada amargura, muestra las calles como son y la gente
como es, rodeada de miseria, pobreza, corrupción y edificios en ruinas,
es la tierra de los desamparados y derrotados, es un mundo de sombras y
lluvia incesante, de violencia e injusticia, de desgraciados que
únicamente en el delito encuentran una forma de sobrevivir a la ruina,
no obstante Kurosawa, como en la mayoría de sus films, prefiere abogar
por la esperanza y concederle algunos instantes mágicos a los
protagonistas.
Entrañable trabajo del maestro Kurosawa, una hermosa historia de amor que posee destellos del gran Kurosawa, sobre todo en su ritmo y dinamismo. Los actores bordan sus papeles, Isao Numasaki y Chieko Nakakita traspasan la pantalla con su química, transmitiendo por momentos desesperanza y en otros son unos soñadores que creen en el futuro. Uno de los títulos menores de Kurosawa, que en otro director sería, sin duda, una de sus grandes obras.
Cary Juant.
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Fuerza Bruta
8 de Julio de 1947
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Fuerza Bruta.
Octavo
largometraje de Jules Dassin producido por el independiente Mark
Hellinger para la Universal, un impresionante film carcelario
protagonizado por Burt Lancaster que parte de una historia de Robert
Patterson, convertida a guion por el gran Richard Brooks y que se puede
considerar como el punto de partida para la que seguramente sea la
primera obra maestra del cine penitenciario. La película sirve de guía a
otras, es precursora y marca el camino a las que vendrán posteriormente
para convertir el subgénero carcelario en imprescindible, con películas
como ”La evasión” esa otra absoluta obra maestra de Jacques Becker que
constituye el inesperado testamento de uno de los más grandes
realizadores de la cinematografía gala. Estos muros tampoco son muy
diferentes a otros que en el futuro albergarán historias similares, aquí
ya vemos cómo los reclusos son sometidos a una disciplina que traspasa
con creces todos los límites por parte de los en teoría encargados de
custodiarles, como veremos más tarde en “Brubaker”, por ejemplo. Al
igual que en la icónica “Fuga de Alcatraz” los deseos de libertad de los
prisioneros chocan de frente con las ansías de poder que exhiben sus
carceleros, lo mismo sucede en la infravalorada “Homicidio en primer
grado”, en la que el principio de acción-reacción rige las tensas
relaciones entre cautivos y funcionarios. Hay también un par de detalles
que no se deberían pasar por alto, como ese tablero de ajedrez que
preside la celda y que sólo unos años más tarde volverá a aparecer en el
“Stalag 17”, el barracón ideado por el maestro Wilder, o el cartel en
la pared de esa mujer que sirve de musa y de mucho más como sucederá
bastante después en “Cadena perpetua”.
Jules
Dassin nos da una lección en la realización, creando un film de cine
negro entre rejas, alcanzando una atmósfera opresiva que se desliza en
un “in crescendo” hasta el apoteósico tramo final. El guion es
maravilloso, con una descripción detallada de cada personaje,
conoceremos los motivos personales por los cuales cumplen condena en
dicha prisión con el continuo uso de “flashbacks”, con una portentosa
fotografía en glorioso blanco y negro a cargo de William H. Daniels que
le da a la película un tono gótico, cercano al expresionismo alemán,
abusando del negro para los momentos más dramáticos y tensos,
sencillamente magistral. Las interpretaciones son soberbias, destacando
por encima de todos Burt Lancaster y Hume Cronyn, jefe de guardias de la
prisión y encargado de hacerles la vida imposible a los presos; Burt
Lancaster nos regala uno de sus mejores trabajos, y mira que ha hecho
bastantes, creando al carismático preso Joe Collins, con un lenguaje
corporal colosal, un antihéroe al que muchos no dudan en seguir y que
tiene su zenit en el tramo final con un despliegue físico brutal.
Una película que sin duda merece figurar en el “Olimpo” del género, una obra maestra de Jules Dassin que años más tarde nos legó "Rififí" para demostrarnos su absoluta maestría como creador de situaciones tensas y contenidas que explotan en el momento oportuno. Mi recomendación más entusiasta para invertir poco más de hora y media en una cinta que seguramente os impresionará y tardaréis en olvidar. ¡¡¡Gran trabajo, señor Dassin!!!
Cary Juant.
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Encrucijada de Odios
22 de Julio de 1947
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Encrucijada de Odios.
Película
producida por la RKO, sin duda uno de los mejores filmes de Edward
Dmytryk, director que se manejó muy bien dentro del género negro en los
40 y que a lo largo de sus 32 películas abarcó casi todos los géneros,
además de hacerse famoso por ser uno de los diecinueve convocados que no
se presentaron a declarar en la famosa audiencia de la “Caza de Brujas”
de McCarthy. John Paxton, que ya había colaborado con el director en
películas como “Historia de un detective” (1944) o “Venganza” (1945) ,
adapta una novela que Richard Brooks escribió mientras era sargento en
el Cuerpo de Marines de los Estados Unidos haciendo películas de
entrenamiento en Quantico, Virginia y Camp Pendleton, California; en la
novela, la víctima era homosexual, el “Hollywood Hays Code” prohibió
cualquier mención a la homosexualidad porque se veía como una perversión
sexual, el tema de la homofobia del libro se cambió por uno sobre
racismo y antisemitismo.
La
historia destaca por un excelente dominio del elemento espacio/tiempo,
la acción transcurre en apenas un par de días, la noche en la que tiene
lugar el asesinato, la mañana siguiente y la madrugada del día
posterior, este corto periplo será suficiente para inmiscuirnos en un
relato de corte detectivesco, típico del cine negro no solo por el mero
hecho de desarrollar un caso policial, sino también por abordar temas de
carácter social relacionados con la realidad del momento en el que el
film se rodó. Aprovechando la coyuntura del reciente final de la 2ª
Guerra mundial se nos ofrece un fresco sobre la incapacidad de muchos
militares para reintegrarse en la vida civil así como el desprecio que
sentían por estos últimos, pero fundamentalmente se ofrece un tratado
contra la irracionalidad del odio y da un toque de atención contra el
antisemitismo antropológico y curiosamente paradójico que se da entre
los vencedores cuyos valores, al menos en teoría, deberían oponerse a
los del nazismo. Visualmente la cinta es portentosa, el fabuloso uso de
la iluminación (sombras, luces directas sobre los rostros, contrastes…),
junto con el sabio manejo de los planos (contrapicados, fotografía
turbia, primeros planos…), consigue crear un ambiente de sordidez e
inseguridad, clave para que el relato adquiera sobriedad.
Otra
de las virtudes de la película es el elenco protagonista, encabezado
por los tres “Roberts” y secundado por una de las grandes “femmes
fatales” de la historia del cine, la inconmensurable Gloria Grahame, que
se convierte en el "leit motiv" que desarrolla la trama, la Grahame fue
nominada al Oscar como actriz de reparto por su sensual papel de Ginny.
Young da vida a un policía cansado tras tantos años en el cuerpo, y
sobre todo por lo que ha visto en ellos, un hombre que sabe mucho más de
lo que aparenta y que no se dejará engañar fácilmente. Ryan es un
soldado hablador e inteligente, que oculta su inseguridad y sus temores
mediante el desprecio a todos los que considera “inferiores” a él, borda
otro de esos papeles a los que nos tenía tan acostumbrados, el de un
tipo encantadoramente desagradable lleno de complejidades psicológicas y
alteraciones mentales. Y finalmente, Mitchum, con su imagen
característica de estar un tanto de vuelta de todo, es el encargado de
mover los hilos en la sombra para resolver la investigación, y salvar
así a su amigo demostrando su inocencia.
Una pequeña obra maestra del cine negro y del thriller psicológico, social y político. Un asesinato, un detective, varios sospechosos, “femme fatale”, una esposa adorable... ¡Qué más queréis! Una pequeña joya para disfrutar.
Cary Juant.
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El Solterón y la Menor
24 de Julio de 1947
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de El Solterón y la Menor.
Estupenda
screwball comedy dirigida por Irving Reis, un artesano que había
empezado en el mundo de la radio donde innovó con su famoso “Taller de
teatro” en la CBS, allí patrocinó a un nuevo talento llamado Orson
Welles, años más tarde volvieron a coincidir ambos en la RKO, pero
mientras el nuevo genio dirigía las magistrales “Ciudadano Kane” o “El
cuarto mandamiento”, Reis se ocupaba de filmes de segunda categoría,
aunque bueno, Reis también cuenta con algunas buenas producciones entre
las que destaca la película que hoy nos ocupa, “El solterón y la menor”,
o “Todos eran mis hijos” (con Edward G. Robinson) y “Hechizo” (con
David Niven). La película fue un proyecto personal del productor Dore
Schary, un hombre que llevaba dieciséis años en el mundo del cine, desde
que empezara como guionista en el departamento de MGM, tras ganar un
Oscar por el guion de “Forja de hombres”, empezó a producir filmes de
bajo presupuesto que dieron pingües beneficios al estudio como “Bataan” y
“La cadena invisible”, pero sus continuas divergencias con Louis B.
Mayer lo llevaron fuera de los estudios, empezando una nueva etapa en
RKO, allí intentó reverdecer los éxitos de la productora que se había
refugiado en las cintas de serie B.
Memorable
el guion de Sidney Sheldon, quien consiguió el premio Oscar por este
trabajo, magistral, ofreciéndonos una comedia llena de inteligente humor
e hilarantes diálogos. De alguna manera, puede que nos suene haber
visto cientos de veces la misma historia y con los mismos trucos, pero
funciona, y lo hace por culpa de este inteligente guion con una
inventiva de excepción y un estupendo estudio de caracteres que sabe
hurgar en el interior de unos estereotipos que conocemos pero con los
que, quizá, nunca nos hemos encontrado. E incluso podríamos decir que la
película se molesta en darnos una pequeña lección sobre dónde se halla
el verdadero amor, ah, pero no os preocupéis, lo hace siempre con la
sonrisa puesta y con un ojo mirando hacia la verdad y el otro hacia el
escepticismo que siempre pone la edad, esa señora tan peligrosa y tan
llena de insidia. Y señoras, mucho cuidado, porque aquí tenemos una
muestra del poder masculino, y qué poder, cuando alguien con la sorna
dibujada en la cara se propone caer bien, agárrense bien al brazo del
sofá porque el tipo va a tirar con fuerza hacia la pantalla y puede que
las haga partícipes de las evoluciones de la galantería; de paso, y para
los señores, aprendan cómo se puede ser irresistible mientras se pierde
el ridículo entre salto y salto, para mí, es una de las mejores
terapias que se pueden recomendar para quien necesita un poco de alegría
entre tantas seriedades sobrevenidas.
La
película cuenta con un trío de actores formidable, encabezados por unos
siempre eficientes Cary Grant y Myrna Loy y por una jovencita y precoz
Shirley Temple, que por entonces ya contaba con 19 años. Los dos
personajes femeninos son muy diferentes entre sí, Myrna Loy, la jueza es
estirada, sobria, meticulosa, controlada, altiva... siempre elegante y
siempre distante; su hermana, Shirley Temple, es todo lo contrario, poco
más que una cría, con muñecas en su habitación, doseles, velas,
cortinas, pinturas románticas... está muy bien en su papel, aunque me
cuesta olvidarla como niña prodigio de otras películas del cine clásico
de las que guardo grato recuerdo. Cary Grant es un tipo despreocupado,
con encanto, algo descarado, pero sin abandonar un cierto aire inocente,
Cary Grant es uno de mis actores favoritos de la gran pantalla, y aquí
me parece que borda su papel, hasta en aquellas ocasiones en que, por
necesidades del guion, debe comportarse como un adolescente. Encantadora
también la interpretación de Ray Collins como tío de Mirna Loy empeñado
en hacer de Cupido entre los protagonistas.
Estupenda comedia de enredo que seguro te arrancará una sonrisa, una comedia que se ve con agrado y que cumple a la perfección su objetivo, entretener. No se puede esperar menos de una película donde Cary Grant no sólo se dedica a conquistar a jovencitas sino también a nosotros, pobres incautos, que asistimos, atónitos, a su belleza de ademanes y gestos, a su encanto envolvente, a su irónica mirada que siempre parece encaminarse a no tomarse a sí mismo demasiado en serio.
Cary Juant.
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Defensa
30 de Julio de 1972
Celebra con nosotros el 50 aniversario
del estreno de Defensa.
En
los años 70 se desarrolló por completo el concepto de “Nuevo
Hollywood”, películas que se apartaban del sistema de estudios de las
décadas anteriores y el glamour del Hollywood clásico, para buscar temas
más cercanos, duros y controvertidos que el simple entretenimiento,
sólo en medio de este contexto sociológico y cultural se puede entender
la importancia de “Defensa”, el hecho de que fuera uno de los mayores
éxitos de taquilla de 1972 y que al año siguiente recibiera tres
nominaciones al Oscar, en las categorías de mejor película, montaje y
dirección.
“Defensa”
(no me puedo imaginar quién sería el lumbrera al que se le ocurrió esta
traducción, “Deliverance” significa literalmente “Liberación”) es un
film magistral que confronta al hombre civilizado con la naturaleza en
estado salvaje, donde no sólo el río o la espesa zona selvática crea
desasosiego, sino también los habitantes igualmente silvestres de una
América profunda y endogámica, que atenaza a los personajes y al
espectador con acciones insólitas y despiadadas. Está magistralmente
dirigida por John Boorman, que sabe mantener el ritmo de la historia de
forma que no nos podamos despegar de la butaca; el guion es simplemente
espectacular, es obra de James Dickey y está basado en la novela
homónima del propio Dickey, “Deliverance”, escrita en 1970, la película
prácticamente reproduce la novela, en otro lenguaje, el audiovisual,
pero con las cargas de profundidad que han hecho de esta obra literaria y
de la película, sendos clásicos. Además de la excelente dirección de
Boorman y el fantástico guion de Dickey, hay que añadir que la música de
Eric Weissberg es sensacional y acompaña a los expedicionarios por los
tumultuosos parajes que transitan, aportando dramatismo al relato; la
fotografía de Vilmos Zsigmond es de antología, así como la puesta en
escena y el montaje. El reparto también es extraordinario, con un Jon
Voight en un papel memorable, plenamente convincente, que vive con
extrema audacia y a la vez angustia los acontecimientos, Burt Reynolds,
que siempre fue un actor muy cotizado pero mediocre, hace no obstante en
este film, el papel de su vida: resuelto, creíble, brillante.
El año de “El Padrino” y “Cabaret” Boorman se presentó con esta joya imperecedera, que sigue provocando sensaciones de ahogo por muchas veces que la veas, donde no sobra ni falta un solo plano. Una de las mejores películas de los años 70 que va a permanecer en nuestro recuerdo para siempre, ojo, disfrutar de esta película de noche, en silencio y sin interrupciones puede ser una de las experiencias mas desasosegantes que se pueden sufrir con el cine. Una maravilla que seguro nos revuelve en nuestro sofá, de matrícula de honor.
Cary Juant.
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El Beso de la Muerte
13 de Agosto de 1947
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de El Beso de la Muerte.
Los
años 40 son irrepetibles, los 50 también, ninguna de esas películas
volverá a hacerse jamás, se mejorarán, se remasterizarán y todos los
"an" que queráis, pero no será lo mismo, esas viejas películas están ahí
y aunque no son buenas todas las que están, si están todas las que son
buenas, y buena es sin duda "El beso de la muerte", más bien es muy
buena. Dirigida por Henry Hathaway y escrita por Ben Hecht y Charles
Lederer sobre una historia de Eleazar Lipsky, se inspiró en una historia
real del ex fiscal de distrito Lawrence Blaine, el relato fue comprado
por la 20th Century Fox como vehículo para el lucimiento de Victor
Mature, y este hace seguramente la mejor actuación de su carrera, pero
quien realmente se sale es un arrollador Richard Widmark en su debut
cinematográfico, componiendo uno de esos villanos que permanecerán para
siempre en nuestra memoria. Y aquí me detengo, me quito el sombrero,
hago una reverencia mosqueteril a los Richelieu de turno, y brindo mi
comentario a Richard Widmark, ¡va por usted, maestro!, porque su trabajo
no es solo bueno, es superior, y es tan superior que me recordó a aquel
Scarface (Paul Muni) de Hawks... haz el mal y no mires a quién, sin
remordimientos, como el que no quiere la cosa, con ese punto de locura
apenas perceptible por un brillo especial de las miradas, Widmark sale
pocos minutos en pantalla pero cuando sale se la come, su mirada y su
risa malévola de psicópata empedernido nos deja impactados, nos
inquieta, nos deja huella.
La
película nos engancha desde el principio con un inquietante suspense
que no requiere de aspavientos ni trucos para ser intenso, Hathaway no
deja que la historia pierda fuerza en ningún momento, dura lo que tiene
que durar y muestra lo que tiene que mostrar, cualquier director hubiera
caído en planos innecesarios, pero Hathaway va al grano, a lo que da
empaque a la historia, dirige todas las escenas con una fuerza
contenida, un pulso, una tensión y una sobriedad magistrales. El guion
de Ben Hetch y Charles Lederer (los mismos de la fantástica “Luna Nueva”
de Howard Hawks) es magnífico, aunque queda algo estropeado por esa
moralina ejemplarizante forzada por la manipuladora censura de la época.
La fotografía de Norbert Brodine está en la línea del mejor cine negro,
haciendo un gran uso de los claroscuros como es habitual en el género.
Otro
inolvidable clásico del genero, cine negro del bueno. Excelente
suspense (¡que largo se puede hacer un trayecto de ascensor!), la
fotografía... superior, pero Widmark es… ved la película y poned
vosotros el adjetivo. Una de esas películas clásicas para ver en el
silencio de la noche y simplemente disfrutar.
Cary Juant.
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La Senda Tenebrosa
5 de Septiembre de 1947
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de La Senda Tenebrosa.
Había
una vez un tiempo en que la receta para el éxito era tan simple como
tener una historia sólida, un director con personalidad al timón y unos
actores cumplidores, un tiempo en que el universo de las grandes
estrellas de Hollywood estaba conformado por maravillosos actores,
dotados de un carisma innato, difícil de encontrar en la actualidad, que
les hacía resultar creíbles en cualquier papel que cayese entre sus
manos, Humphrey Bogart fue uno de ellos, un tipo bajito y más bien
delgaducho, radicalmente alejado de la imagen de galán que triunfaba en
la época, que, sin embargo, protagonizó una de las historias de amor más
emblemáticas de todos los tiempos, la que vivieron Rick Blaine e Ilsa
Lund en “Casablanca”(Michael Curtiz, 1942), ahora bien, si Bogart estuvo
perfecto en su encarnación de héroe romántico en tiempos de guerra, no
cabe duda de que sus trabajos más recordados estarían enclavados dentro
del cine negro, en general, y en sus cuatro colaboraciones junto a la
actriz Lauren Bacall, en particular. La innegable fotogenia de la Bacall
llamó poderosamente la atención del director Howard Hawks, tanto fue
así que confió en ella para que coprotagonizara junto a Bogart, “Tener y
no tener” (1944), toda una obra maestra en la que la pareja derrochó
una química que traspasó la pantalla, aquello fue tan solo el comienzo
de la leyenda. Que el actor fuese 26 años mayor que la debutante actriz
no fue obstáculo para que acabaran enamorándose y pasando por el altar
un año después, formando uno de los matrimonios más unidos del mundillo
artístico, que duró hasta el fallecimiento de él en 1957. Bogart y
Bacall volverían a ser pareja cinematográfica en tres proyectos más, a
cual más inolvidable: “El sueño eterno” (Howard Hawks, 1946), “Cayo
Largo” (John Huston, 1948) y la película que hoy nos ocupa, "La senda
tenebrosa”, tal vez, la que goza de menos renombre, sin embargo, aunque
no llegara a alcanzar la categoría de absoluta obra maestra que sí
ostentan las otra tres cintas, hay que rendirse a la evidencia de que
nos hallamos ante un título realmente fascinante.
Jack
L. Warner contrató a Delmer Daves para llevar a cabo la adaptación de
“Dark Passage”, una novela de David Goodis, como vehículo para
lucimiento de la pareja del momento, Daves, un realizador que sería más
recordado por sus excelentes westerns –“Flecha rota” (1950), “El tren de
las 3:10” (1957) o “El árbol del ahorcado”(1959) son algunas de sus
mejores aportaciones– y que aquel año también filmaría otra
interesantísima historia de intriga como “La casa roja” , lejos de
plegarse a las exigencias de los productores, decidió tomar aquel
potente material y realizar una jugada tan suicida como la de no mostrar
el rostro de su estrella protagonista (Bogart) hasta una vez
transcurrida una hora de película, una licencia creativa, tan poco
explotada por aquel entonces, como la del empleo de la cámara subjetiva,
hace que el espectador viva los acontecimientos a través de los ojos de
su personaje Vincent Parry, con los diferentes personajes que
interactúan con él hablando directamente a cámara, también emplea la voz
en off de Bogart para hacernos partícipes de los pensamientos y miedos
de este hombre injustamente acusado de un asesinato, el de su esposa,
que no ha cometido, un héroe en la mejor tradición de los falsos
culpables de Hitchcock.
Llamativa, interesante, inteligente, misteriosa, elegante, sofisticada, enigmática, ingeniosa y rompedora producción de cine clásico, perfectamente engarzada como si de un mecanismo de relojería se tratase. La fotografía corre a cargo del notable Sidney Hickox ("Tener y no tener", "Al rojo vivo"), Hickox convence realizando un esplendido trabajo de captación de exteriores, sin olvidarnos, eso si, de unos más que loables interiores retratados perfectamente a través de un sabio uso de luces y sombras. El director de la música es Franz Waxman, especializado en composiciones cinematográficas ("El crepúsculo de los dioses", "Rebeca", "Un lugar en el sol"), sobriedad y clase definen a la perfección la música que nos ofrece Waxman.
Un clásico nada menor, emocionante y absorbente, repleto de momentos memorables. Un excelente thriller que te atrapa de principio a fin y que se constituye sin duda una de las cimas del cine negro.
Cary Juant.
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Las Aventuras de Jeremiah Johnson
10 de Septiembre de 1972
Celebra con nosotros el 50 aniversario
del estreno de Las Aventuras de Jeremiah Johnson.
Existen
películas en la historia del cine que una vez visionadas quedan
adheridas a la memoria con una frescura y viveza que consiguen perdurar
con el paso de los años en nuestro imaginario, “Las aventuras de
Jeremiah Johnson” es una de ellas. El protagonista está encarnado por
Robert Redford, que con este trabajo consiguió la madurez en su carrera
cinematográfica, una madurez paralela a la amistad que le unía desde los
años sesenta al director del filme, Sydney Pollack. El magnífico guion
es de John Millius y Edward Anhalt, basado más en las novelas “Mountain
man” de Vardis Fisher. o “Crow killer” de Raymond Thorp y Robert Bunker
que en la verdadera historia del fronterizo “comedor de hígado Johnson”,
que según cuenta la tradición, para vengar la muerte de su mujer —una
india de la tribu de “las cabezas lisas”—, mató y comió los hígados de
los mejores guerreros “crow” (cuervos) que fueron sucesivamente enviando
contra él. Fue el primer western de la historia en inaugurar el
Festival de Cannes, pasó por numerosos problemas de financiación (que
obligaron, entre otras cosas, a improvisar el reparto de secundarios,
rodar en los terrenos del propio Redford, usar como vestuario ropas
compradas en mercadillos, e incluso suprimir el catering), pero el
director consiguió su objetivo, crear una inolvidable película, llena de
belleza, sentimiento y poesía.
Pollack
consigue crear uno de los universos de ficción más ricos y pintorescos
imaginados durante el Siglo XX, navegando sobre una deliciosa partitura y
disfrutando con una fotografía con mucho más de divino que de humano,
el espectador atraviesa junto a Jeremías por todas las etapas por las
que una persona de ciudad atravesaría en un hábitat si no hostil sí,
cuando menos, extraño: inexperiencia, frustración, adaptación,
embelesamiento… No hay una escena de más ni una escena de menos, la
película nos entretiene y educa al mismo tiempo, pienso que es
conveniente revisarla de vez en cuando para mantener fresca nuestra
capacidad para emocionarnos, para acordarse de que es bueno mantener la
llama de los propios sueños o de las propias fantasías.
Una
obra muy especial, Pollack nos muestra las Rocosas en Utah de un modo
absolutamente magistral, con esos planos generales llenos de belleza, no
hay duda de que estamos ante una película muy física pero, al mismo
tiempo, llena de tintes poéticos, donde el director recupera el sentido
del paisaje como obra maestra de la naturaleza. Pollack retrata
maravillosamente pedazos de realidad, a modo de fotogramas congelados
sacados de una bobina, que desnudan el mundo y nos describen con
objetividad sin paliativos, al hombre en contacto con la naturaleza,
personajes como el entrañable y locuaz anciano Claw Bear dedicado a la
caza del oso, el bandolero errante y sin escrúpulos Del Guey, el niño
"mudito" bautizado Calehb por el propio Jeremiah e hijo biológico de una
mujer enloquecida por una triste desgracia, "su" mujer india fruto del
habitual trueque tribal, el enigmático jefe de la tribu de los Cross,
Camisa Encarnada, el ejército de caballería, cementerios indios, escenas
de luchas terribles con una jauría de lobos... conforman una sobria y
bella película, filmada con esmero y talento, por uno de esos directores
que siempre, o casi siempre acierta con lo que nos ofrece.
Un
soplo de aire fresco (de la montaña, seguro) aún cincuenta años después
de estrenarse. Maravillosa, bella... inolvidable, un ejemplo modélico
de hacer cine de aventuras, o mejor dicho de hacer cine, seguro que sus
imágenes se van a calar en tu retina y no se van a marchar en mucho
tiempo.
Cary Juant.
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Häxan
18 de Septiembre de 1922
Celebra con nosotros el centenario
del estreno de Häxan.
Una
de esas joyitas del cine mudo danés (pionero en tantas cosas), con
muchas similitudes en forma, contenido, estructura y mensaje con “Las
páginas del Libro de Satán” de Dreyer, rodada más o menos al mismo
tiempo, e influyendo también en otra obra del propio Dreyer, “Dies
irae”. Grotesca, salvaje, visceral, cruda, explícita, sórdida, sombría,
onírica, descarada... una cinta sorprendente, deslumbrante, atrevida en
todo momento y, por encima de todo, con una estética cautivadora.
Absolutamente magnífica.
Cary Juant.
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Los Inconquistables
24 de Septiembre de 1947
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Los Inconquistables.
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En
cuanto a las maravillosas actuaciones tenemos a una Paulette Goddard
encantadora, Gary Cooper, muy Gary Cooper, de diez, Howard da Silva
repulsivo, Ward Bond en su estilo y el resto de secundarios encajan muy
bien en la historia con pinceladas de humor, amor, odio, lucha,
supervivencia, superación y patriotismo. Pero centrémonos en la pareja
protagonista, se lo merecen: Abigail Martha Hale (Paulette Goddard) es
la espita narrativa que desencadena la acción sentimental y física: su
condena por un crimen del que nunca sabremos más que lo sentenciado en
una vista pública londinense, su venta como fascinante esclava con
rasgos exóticos, los oscuros deseos que el traficante de armas Garth
proyecta sobre la joven y sobre todo la relación veladamente sexual y
abiertamente caótica que mantiene con el recto y
honesto
militar Holden (Gary Cooper) convierten a Abby-Paulette Goddard en una
heroína inolvidable, las imágenes de su delicado rostro, sometido a los
más abyectos escarnios, forman parte de esa iconografía del oeste
colonial con la humillación de una subasta pública, con el vestido
rasgado para ser sometida a latigazos, dándose un nada íntimo baño de
espuma en la casa del herrero Frazer, fregando el suelo de una sucia
taberna y como remate, maniatada por las tribus de Guyasuta (Boris
Karloff) a punto de arder en la hoguera; sin duda es uno de los
auténticos iconos del filme. Cooper ofrece de nuevo un recital de
integridad, valor, galantería y moral, es el prototipo del americano
medio, el hombre que todos quisieran tener como yerno, DeMille siempre
pensó que este animal de la escena había nacido doscientos años después
de su tiempo, que era un auténtico hombre de la frontera trasladado al
presente.
Aventura,
romance, drama, leyenda, tecnicolor, persecuciones, asedios, cascadas,
traiciones, bosques, indios, frontera, mosquetes, tomahawks, héroes
socarrones e infalibles y malos malísimos que odias desde el primer
fotograma, ¡qué más quieres! Una de esas películas que forman parte de
ese registro almacenado en la memoria y marcado a fuego desde la
infancia.
Cary Juant.
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Se Escapó la Suerte
27 de Septiembre de 1947
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Se Escapó la Suerte.
Una
de las primeras películas dirigidas por el gran Jacques Becker, autor
de obras maestras como “Montparnasse 19” (Los amantes de Montparnasse,
1958), o “Le trou” (La evasión, 1960), y una de las grandes influencias
de Godard y su panda. “Antoine et Antoinette” (Se escapó la suerte,
1947) tiene su referente en el Christmas in July (Navidades en julio,
1940) dirigida por Preston Sturges, y está también muy emparentada con
otra joya como “Esa pareja feliz” (1951) de Bardem y Berlanga. Su
Argumento está basado parcialmente en la comedia musical “El millón”,
dirigida por René Clair en 1931 y nos propone un alegre y entrañable
recorrido por el Paris de la posguerra a través de una humilde pareja,
que pierde un billete ganador de la lotería, y con ello, la oportunidad
de prosperar y salir de su precariedad.
Una magnífico filme, revelador de la madurez que atesoraba el cine de Becker ya desde sus primeros pasos como director. A partir de la precisión de un montaje extraordinario –obra de Margueritte Renoir-, el director articula un retablo lleno de ritmo y vitalidad. Filmada a pie de calle, con un estilo naturalista, cercano y cálido, la película de Becker nos sumerge en el retrato costumbrista de un París obrero, y de unos personajes empeñados en mantenerse felices pese a la dificultad del momento.
El
filme respira humanismo por todos los poros, ayudado por la gran labor
de sus actores, el papel de Becker por acercarse de la forma más
realista y cercana a su historia sobre el azar y los caprichos del
destino, y sobre todo por aproximarse a temas ligados con la condición
humana, como son el deseo de prosperar, o el deseo sexual. La película
recoge momentos de amable y alegre humanidad con la aparición de ese
plantel de personajes que pueblan la escalera, y las proximidades del
barrio, y que se muestran tan reales como solidarios, y amables. Ese
espíritu luminoso y alegre se transmite a lo largo y ancho del filme,
pese a las dificultades en las que se ve envuelta la pareja con la
pérdida del boleto, y cuyo destino mantiene al espectador con un nudo de
amargura. Recordemos que estamos en 1947, pero la película respira
modernidad, aunque los medios fueran limitados, los emplazamientos de
cámara, los encuadres o la disposición de los actores son una constante
pugna por contar las cosas de otra manera, por renovar el lenguaje
cinematográfico, abrirse camino para que luego otros lo allanaran y
pavimentaran.
Una película, divertida y humana que oscila entre ambientes duros, deprimentes y personajes que despuntan humanidad sana. La balanza se inclina hacia un horizonte esperanzador, y ese sabor alegre y dulce es con el que se arropa al espectador hasta en los últimos fotogramas de esta hermosa cinta. Cine de aroma clásico, esa clase de cine cándido, que no pasa de moda, y que reconforta y produce bienestar. Una estupenda comedia de corte neorrealista del que puede considerarse con toda justicia uno de los mejores directores franceses de todos los tiempos.
Cary Juant.
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En Legítima Defensa
3 de Octubre de 1947
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de En Legítima Defensa.
Un
clásico poco visto, una de las grandes obras del cine francés de
posguerra, una proeza del cine negro que le valió a Clouzot el codiciado
premio al mejor director en Venecia, mucho antes de sus triunfos
internacionales con obras maestras de la talla de "El salario del
miedo", o "Las diabólicas".
Un
fenomenal vehículo de intriga y suspense que anuncia ya muchas de las
cualidades por las que el director será apreciado en años posteriores.
Cary Juant.
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Sin Sombra de Sospecha
3 de Octubre de 1947
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Sin Sombra de Sospecha.
Cary Juant.
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El Callejón de las Almas Perdidas
9 de Octubre de 1947
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de El Callejón de las Almas Perdidas.
En
todas las enciclopedias se habla de un final patético, con Tyrone Power
convertido en monstruo de feria que devora pollos vivos, ese plano o
esa secuencia, que sería coherente con la película, no figuró en la
versión final del film, probablemente porque el final era de
comercialidad más que dudosa y no soportable para un público incapaz de
aguantar que tanta crueldad se cebase en su héroe.
Gran, gran película, original y fascinante, y que no ha perdido un ápice de actualidad a pesar de los setenta y cinco años transcurridos desde su estreno.
Gran, gran película, original y fascinante, y que no ha perdido un ápice de actualidad a pesar de los setenta y cinco años transcurridos desde su estreno.
Cary Juant.
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Robin de los Bosques
18 de Octubre de 1922
Celebra con nosotros el centenario
del estreno de Robin de los Bosques.
Film
rebosante de vitalidad, un auténtico “chute” de alegría, pero sin
faltar sus buenas dosis de romance, drama o comedia. Douglas Fairbanks
demuestra porque fue el primera gran leyenda del Cine, arrollando con su
energía, electricidad, sus dotes para irradiar simpatía y vigor,
saltando, cayendo, peleando… está fantástico en ese rol de pícaro
aventurero que encarnaba con naturalidad, vitalidad y optimismo. A
destacar también el magnífico elenco de secundarios: Enid Bennett, Sam
de Grasse, Paul Dickey, Allan Hale y sobre todo a Wallace Beery en el
papel del rey Ricardo.
Otro
de los grandes clásicos del cine de aventuras, disfrutemos de este
espectáculo brillante y divertido en el que no faltan las traiciones o
los lances amorosos, y todo ello salpicado con grandes dosis de sentido
del humor. Cine con mayúsculas que solo puede gozarse en todo su
esplendor en pantallas cinematográficas de grandes dimensiones, lástima
que nos tengamos que conformar con las del televisor, pero sin duda,
vale y muy mucho la pena.
Cary Juant.
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Crónica Negra
25 de Octubre de 1972
Celebra con nosotros el 50 aniversario
del estreno de Crónica Negra.
Cary Juant.
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Maestra Rural
30 de Octubre de 1947
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Maestra Rural.
Constituye un buen ejemplo del cine que realizaba Mark Donskoy, en ella reivindica a la mujer en su compromiso social a favor de los más necesitados, y logra que su carácter y su dignidad, reluzcan con toda su fuerza.
Una de las joyas de Donskoy, donde se muestra claramente la propuesta del cine Soviético Stalinista: calidad artística y propaganda. La primera parte del film es maravillosa, nos muestra de una forma educativa como la joven maestra Varenka consigue con esfuerzo ganarse el cariño de sus alumnos. La segunda parte, con la llegada del comunismo, Donskoy nos descubre a una Varenka apasionada por la llegada de la igualdad social de clases. Todo el film servido bajo una calidad artística asombrosa, aparte del carácter político del film hay que reconocer que la dirección de Donskoy es exquisita.
Una excelente película, cine emotivo, comprometido, todo un homenaje a todos los maestros que llevaron a todo el enorme territorio de la URSS el espíritu revolucionario, para el que la educación era un valor supremo y, en ningún caso, un privilegio reservado para las élites.
Cary Juant.
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Oliver Twist
30 de Octubre de 1922
Celebra con nosotros el centenario
del estreno de Oliver Twist.
El director Frank Lloyd crea un Londres de principios del siglo XIX completamente realista, todo un logro sobre todo teniendo en cuenta los recursos que por entonces tenía, se encuentra con una tarea prácticamente imposible, el tratar de abarcar toda la historia de Oliver, pero lo logra asombrosamente bien, encajando casi todas las tramas secundarias y personajes secundarios menores de la novela, seguramente esta versión es la más fiel a la novela original de Dickens, prácticamente todos los personajes principales y tramas secundarias se incluyen con pocos cambios, toda una hazaña para un film de 74 minutos de duración.
Otra espectacular joya de esa maravillosa época del séptimo arte que fue el cine silente, con unos fantásticos decorados, que recrean de manera expresionista y siniestra el Londres victoriano, y con unos magníficos trajes de esos mendigos y desesperados que rondaban por las truculentas calles de Londres, y que bien pudieron haber sido una fuente de inspiración para “Gangs of New York”, de Scorsese. realmente se puede arañar la mugre y oler el sumidero del agua estancada en cada callejuela. Sin duda una excelente película, si aún no la habéis visto, no os la perdáis, vais a disfrutar de un rato de buen cine.
Cary Juant.
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Cuerpo y Alma
6 de Noviembre de 1947
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Cuerpo y Alma.
El mundo del boxeo profesional, con su sordidez, amaños y demás miserias, ha sido llevado en múltiples ocasiones a la gran pantalla, ciertamente, esta película no es la primera que aborda el tema, pero sí podemos afirmar que es el clásico a partir del cual todas las posteriores se han rodado y concebido. Como siempre el tema pugilístico es el “McGuffin” para hablar de temas universales como el capitalismo despiadado, la ambición, la codicia, el vender tu alma en pos del éxito monetario, la búsqueda de la redención... Presenta el mundo de la trastienda del boxeo como alegoría de nuestra sociedad, solo salen adelante los más crueles y amorales, microcosmos repleto de mafiosos, violencia, vejaciones, muertes, decadencia, y asimismo puede verse como un nuevo asalto al Sueño americano.
Inolvidable cinta del no lo suficientemente valorado Robert Rossen, quien logra con esta imponente y soberbia obra maestra, uno de los retratos más lúcidos y amargos jamás realizados sobre el casi siempre sórdido submundo del boxeo, un espacio habitado por sanguijuelas, ratas y alimañas de la más baja condición, que no dudan en corromper el alma y la dignidad humanas con tal de satisfacer sus ansias de dinero y poder. Una película especial, brillante, sin duda entre los grandes clásicos del género, después vendrían absolutas maravillas tales como "Marcado por el odio", "El ídolo de barro" o "Más dura será la caída " , sin olvidar a la madre de todas "The champ" de King Vidor.
Cary Juant.
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La Barrera Invisible
11 de Noviembre de 1947
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de La Barrera Invisible.
Un film de notable interés, valiente y arriesgado, sin duda no es una de las películas más interesantes dentro de la notable trayectoria de Elia Kazan, pero sí pienso que merece mucho la pena su visionado.
Cary Juant.
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Phantom
13 de Noviembre de 1922
Celebra con nosotros el centenario
del estreno de Phantom.
Una gran película, oscura, extraña, cautivadora. No está a la altura de "Nosferatu" o "Amanecer", por citar dos de las múltiples obras maestras del genio alemán, pero sin duda vale y muy mucho la pena su visión.
Cary Juant.
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La Mujer del Obispo
25 de Noviembre de 1947
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Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de La Mujer del Obispo.
Koster, director que tuvo que huir de la Alemania nazi cuando abofeteó a un empleado de banca que se negaba a entregarle su dinero por ser judío, siempre fue un tipo de elegantes puestas en escena, ya fuera en musicales y comedias o cuando le correspondían retos como lo fue llevar a cabo la que fuera la primera película en Cinemascope, con lo que suponía disponerlo todo para una pantalla mucho más alargada que de costumbre, como ya comentamos anteriormente, aquí también le correspondió arreglar un desaguisado, el director William Seiter fue despedido por desavenencias con Goldwyn y cuando llegó para sustituirle lo primero que hizo fue que Cary Grant y David Niven se intercambiaran los papeles, con muy buen ojo, por cierto.
Admirable comedia con un excelente ritmo narrativo y un muy sutil sentido del humor, una encantadora historia capaz de producir emotividad y risas, pero también reflexión y añoranza. Prepararos a disfrutar en vuestro sillón favorito de un entrañable regalo navideño.
Cary Juant.
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Retorno al Pasado
25 de Noviembre de 1947
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Retorno al Pasado.
Existen
películas que elevan la categoría del cine negro a las cotas más altas
de la excelencia y genialidad cinematográficas, una de estas películas,
tallada en sombras e intrigas, amores y crímenes, pasiones y misterio,
no es otra que la joya que el francés Jacques Tourneur trajo al mundo
del cine cinco años después de que estrenara su obra de referencia “La
Mujer Pantera” (Cat People, 1942), y que puso por título “Retorno al
Pasado”. La genialidad de Tourneur se percibe desde el primer al último
fotograma a través de un guion magistralmente adaptado y de una
fotografía que constituye una delicia visual difícil de superar. El
guion se basa en una novela de Daniel Mainwaring, quien también lo
transpone al filme y está repleto de ingeniosos giros y reflexiones
sobre el amor, la posibilidad de cambiar, la muerte y el destino, al
mismo tiempo que ayuda a definir la psicología de los personajes con una
notable profundidad.
El
film suma cine negro, drama, intriga y thriller. Presenta una trama que
se torna progresivamente compleja, en la que se dan cita los
principales características del cine negro. Las atmósferas son
opresivas, sombrías e inquietantes, en ellas palpitan la traición, la
deslealtad, el chantaje, la venganza, el fraude, la mentira y la
fatalidad. Los personajes, cada uno a su manera, encarnan
manifestaciones del mal: el gángster elegante y de trato afable es un
asesino implacable, la bellísima mujer fatal es codiciosa, destructiva y
mata sin piedad, los esbirros del gángster matan por dinero… Son
figuras oscuras, ambiguas y retorcidas, viven permanentemente
angustiados y dominados por el peso de amenazas difusas e intangibles,
el pasado siempre regresa para proyectar su sombra implacable de
fatalidad y destrucción. Desde el principio te envuelve una atmósfera
asfixiante, casi no te deja respirar, continuamente suceden cosas, el
ritmo es magnifico, la puesta en escena excelente, el guion enorme,
parte de la sencillez para adentrarse en un entretejido argumental
reforzado con “flashbacks” que acompañan al espectador a descubrir cada
parte del filme como una pieza que poco a poco va encajando con las
demás hasta formar un puzle perfectamente definido y completo.
La
fotografía constituye otra de las principales aportaciones que
confieren calidad y majestuosidad a este fantástico “filme noir”, y se
concreta en el juego de claroscuros (geniales los planos ambientados en
Nueva York), las luces y sombras (a destacar la bellísima parte en
Acapulco, donde la luminosidad del exterior contrasta con la
ambientación sombría del interior de los cafés) y los primeros planos
(irremplazable el rostro de Robert Mitchum capaz de expresar profundas
emociones con sólo un gesto, sin duda uno de sus mejores trabajos). Los
encuadres incluyen a los paisajes como unos protagonistas más de la
historia, ya que describen el entorno en el que se desenvuelven los
personajes y reflejan su estado de ánimo así como se erigen en
verdaderos marcos pictóricos para cada uno de los planos, como si se
tratara de pequeñas y sutiles postales que pretenden dejar en la memoria
del espectador la magia de cada escenario. Pero además de esto, sería
una negligencia no hacer referencia a uno de los puntos fuertes que
tiene este filme y que no podía ser otro que el reparto con el que
cuenta, en el papel protagonista está un joven Robert Mitchum que hace
gala de su dominio de las facciones para ofrecer un registro expresivo
conocidamente sobrio pero que aprovecha cualquier mínima variación para
desprender infinidad de matices que dicen mucho más que cualquier
palabra, configurando un personaje a la vez atormentado y con un
sentimiento de alegría jovial que vemos emerger en una media sonrisa.
Junto a él, se incluyen un estupendo Kirk Douglas en el papel del
mafioso Whit Sterling y una magistral Jane Greer interpretando una de
las mejores “femmes fatales” que se hayan visto y verán en el cine.
Un auténtico clásico del cine negro, una obra con mayúsculas filmada en estado de gracia por Tourneur. Una auténtica maravilla.
Un auténtico clásico del cine negro, una obra con mayúsculas filmada en estado de gracia por Tourneur. Una auténtica maravilla.
Cary Juant.
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El Juez de la Horca
1 de Diciembre de 1972
Celebra con nosotros el 50 aniversario
del estreno de El Juez de la Horca.
Esta interpretado de modo arrollador por el coloso Paul Newman en pleno apogeo de su figura, lo compone a su aire se nota libre, desatado, su carismática figura le daba para encandilar con su sola mirada, un titán que anula al que se le acerca, la cámara solo tiene ojos para él, uno de los más grandes, nos ofrece todo un recital lleno de instantes muy divertidos, y sobre todo emotivos.
Toda una una gamberrada de película con la que seguro vas a pasar un buen rato, se nota que Huston y Newman se lo pasaron en grande rodando este film. Como curiosidad indicaros que los hermanos Coen la ponen en su lista de los 5 mejores westerns de la historia.
Cary Juant.
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La Huella
10 de Diciembre de 1972
Celebra con nosotros el 50 aniversario
del estreno de La Huella.
Incuestionable obra maestra tanto en la filmografía de Mankiewicz como en el género de intriga policíaca, articulada en torno a la ironía, la sutileza e inteligencia emanada de los diálogos que componen el fantástico guion Anthony Schaffer, autor del que Hitchcock adaptó otra obra suya para realizar otra joya del cine, "Frenesí". "La huella" propone una ácida y lúcida visión en torno al juego con todas sus vertientes: la del lenguaje (en sus juegos de palabras, adivinanzas, alusiones, registros diversos según la extracción social, los interrogantes, los ingeniosos diálogos), los trucos (encarnados en los muñecos burlones mecánicos, la ruleta que marca el destino, la diana que esconde una caja fuerte, el disfraz, el arma trucada y el arma de fuego real) y el divertimento (juegos de mesa, billares, juguetes musicales, instrumentos).
Una obra maestea sin paliativos, temas de Cole Porter como el "Anything Goes" sirviendo de "esclarecedoras pistas", ingeniosos diálogos a la altura de los más grandes guionistas del Holywood dorado, atmósfera psicológicamente perturbadora, y unas actuaciones sobrepasando los límites de la más inverosímil perfección hacen de esta cinta una de las imprescindibles de todos los tiempos. Sentaos, relajaos y disfrutad de esta maravilla que nos ofrece Mankiewixz, y recordad… sólo es un juego.
Cary Juant.
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La Aventura del Poseidón
12 de Diciembre de 1972
Celebra con nosotros el 50 aniversario
del estreno de La Aventura del Poseidón.
Brillante película de acción y catástrofes magistralmente dirigida por Ronald Neame y que, a partir del momento en el que sucede la catástrofe, no da un segundo de respiro al espectador, todo un torrente de tensión, suspense y aventura. Como ya he comentado anteriormente, para mi gusto una de las mejores películas del llamado subgénero “catastrofista”, posteriormente ha habido más “Poseidones” pero qué queréis que os diga, de ellos mejor ni hablar.
Cary Juant.
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La Huida
16 de Diciembre de 1972
Celebra con nosotros el 50 aniversario
del estreno de La Huida.
Estaciones con el aire cargado, inmigrantes y soldados del Vietnam que vuelven a casa... Y nuestra pareja pasando apuros, tras ellos mafiosos con gafas de culo de vaso y repetidoras humeantes, y guarros, guarros de verdad que comen en el coche pistola en mano, o los matas o te suicidas… Y Peckinpah, incomodándonos, creando tensión e intriga. Una de sus grandes películas, uno de los films de acción más trepidantes a la par que románticos de la historia, por cierto, esto no es una historia de buenos y malos, sino más bien de muy malos y menos malos.
Cary Juant.
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Avanti!
17 de Diciembre de 1972
Celebra con nosotros el 50 aniversario
del estreno de Avanti!
Wilder aprovechó Avanti! para ironizar sobre las muy relativas preocupaciones y virtudes norteamericanas, sobre la fragilidad de la fidelidad conyugal y el descubrimiento de una fascinante forma de afrontar la vida ignorada por seres humanos a los que se les limitó desde antaño su capacidad de emoción en pro de su éxito profesional y social. Desarrolla su visión de la complejidad del género humano a través de un grupo de personajes unidos por circunstancias luctuosas, indaga en sus comportamientos en relación con un entorno idílico y relativiza la importancia de las normas de conducta en apoyo de la libertad moral, la tolerancia, la alegría de vivir y el amor por encima de cualquier status social o económico.
Comedia simpática, luminosa, soleada, una obra de arte con todas sus palabras. Una película que como los buenos vinos, no ha dejado de crecer en calidad y sabor. Gracias Billy, si no fuiste Dios, sí fuiste una de sus mejores obras.
Cary Juant.
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La Dama de Shanghai
24 de Diciembre de 1947
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de La Dama de Shanghai.
Una de las joyas imperecederas del cine negro. Amputada, desigual e imperfecta, pero decididamente genial. Un filme perfecto en su imperfecta perfección.
Cary Juant.
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La Brigada Suicida
25 de Diciembre de 1947
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de La Brigada Suicida.
“La brigada suicida” destaca por su notable brío narrativo, así como por su inquietante atmósfera sórdida y por su estética expresionista, ideada por ese genio de la fotografía cinematográfica en B/N que fue John Alton, con profusión de sombras tenebrosas parcialmente rasgadas por ramalazos de luz que acentúa la impresión de sordidez y dota a la película de un aire trágico. Mann consigue un resultado de calidad suprema apoyado en esta fotografía mágica, espectacular, magnética del maestro John Alton, es inaudito que con el único recurso del encuadre apropiado para cada escena Alton consiga perturbarnos trasladándonos al mundo subterráneo del hampa a través de un juego de claroscuros y luces parpadeantes que oscurecen al contacto con el rostro de los actores, consiguiendo una atmósfera próxima al cine de terror.
Una
fantástica película con todos los ingredientes del mejor cine negro
clásico de bajo presupuesto: fotografía de barrocos claroscuros e
impactantes contrapicados que impulsan el suspense de cada plano,
interpretaciones sobrias y enérgicas de un plantel de actores fraguados
en las trincheras de la serie B (destacando el gran Dennis O´Keefe, el
actor fetiche de Anthony Mann en su etapa noir), predominio de planos
de interior intimistas, violencia extrema exhibida sin tapujos al más
puro estilo del cine de acción… Una obra de sobresaliente calidad que
estimula la reconciliación con esas pequeñas películas que se hacían
antes y que el tiempo se ha encargado en convertir en obras de arte.
Cary Juant.
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Doble Vida
25 de Diciembre de 1947
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Doble Vida.
Genial mezcla de drama, Thriller, cine negro y teatro que nos muestra a la perfección el talento que tenía este gran director, su buen gusto, su estilo elegante y su excelente dirección de actores. En pie, señores, el telón ha caído.
Cary Juant.
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Al Volver a la Vida
31 de Diciembre de 1947
Celebra con nosotros el 75 aniversario
del estreno de Al Volver a la Vida.
Cary Juant.
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